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Wajda, Andrzej

Andrzej Wajda
(1926- )
Cinéaste polonais
qui exprima la force de son engagement politique au travers d’une oeuvre
consacrée en grande partie à l’histoire de son pays au lendemain de la
Seconde Guerre mondiale

Wajda est né à SuwaLski. En 1942, il prend
part à la Résistance, dans l’organisation dirigée par le gouvernement
provisoire de Londres. Il poursuit ses études à la Libération et sort, en
1952, de l’école de cinéma de lódz. Il réalise en 1954 son premier
long-métrage, Une fille a parlé; si ce film est déjà remarqué par la
critique pour la violence et la beauté de ses images, qui évoquent Buñuel (Wajda le reconnaît
explicitement comme un de ses maîtres), c’est en 1957, avec Canal, qu’il
conquiert vraiment une audience internationale.

Après avoir exercé divers petits métiers, Andrzej Wajda s’engagea dès
l’âge de seize ans dans la Résistance et combattit contre les nazis qui
occupaient la Pologne. Il étudia ensuite la peinture à l’Académie des
beaux-arts de Cracovie et le cinéma à l’école de Lodz.

Son oeuvre, depuis lors, s’est poursuivie jusqu’à la consécration
actuelle. Il y a, chez lui, une volonté farouche de rester enraciné dans
sa terre, dans sa patrie. De fait, ses meilleurs films sont ceux qui
traitent la réalité concrète de l’histoire de la Pologne. Non que certains
films réalisés pour la télévision, comme Le Bois de bouleaux, drame très
tchékhovien (1970), ou La Ligne d’ombre, tourné hors de Pologne, d’après
Conrad (1975), soient indifférents. Mais l’oeuvre de Wajda, c’est avant
tout la Pologne : d’abord, l’histoire de la prise de conscience d’un jeune
ouvrier, qui découvre à la fois l’amour, la Résistance, le communisme, le
patriotisme (Une fille a parlé); puis, successivement, la tragique odyssée
de la révolte de Varsovie (l’armée soviétique, par sa passivité, laissa
alors la Wehrmacht écraser la révolte) dans Canal; les conflits, après la
chute du nazisme, entre le nouveau régime communiste et ce qui restait de
guérilleros désespérés, les résistants naguère commandés de Londres, aussi
anticommunistes qu’antinazis, prêts à tous les sabotages, tous les
attentats (Cendres et Diamants, 1958); la guerre antiallemande de 1939,
absurde et magnifique, avec ses charges à cheval (Lotna, 1959).

Il faut ici ouvrir une parenthèse : la vie polonaise fut alors marquée,
sur le plan culturel, par la présence d’un acteur étonnant, qui eut la
même aura que Gérard Philipe en France : Zbigniew Cybulski. Inoubliable au
théâtre comme au cinéma, Cybulski composa notamment, dans Cendres et
Diamants, le personnage du rebelle; la séquence finale de sa mort inspira
largement la scène analogue de la mort de Belmondo dans Pierrot le Fou, de
Jean-Luc Godard. Après la mort
brutale et accidentelle de Cybulski, Wajda lui consacra un film déchirant
en 1968 : Tout est à vendre.

Paysage après la bataille (1970) se déroule au moment où s’ouvrent les
camps de concentration allemands. Les Noces (1972) met en scène un
classique du théâtre polonais, une folle nuit de révolte nationale à une
époque où la Pologne n’existait plus géographiquement, à mi-chemin entre
le panache gratuit et le rêve total. La Terre de la grande promesse (1974)
dépeint les luttes sans merci que se livrent les capitalistes, au début de
l’industrialisation. L’Homme de marbre (1976) attendit deux ans pour
sortir : il s’agissait en effet du sujet le plus brûlant possible de
l’histoire de la Pologne. Cet «homme de marbre» est un stakhanoviste, un
travailleur de choc, magnifié en 1950, dans la plus pure tradition
stalinienne. En 1976, une étudiante veut réaliser son «film de diplôme» de
l’École de cinéma et choisit la biographie de cet homme. Elle est amenée,
dans ses recherches, à remuer les cendres d’une époque que bien des
Polonais préfèrent alors occulter. L’énorme succès du film en Pologne, le
fait que le film ait eu les autorisations nécessaires pour être tourné,
puis projeté, même avec des réticences, représentèrent des éléments
profondément positifs pour l’évolution de la vie intellectuelle et
artistique en Pologne.

Depuis Les Noces, le style d’Andrzej Wajda a pris un tournant marqué.
Le cinéaste adopte de plus en plus systématiquement les objectifs à courte
focale; il s’agit d’objectifs qui embrassent un champ plus large que la
vision normale de l’oeil humain. L’usage de cet objectif, lorsque la
caméra effectue des mouvements rapides, amène parfois des distorsions
désagréables, dans La Terre de la grande promesse notamment; la maîtrise
du procédé, par contre, est éclatante dans L’Homme de marbre.

Depuis L’Homme de marbre - et mis à part Les Demoiselles de Wilko
(1978), film dans lequel il retrouve le ton intimiste du Bois de bouleaux
-, Wajda a réalisé d’autres films sur la Pologne d’aujourd’hui : Sans
anesthésie (1977), Le Chef d’orchestre (1979) et, surtout, L’Homme de fer
(palme d’or à Cannes en 1981). À travers l’histoire du fils du héros de
L’Homme de marbre, Wajda montre la Pologne de 1980, les émeutes de Gdansk
de 1970 à 1980 et la naissance du syndicat Solidarité. Lech WaLesa y
interprète son propre rôle. Si le film intéresse par son aspect
documentaire, il est moins satisfaisant du point de vue artistique,
l’amalgame se faisant mal entre les scènes narratives et les bandes
d’actualité que Wajda a intégrées au montage. Son Danton, tourné en France
en 1982, n’échappe pas, lui non plus, à une certaine lourdeur théâtrale.
Un amour en Allemagne (1983) et Chroniques des événements amoureux (1986)
poursuivent l’évocation de la mémoire polonaise. Wajda a également réalisé
Les Possédés, d’après Dostoïevski (1987).

L'oeuvre du cinéaste polonais le plus connu en dehors de son pays est
toute entière vouée à l'histoire de la Pologne, parcourue à toutes ses
époques. Dès son premier long métrage, Génération (1955), qui marque un
tournant dans le cinéma polonais d'après-guerre, il prend le titre de chef
de file de « l'école polonaise». Au carrefour d'une conception
traditionnelle et d'une inspiration romantique et existentielle, Wajda a
été de tous les combats : de Cendres et Diamants (1958) jusqu'à l'Homme de
marbre (1977), il n'a cessé de critiquer les dogmes du
réalisme-socialiste, les mécanismes du pouvoir stalinien ou les démêlés du
peuple polonais avec l'antisémitisme.

Le premier film de Wajda s’intitulait Une fille a parlé (Pokolenie,
1955) ; il fut suivi de Ils aimaient la vie (Kanal, 1957) et de Cendres et
Diamants (Popiol i Diament, 1958). Cette trilogie décrivait les espoirs et
les tensions régnant au sein de la Pologne après la Seconde Guerre
mondiale. Dans Cendres et Diamants, Zbigniew Cybulski, jeune acteur
fétiche de Wajda, incarnait les passions d’une nouvelle génération
partagée entre ses propres rêves et le culte nationaliste de l’héroïsme.
Dans la Dernière Charge (Lotna, 1959) et Paysage après la bataille
(Krajobraz po bitwie, 1970), Wajda, qui dans la plupart de ses oeuvres
posa les problèmes d’ordre moral soulevés par le conflit entre le choix
individuel et l’action politique, revint aux thèmes de la guerre et du
mythe absurde de l’héroïsme. Tout est à vendre (Everything for Sale, 1968)
rendit quant à lui hommage au jeune Cybulski, qui se tua dans un accident
en 1967. Considéré comme le plus grand réalisateur polonais de sa
génération, Wajda fut nommé en 1972 président de l’Union des cinéastes
polonais. En 1975, il réalisa une de ses oeuvres maîtresses : la Terre de
la grande promesse (Ziema Obiecana). Au cours des années soixante-dix et
quatre-vingt, l’Homme de marbre (Czlowiek z Marmur, 1977) dénonça les
méthodes employées durant la période stalinienne, tandis que l’Homme de
fer (Cziowiek z Zelaza, 1981) traitait de l’agitation politique qui
devenait de plus en plus importante en Pologne ainsi que de la montée du
mouvement Solidarité.

Wajda réalisa également des films à l’étranger, notamment Danton en
1982.

Walsh, Raoul

Raoul Walsh
(de son vrai nom Albert Edward
Walsh)
(1887-1980)
Réalisateur américain

Né à New York, Raoul Walsh est d'origine
irlandaise. Après une jeunesse aventureuse passée en Europe, il devient
comédien de théâtre, puis travaille pour David W. Griffith qui l'envoie au
Mexique tourner des séquences documentaires pour The Life of General Villa
(1914), cosigné avec Christy Cabanne, sur les exploits du révolutionnaire
Pancho Villa. Pour Griffith encore, il interprète le
rôle de l'assassin d’Abraham Lincoln dans Naissance d'une nation (Birth of
a Nation, 1915).

À L’ÉPOQUE DU MUET

Walsh a réalisé une cinquantaine de films muets entre 1914 et 1929.
Également scénariste ou acteur de plusieurs d'entre eux, il fait preuve
d’un sens artistique très sûr et contribue à la fondation du film noir
avec The Regeneration (1915). Son féerique Voleur de Bagdad (The Thief of
Bagdad, 1924) avec Douglas Fairbanks remporte un immense succès et compte
parmi les grands classiques du cinéma muet. Désormais influent et respecté
à Hollywood, il dirige les stars de l'époque, Pola Negri dans East of Suez
(1925), Lionel Barrymore dans The Lucky Lady (1926) et Gloria Swanson dans
Faiblesse humaine (Sadie Thompson, 1928), d'après Rain, une oeuvre de
Somerset Maugham. Il obtient également un grand succès avec Au service de
la gloire (What Price Glory, 1926).

Walsh, le Voleur de
Bagdad
Avec son incroyable vitalité, sa bonne humeur radieuse, ses
décors somptueux et ses rebondissements effrénés, le Voleur de Bagdad est,
avant tout, une célébration du bonheur de vivre. Sur cette image, Ahmed
l'audacieux voleur (Douglas Fairbanks) rejoint sa bien-aimée, la fille du
calife (Julanne Johnston).

LES ANNÉES TRENTE

Walsh s’adapte sans difficulté au film parlant. Amoureux de Shakespeare
et boulimique de travail, il tourne jusqu'à cinq films par an, passant
avec aisance d'un genre à l'autre et donnant à chaque fois une touche
personnelle aux oeuvres les plus diverses. De 1929 à 1939, il réalise
vingt-quatre films :

des westerns : In Old Arizona (1929),
d'après The Cabalerro's Way de O'Henry, la Piste des géants (The Big
Trail, 1930) où John Wayne fait ses débuts, et
Annie du Klondike (Klondike Annie, 1935) avec Mae West;

des mélodrames : le Passeport jaune (The
Yellow Ticket, 1931) et Spendthrift (1936), avec Henry Fonda;

des comédies : Amour de marin (Sailor's
Luck, 1933), et Baby Face Harrington (1935);

des films musicaux : Au pays du rêve (Going
Hollywood, 1933), avec Bing Crosby, Nuit après nuit (Every Night at
Eight, 1935), avec Alice Faye, Artistes et Modèles (Artists and Models,
1937), Femme en cage (Hitting A New High, 1937), avec Lily Pons, College
Swing (1938) et Saint Louis Blues (1939);

des films militaires : Têtes brûlées (The
Cock-Eyed World, 1929), Women of all Nations (1931) et You're in the
Army Now (1937);

des films d'aventures : les Faubourgs de
New York (The Bowery, 1933) et les Deux Aventuriers (When Thief Meets
Thief, 1937);

un film policier : Empreintes digitales
(Big Brown Eyes, 1936), avec Cary Grant;

un film noir : les Fantastiques Années 20
(The Roaring Twenties, 1939).

LES ANNÉES QUARANTE

Walsh retrouve d'abord John Wayne pour un western,
l'Escadron noir (The Dark Command, 1940), puis participe à la construction
du «mythe» Humphrey Bogart avec Une femme dangereuse (They Drive by Night,
1940) et la Grande Évasion (High Sierra, 1941). Il tourne ensuite une
comédie romantique avec Olivia de Havilland et James Cagney, Strawberry
Blonde (1941), considéré comme un de ses chefs-d’oeuvre, où il décrit la
vie sentimentale de personnages ordinaires avec une grande finesse. Il
réalise également un mélodrame avec Marlène Dietrich l'Entraîneuse fatale
(1941) et un film d'espionnage avec George Raft, Intrigue en Orient
(Background To Danger, 1943), d'après un roman d’Eric Ambler.

Dans la même période, il réalise six films avec Errol Flynn : un
western, la Charge fantastique (They Died With Their Boots On, 1941), une
comédie, Gentleman Jim (1942) et quatre films qui participent de l’effort
de guerre, Sabotage à Berlin (Desperate Journey, 1942), Du sang sur la
neige (Nothern Pursuit, 1943), Saboteur sans gloire (Uncertain Glory,
1944) et Aventures en Birmanie (Objective, Burma!, 1945).

LE ROI DES GENRES

Après la guerre, il dirige Alan Ladd dans une comédie dramatique, Sa
dernière course (Salty' O Rourke, 1945) et Jack Benny dans une
fantasmagorie, The Horn Blows at Midnight (1945), puis navigue avec
bonheur dans tous les genres :

le mélodrame avec The Man I Love (1946), la
Ruelle du péché (Glory Alley, 1952), Bungalow pour femmes (The Revolt of
Mamie Stower, 1956) et l'Esclave libre (Band of Angels, 1956), avec
Clark Gable;

le film de guerre avec les Géants du ciel
(Fighter Squadron, 1948), le Cri de la victoire (Battle Cry, 1955), les
Nus et les morts (The Naked and The Dead, 1958) et Marines Let's Go
(1961);

la comédie avec One Sunday Afternoon
(1948), et les Déchaînés (A Private's Affair, 1959);

le film politique avec Un homme à abattre
(A Lion in the Street, 1953);

le péplum avec Esther et le roi (Esther and
The King, 1960);

le film noir avec L'enfer est à lui (White
Heat, 1949), et la Femme à abattre (The Enforcer, 1951), dont il reprend
le tournage à Bretaine Windust;

le film d'aventures maritimes, où il se
montre inégalable avec Capitaine sans peur (Captain Horatio Hornblower,
1949), Le monde lui appartient (The World in his Arms, 1952), Barbe
Noire le pirate (Blackbeard The Pirate, 1952) et la Belle Espionne (Sea
Devils, 1943).

Il signe également de grands westerns : la Vallée de la peur (Pursued,
1947), Cheyenne (1947), la Rivière d'argent (Silver River, 1948), la Fille
du désert (Colorado Territory, 1949), Une corde pour te pendre (Along The
Great Divide, 1951), les Aventures du capitaine Wyatt (Distant Drums,
1951), Victime du destin (The Lawless Breed, 1952), Bataille sans merci
(Gun Fury, 1953), la Brigade héroïque (Saskatchewan, 1954), Un roi et
quatre reines (A King And Four Queens, 1956), la Blonde et le Shérif (The
Sheriff of Fractured Jaw, 1958) et la Charge de la huitième brigade (A
Distant Trumpet, 1964).

Walsh, dont l’abondante filmographie compte d’admirables
chefs-d’oeuvre, est considéré comme un auteur majeur du cinéma américain
et apprécié pour son style lyrique, picaresque, coloré, et sa mise en
scène percutante et dynamique. Ce personnage haut en couleur s’est
notamment distingué par la sensibilité et la dignité de ses portraits de
femmes.

Il est l'auteur d'une autobiographie intitulée Un demi-siècle à
Hollywood (Each Man in His Time, 1974) et d'un roman, la Colère des justes
(1972).

Wayne, John

John Wayne
(De son vrai nom Marion Michael
Morrison)
(1907-1979)
Acteur et réalisateur américain

Né à Winterset (Iowa), John Wayne est d’abord
figurant dans des films de John Ford. Il devient plus tard
vedette de la Piste des géants (The Big Trail, 1930) de Raoul Walsh, puis végète quelques
temps dans la série B et devient enfin une vedette de premier plan avec la
Chevauchée fantastique (Stagecoach, 1939) de John Ford et l'Escadron noir (The
Dark Command, 1940) de Raoul Walsh.

Il interprète d'excellents westerns, comme l'Amazone
aux yeux verts (Tall In The Saddle, 1944) de Edward L. Marin, Hondo,
l'Homme du désert (Hondo, 1953) de John Farrow, la Rivière rouge (Red
River, 1948), Rio Bravo (1958), El Dorado (1966) et Rio Lobo (1970) de Howard Hawks, les Quatre Fils de
Katie Elder (The Sons of Katie Elder, 1965) et 100 dollars pour un shérif
(True Grit, 1969) de Henry Hathaway, Une bible et un
fusil (Rooster Cogburn, 1975) de Stuart Miller, qui lui vaut un oscar, et
le Dernier des Géants (The Shootist, 1976) de Don Siegel, son dernier
film. Toujours dans le genre du western, il est l’acteur fétiche de John Ford et joue dans le
Massacre de Fort Apache (Fort Apache, 1948), le Fils du désert (Three
Godfathers, 1948), la Charge héroïque (She Wore A Yellow Ribbon, 1949),
Rio Grande (1950), la Prisonnière du désert (The Searchers, 1955), l'Homme
qui tua Liberty Valance (The Man Who Shot Liberty Valance, 1961), les
Cavaliers (The Horse Soldiers, 1959) et la Conquête de l'Ouest (Conquest
Of The West, 1963).

Il apparaît aussi dans des films de guerre, dont Iwo Jima (1949)
d’Allan Dwan, les Diables de Guadalcanal (The Flying Leathernecks, 1951)
de Nicholas Ray, le Jour le plus
long (The Longest Day, 1961) d’Andrew Marton et Première victoire (In
Harm's Way, 1964) d’Otto Preminger.

Dans son impressionnante filmographie, citons encore le Réveil de la
sorcière rouge (Wake Of the Red Witch, 1948) d’Edward Ludwig, l'Homme
tranquille (The Quiet Man, 1952), l'Aigle vole au soleil (Wings Of the
Eagles, 1956) et la Taverne de l'Irlandais (Donovan's Reef, 1963) de John Ford, l'Allée sanglante
(Blood Alley, 1955) de William Wellman, le Barbare et la
Geisha (The Barbarian and the Geisha, 1958) de John Huston et Hatari (1960) de
Howard Hawks.

John Wayne a réalisé lui-même Alamo (1960) et les Bérets verts (The
Green Berets, 1968), film fortement teinté d’anticommunisme.

Welles, Orson

Orson Welles
(1915-1985)
Acteur,
réalisateur et auteur américain

Né à Kenosha dans le Wisconsin, Orson Welles
est un enfant prodige aux dons multiples. Il perd ses parents à l’âge de
treize ans et voyage avec son tuteur en Europe, où il s'initie à la magie,
au théâtre, à la tauromachie et au dessin.

L'acteur et réalisateur américain Orson Welles fait partie des
personnalités les plus riches de l'histoire du cinéma. Chez les critiques,
son premier film en tant que réalisateur, Citizen Kane (1941), a toujours
figuré au palmarès des dix meilleurs films de tous les temps. Parmi les
plus célèbres des films qu'il a interprétés figure le Troisième Homme
(1949) de Carol Reed, dans lequel il
incarne un mystérieux trafiquant dans la Vienne de l'après-guerre. Cette
photo le montre dans une taverne viennoise.

De retour aux États-Unis, il publie des nouvelles, devient acteur et
metteur en scène de théâtre, crée le Mercury Theatre (1937) et y monte de
nombreux spectacles aux mises en scène originales.

Parallèlement, il tourne deux courts métrages, The Hearts of Age (1934)
et Too Much Johnson (1938), et produit, écrit et joue des centaines de
pièces pour la radio entre 1936 et 1942. À la suite du mouvement de
panique nationale déclenchée par l'une d'elles, la Guerre des mondes,
d’après H. G. Wells, il est engagé à Hollywood.

La Dame de Shanghai
La Dame de
Shanghai est un véritable art du plan qui fait du film une brillante
démonstration de force. Emblème parmi d'autres du génie wellesien, cette
virtuosité culmine sans doute dans la scène de mise en abyme finale du
palais des glaces, où les images d'Elsa Bannister/Rita Hayworth (ci-dessus
à droite, mortellement bléssée) et de Michael O'Hara/Orson Welles se
reflètent à l'infini. La Dame de Shanghai connaîtra un échec commercial
lors de sa sortie et ce sera pour Orson Welles le dernier film qu'il
réalisera à Hollywood dans d'« heureuses» conditions.

Son premier long métrage, Citizen Kane (1941), révolutionne l'écriture
cinématographique et le révèle d’emblée comme un génie du septième art.
Mais son film suivant, la Splendeur des Amberson (The Magnificent
Ambersons, 1942), est malheureusement défiguré au montage par la
production, alors que Welles tourne au Brésil un ambitieux documentaire,
It's All True (1942). C’est le premier d’une longue série de conflits et
de difficultés avec les producteurs, qui marquera toute la carrière de
Welles.

Citizen Kane
Orson Welles et
Joseph Cotten dans Citizen Kane (1941) d'Orson Welles.
Engagé à grands
frais par la RKO, Orson Welles était devenu célèbre malgré son jeune âge
grâce à son travail au sein du Mercury Theater à New York et à une
fracassante émission de radio d'après la Guerre des mondes de H. G. Wells.
Son premier film — l'un des chefs-d'oeuvre les moins contestés de
l'histoire du cinéma — intègre de nombreuses innovations techniques et
narratives. Le personnage de Kane s'inspire de certains aspects de la
personnalité du magnat de la presse Randolph Hearst, ce qui valut bien des
déboires au film et une insidieuse campagne de presse.

Il produit et interprète encore Voyage au pays de la peur (Journey Into
Fear, 1943) de Norman Foster, réalise le Criminel (The Stranger, 1946), et
la Dame de Shanghai (The Lady From Shanghai, 1948), dans lequel il dirige
son épouse Rita Hayworth et se livre à des recherches formelles
stupéfiantes, puis tourne Macbeth (1948), filmé à la hâte sur la scène du
théâtre où la pièce vient d'être représentée.

Malgré son succès en tant qu’acteur dans le Troisième Homme (The Third
Man, 1949) de Carol Reed, il commence une vie
d'errance à travers le monde, interprétant près de cent rôles pour
financer ses propres réalisations. Il gagne la palme d'or au festival de
Cannes avec Othello (1952), présenté comme un film marocain, puis signe
Dossier secret (Mister Arkadin/Confidential Report, 1955) et revient à
Hollywood grâce au soutien de l'acteur Charlton Heston qui lui permet de
réaliser la Soif du mal (Touch of Evil, 1957).

Orson Welles dans le Troisième Homme
(The Third Man), 1949, de Carol Reed.
Sitôt arrivé à
Vienne, l'écrivain Holly Martins (Joseph Cotten) apprend la mort de son
ami Harry Lime (Orson Welles). Il découvre rapidement qu'Harry vit en
vérité en zone russe, où il se livre au trafic de pénicilline. Réalisé sur
un scénario de Graham Greene (qui en tira plus tard un roman célèbre),
accompagné d'une musique d'Anton Karas, le film de Carol Reed remporta le grand prix
du festival de Cannes en 1949.

Il reprend ensuite ses vagabondages, adapte le Procès (The Trial, 1962)
de Kafka en France, tourne Falstaff (Chimes at Midnight, 1966) en Espagne,
signe Une histoire immortelle (The Immortal Story, 1968) pour la
télévision française, réalise encore Vérités et mensonges (F for Fake,
1975) et Filming Othello (1978), mais laisse inachevés Don Quichotte, The
Deep, The Merchant of Venice, The Magic Show, The Other Side of The Wind
et The Dreamers.

Wellman, William

William Wellman
(1896-1975)
Cinéaste
américain d’origine irlandaise

Né à Brookline (Massachusetts), William
Wellman est un élève médiocre mais sportif qui pratique le hockey dans
l’équipe de Boston. En 1915, il s’engage dans l’armée pour combattre en
France et devient pilote de la légendaire escadrille Lafayette. Après
l’armistice, Douglas Fairbanks lui obtient un contrat de comédien à
Hollywood. Il tourne entre autres dans Evangeline (1919) de Raoul Walsh, mais il ne se sent
guère attiré par le métier d’acteur et préfère se diriger vers la
réalisation.

Il débute avec un western, The Man who Won (1923), tourne des
mélodrames à la Fox et à la Columbia, puis, après un court passage à la
MGM où il signe The Boob (1926), entre à la Paramount. C’est là qu’il
réalise ses premiers chefs-d’oeuvre : les Ailes (Wings, 1927), une
tragédie de guerre qui dépeint l’amitié et la rivalité de deux pilotes
américains et qui obtient le premier oscar du meilleur film, suivi des
Mendiants de la vie (Beggars of Life, 1928), un film réaliste sur les
marginaux interprété par Louise Brooks. Son premier film parlant, les
Nuits de Chinatown (Chinatown Nights, 1929), est un remarquable mélodrame
policier. En 1930, il signe un contrat avec la Warner et tourne entre
autres l’Ennemi public (The Public Enemy, 1931), un âpre film de gangsters
qui révèle James Cagney et l’Ange blanc (Night Nurse, 1931), drame sordide
avec Barbara Stanwyck qui deviendra une de ses interprètes favorites.

Au cours des années trente, il aborde tous les genres : la critique
sociale avec Héros à vendre (Heroes for Sale, 1933), Wild Boys on the Road
(1933), le mélodrame avec Mon Grand (So Big, 1932), Jenny Frisco (Frisco
Jenny, 1933), Rose de minuit (Midnight Mary, 1933), Une étoile est née (A
Star is Born, 1937). Puis le film d’aventures avec Dangerous Paradise
(1930), l’Appel de la forêt (Call of the Wild, 1935) et Beau Geste (1939).
Son intérêt se porte ensuite sur la comédie avec la Joyeuse Suicidée
(Nothing Sacred, 1938) et le western avec les Conquérants (The Conquerors,
1932). Il réalise et produit lui-même les Hommes volants (Men with Wings,
1939), un drame sur les pionniers de l’aviation, puis connaît un grand
succès avec l’adaptation du roman de Rudyard Kipling la Lumière qui
s’éteint (The Light that Failed, 1940) interprété par Ronald Colman et Ida Lupino. Par la suite, il crée
des westerns d’un ton nouveau comme l’Étrange Incident (Ox Bow Incident,
1943), une dénonciation du lynchage, Buffalo Bill (1944) qui démystifie le
personnage du célèbre tueur de bisons, la Ville abandonnée (Yellow Sky,
1948), Au-delà du Missouri (Across the Wide Missouri, 1951), film
antiraciste, puis Convoi de femmes (Westward the Women, 1951). Sa vision
de l’Amérique se caractérise par un patriotisme non dénué de sens critique
comme le prouvent ses films de guerre, les Forçats de la gloire (The Story
of GI Joe, 1945) et Bastogne (Battleground, 1949), ses pamphlets sociaux
Magic Town (1947) et la Voix que vous allez entendre (The Next Voice You
Hear, 1950), ainsi que sa biographie imaginaire d’un homme politique
l’Inspiratrice (The Great Man’s Lady, 1942) et l’anticommuniste Rideau de
fer (Iron Curtain, 1948).

Proche de John Wayne, il réalise cinq films
produits par l’acteur, qui interprète trois d’entre eux : Aventure dans le
Grand Nord (Island in the Sky, 1953), Écrit dans le ciel (The High and the
Mighty, 1953) et l’Allée sanglante (Blood Alley, 1953). Quant aux deux
autres, l’un est un western atypique interprété par Robert Mitchum, Track
of the Cat (1953) et l’autre un émouvant mélodrame pour adolescent,
Goodbye my Lady (1956). Il termine sa carrière avec Les commandos passent
à l’attaque (Derby’s Rangers, 1957) et Lafayette Escadrille (1958).

Cinéaste rigoureux refusant toute fioriture de style, il incarne une
idée de l’Amérique à la fois libérale et réactionnaire. Sa direction
d’acteurs est marquée par une certaine distanciation et il a souvent évité
d’avoir recours à la musique pour renforcer l’impact d’une scène,
préférant faire naître l’émotion par des moyens purement
cinématographiques. La personnalité et le savoir-faire de Wellman l’ont
élevé au rang des grands metteurs en scène américains.

Wenders, Wim

Wim Wenders
(1945- )
Réalisateur
allemand

Né à Düsseldorf, Wim Wenders commence des
études de médecine puis de philosophie avant d’entrer à l’école supérieure
de cinéma de Munich. Il en suit les cours de 1967 à 1970, tout en publiant
des critiques de films et des articles sur la musique rock. Il signe son
premier long-métrage, Summer in the City, en 1970. Son premier film
distribué commercialement, l’Angoisse du gardien de but au moment du
penalty (Die Angst des Tormanns beim Elfmeter, 1971), est réalisé d’après
un ouvrage de Peter Handke, avec lequel Wenders
entame alors une longue et féconde collaboration.

En compagnie de son interprète radieuse, Nastassja Kinski, Wim Wenders
reçoit la palme d'or du festival de Cannes 1984 pour Paris, Texas, le
second «film américain» (après l'échec de Hammet en 1982) du réalisateur
allemand et une réussite majeure de l'auteur des Ailes du désir (1987). À
l'image de Paris, Texas, Wim Wenders a montré avec constance une
prédilection pour les personnages en crise, qu'une quête d'identité
condamne à l'errance (Faux Mouvement,1975 ; Au fil du temps, 1976), comme
beaucoup de figures surgies d'entre les pages de son ami et collaborateur,
l'écrivain Peter Handke. Hanté par le passé
du cinéma, et spécialement par celui des «pères américains» que sont Lang,
Ford ou Hitchcock, Wenders continue
d'interroger au fil de ses oeuvres, le sens et le devenir de l'image et du
cinéma.

L’ami américain, film de Wim
Wenders

Le profond intérêt de Wim Wenders pour la culture américaine apparaît
dans la plupart de ses films, tels Alice dans les villes (1973), dans
lequel une jeune Allemande recherche sa grand-mère aux États-Unis, l’Ami
américain (1977), un thriller réunissant les réalisateurs américains Dennis Hopper, Samuel Fuller et Nicholas Ray, Hammet (1982) une
biographie romancée du célèbre auteur de romans policiers, l’État des
choses (1982), un road-movie noir, ou encore, plus récemment, Paris, Texas
(1984), dans lequel un Américain interprété par Harry Dean Stanton
recherche la femme dont il est séparé, interprétée par Nastassja Kinski.
Ce film magnifique obtient la palme d’or au festival de Cannes et
rencontre un très grand succès public.

Wenders, Paris-Texas
Dans une
scène d'une déchirante beauté, Wim Wenders célèbre à travers la vitre sans
tain d'un peep-show les retrouvailles les plus émouvantes du cinéma des
années quatre-vingt, celles de Jane (Nastassja Kinski) et Travis (Harry
Dean Stanton), le couple perdu de Paris-Texas.

Dans les années quatre-vingt, Wenders s’est également intéressé à
l’Allemagne contemporaine, particulièrement dans les Ailes du désir (Der
Himmel über Berlin), réalisé en 1987 d’après un scénario qu’il cosigne
avec Peter Handke. Il propose dans ce
film — dont les personnages principaux sont des anges capables de lire les
pensées humaines — une vision émouvante et dérangeante d’un Berlin alors
divisé. Ce film émouvant, aux splendides images signées Henri Alekan,
remporte également un immense succès. Après l’échec commercial et critique
de Jusqu’au bout du monde (1991), film d’anticipation se déroulant dans
plusieurs pays, Si loin, si proche permet de retrouver en 1993 les «anges»
de Berlin après la réunification allemande.

Plus récemment, Wenders a cosigné avec Michelangelo Antonioni Par-delà
les nuages (1995) avant de réaliser The End of Violence (1997), interprété
par Andie MacDowell et Gabriel Byrne, une méditation sur le pouvoir des
images et sur la violence privée et publique dans la société
contemporaine. En 1998, il a tourné avec une simple caméra numérique Buena
Vista Social Club, un documentaire sur un groupe de musiciens cubains,
dont la bande originale a remporté un immense succès.

Wilder, Billy

Billy Wilder
(1906- )
Acteur, réalisateur,
scénariste et producteur américain

Il dans ses films la satire sociale en
faisant preuve d’humour ou parfois de cynisme.

Scénariste des Hommes le dimanche (R. Siodmak, 1929) en Allemagne,
Billy Wilder arrive aux États-Unis en 1934 et écrit, en compagnie de
Charles Brackett, des scénarios pour Ernst Lubitsch, Mitchell Leisen
et Howard Hawks. Uniformes et Jupon
court (1942), son premier film américain, vaut à Billy Wilder un contrat
de réalisateur à la Paramount. Sa vision noire et satirique de la société
et de l'humanité (mue par les seules passions du sexe et de l'argent)
s'épanche dans Assurance sur la mort (1944), Boulevard du crépuscule
(1950), le Gouffre chimère (1951). Mais l'on se souvient plus facilement
de lui comme le réalisateur de comédies, l'homme aux innombrables traits
d'esprit et l'un des grands metteurs en scène de la femme, comme le
prouvent la Scandaleuse de Berlin (1948), Sabrina (1954), Sept Ans de
réflexion (1955), la Garconnière (1960) et Certains l'aiment chaud
(1959).

Tony Curtis, Jack Lemon et Marilyn
Monroe dans le film de Billy Wilder, Certains l'aiment chaud (1959)

De son vrai nom Samuel Wilder, Billy Wilder naquit à Vienne puis résida
à Berlin où il fut journaliste. Il devint scénariste et travailla sur
plusieurs films importants, dont Émile et les détectives (Emil und die
Detektive, 1931) de Gerhard Lamprecht. Après avoir exercé ses talents à
Paris, où il réalisa Mauvaise Graine en collaboration avec Alexandre Esway
(1934), Wilder émigra aux États-Unis en 1934. Il débuta à Hollywood en
écrivant des scénarii à succès (Ninotchka d’Ernst Lubitsch, 1939) et prit le
chemin de la réalisation; il collabora avec le producteur et scénariste
Charles Brackett jusqu’en 1950. Ses films le Poison (The Lost Weekend,
1945) qui traite de l’alcoolisme et la Garçonnière (The Apartment, 1960),
remportèrent les oscars du meilleur film, du meilleur réalisateur et du
meilleur scénario. Parmi les autres réalisations importantes de Wilder
figurent le film noir Assurance sur la mort (Double Indemnity, 1944), la
Scandaleuse de Berlin (A Foreign Affair, 1948) avec Marlène Dietrich,
Boulevard du crépuscule (Sunset Boulevard, 1950), Stalag 17 (1953),
Certains l’aiment chaud (Some Like It Hot, 1959), la Grande Combine (The
Fortune Cookie, 1966), et la Vie privée de Sherlock Holmes (The Private
Life of Sherlock Holmes, 1970). Wilder produisit également certains de ses
films. Des créations telles que Avanti! (1972), Fedora (1978) et Buddy
Buddy (1981) continuent d’illustrer des problèmes contemporains. Wilder
offrit aux travers de ses créations une vision critique de la société dont
il dénonça les travers en cédant parfois à certaines facilités.

Wise, Robert

Robert Wise
(1914- )
Réalisateur
américain

Né à Winchester (Indiana), Robert Wise est
contraint par la crise de 1929 d’arrêter ses études et part chercher du
travail en Californie. Son frère, comptable à la RKO, le présente au chef
du département de montage du studio où il devient coursier, puis monteur
du son. Avec des chutes de pellicules, il réalise un court métrage qui lui
vaut de devenir monteur à part entière. Il collaborera ainsi à treize
films, dont Quasimodo (The Hunchback of Notre-Dame, 1939) de William
Dieterle et Nid d’espion (The Fallen Sparrow, 1943) de Richard Wallace.
Cette période est surtout marquée par son travail avec Orson Welles pour Citizen Kane
(1941) et la Splendeur des Amberson (The Magnificent Ambersons, 1942). Les
producteurs obligeront d’ailleurs Wise à remonter ce film, contre la
volonté du réalisateur.

Il accède à la mise en scène en remplaçant Gunther von Fritsch sur le
tournage d’un film fantastique produit par Val Lewton, la Malédiction des
hommes chats (Curse of the Cat people, 1944), réalise Mademoiselle Fifi
(1944), le Récupérateur de cadavres (The Body Snatcher, 1945), où il
dirige Boris Karloff et Bela Lugosi, puis met en scène plusieurs séries
B.

Grâce à l’influence du producteur Dore Schary, il peut mettre en scène
un western avec Robert Mitchum, Ciel rouge (Blood on the Moon, 1948) et un
film noir sur le monde de la boxe : Nous avons gagné ce soir (The Set Up,
1949), son dernier travail pour la RKO.

Après un bref passage à la Warner Bros, il signe un contrat à la 20 th
Century Fox pour laquelle il réalise, en pleine guerre froide, un film de
science-fiction au message pacifiste, le Jour où la terre s’arrêta (The
Day the Earth Stood Still, 1951) suivi de la Tour des ambitieux (Executive
Suite, 1954) avec William Holden, Barbara Stanwyck et June Allyson.

Helène de Troie (Helen of Troy, 1955) est sa seule incursion dans le
film historique à grand spectacle. Il revient ensuite au monde de la boxe
avec Marqué par la haine (Somebody Up There Likes Me, 1956), qui fait de
l’acteur Paul Newman une star.

La précision mécanique de sa mise en scène ressort de Je veux vivre (I
Want to Live, 1958), drame d’une femme condamnée à la chaise électrique et
du Coup de l’escalier (Odds against Tomorrow, 1959), un film sombre sur le
racisme.

En 1961, il réalise West Side Story, dont le succès est immense, et qui
lui vaut l’oscar du meilleur réalisateur. Puis il revient au film
fantastique avec la Maison du diable (The Haunting, 1963) et termine sa
carrière sur des productions à gros budget : la Mélodie du bonheur (The
Sound of Music, 1965), la Canonnière du Yang Tsé (The Sand Pebbles, 1966),
Star (1968), le Mystère Andromède (The Andromeda Strain, 1970) et la
première adaptation cinématographique de la série télévisée (Star Trek,
1978).

Après un silence de dix ans, il a tourné Rooftops (1989), resté inédit
en France.

Wong Kar-wai

Wong Kar-wai
(1958- )
Cinéaste
chinois

Né à Shanghai d’où sa famille émigre dès
1963 pour s’installer à Hong Kong, Wong Kar-wai sort diplômé de l’École
polytechnique en 1980. À partir de 1982, il devient scénariste et
participe, jusqu’en 1987, à l’écriture d’une dizaine de films, dont la
Dernière Victoire (1987) du cinéaste Patrick Tam, qui l’encourage à passer
à la réalisation.

Révélant les deux futures vedettes que sont devenues Jacky Cheung et
Maggy Cheung, son premier film, As Tears Go By (Wangjiao Kamen, 1988), est
présenté à la Semaine de la critique au festival de Cannes en 1989, où il
reçoit un bon accueil. Depuis, Wong a mis en scène cinq autres films, Nos
années sauvages (Days of Being Wild, A Fei zhengzhuan, 1990), Chungking
Express (1994), les Cendres du temps (Ashes of Time, 1994), les Anges
déchus (Fallen Angels, 1995) et Happy Together (1997), récompensé à Cannes
par le prix de la mise en scène.

Alors que As Tears Go By devait encore beaucoup au film policier et Nos
années sauvages au mélodrame, et qu’ils pouvaient tous deux être encore
considérés comme autant d’ébauches de son oeuvre à venir, Wong Kar-wai
déploie toute la maturité de son style avec Chungking Express, très
remarqué au moment de sa sortie en France au printemps 1995, et s’épanouit
complètement avec les Cendres du temps, les Anges déchus et Happy
Together.

L’extrême modernité du cinéma de Wong (modernité qu’atteste son style
fondamentalement visuel) fait peut-être de lui le cinéaste qui sait
aujourd’hui le mieux saisir - avec le Taiwanais Tsai Ming-Liang -
l’essence des années quatre-vingt-dix. De l’omniprésence de la télévision
dans nos sociétés modernes, il a essentiellement retenu l’habitude de
porter la caméra à l’épaule et de filmer «au jugé» : il affirme filmer
l’instant décisif où l’événement survient. Sur ces bases, Wong Kar-wai a
composé un art personnel dont l’influence sur les cinéastes du monde
entier est déterminante. Usant fréquemment d’un commentaire en voix off
pour accompagner le récit, mais aussi de ralentis et de faux-raccords,
d’accélérés et de filtres de couleurs, Wong Kar-wai bâtit une oeuvre toute
en fulgurances, en phase avec la frénésie des grandes métropoles
contemporaines. Malgré une primauté accordée au visuel et la relative
diversité des contenus narratifs, le cinéma de Won Kar-wai approfondit
pourtant de film en film un même thème : l’échec de l’amour. Si Wong
Kar-wai filme la vitesse (celle des flux d’énergie, de la lumière ou du
désir), jamais il ne fait corps avec elle tant il est vrai que son cinéma
est habité par la mélancolie et la sensation du temps disparu. Dans le
Hong Kong qu’il met en scène, tout a déjà eu lieu : les personnages qu’on
y croise se ressemblent tous et les rues ne sont peuplées que de doubles,
chaque nouvelle rencontre distillant un parfum insistant de souvenir (réel
ou imaginaire). La voix off est là pour dire cette terrible impression de
déjà-vu, et aussi la recherche désespérée de la rencontre vraie où la
première fois n’aurait pas d’emblée le goût amer de la précédente. Qu’ils
soient policier ou serveuse de café, tueur à gages ou manieur de sabres,
les personnages se croisent à vive allure sans jamais vraiment se
regarder; ils échouent à s’aimer ou alors n’y parviennent que sur le mode
nostalgique de la remémoration. Condamnés à l’éphémère, ils rêvent
pourtant d’un monde au temps suspendu où ils pourraient jouir de
l’immuable. Cette impossible jouissance et l’impossibilité qu’ont les
créatures du cinéaste d’y renoncer totalement traversent de part en part
le cinéma de Wong Kar-wai.

Woo, John

John Woo
(1946- )
Réalisateur
chinois

Né à Canton, John Woo est élevé à Hong-Kong. Il
songe à entrer dans les ordres quand il découvre le théâtre au lycée et à
l'université. Il envisage alors de devenir comédien, avant de réaliser des
courts métrages en 8 mm et de s'orienter vers la mise en scène.

Les frères Shaw et Tsui Hark le font débuter dans la florissante
industrie cinématographique de l'époque. Il signe d'abord des films d'arts
martiaux : The Young Dragons (1973), The Dragon Tamers (1974), Countdown
to Kung Fu (1975), Princess Chang Ping (1975), des comédies : Mr Boo,
détective privé (Private Eyes, 1976) et des films de guerre : Heroes Shed
No Tears (1983).

Après une quinzaine de films de ce genre, il inaugure une série de
films noirs d’un style nouveau, à la fois violent et émotionnel, où se
font sentir les influences de Jean-Pierre Melville et de Sergio Leone, mais aussi de Jacques Demy dans les
chorégraphies de combat et le traitement de la couleur. Ce sont le
Syndicat du crime (A Better Tomorrow, 1986), le Syndicat du crime 2 (A
Better Tomorrow 2, 1986) et The Killer (1989).

Il tourne ensuite un film policier qui déborde sur la fresque
historique, Une balle dans la tête (A Bullet in The Head, 1990), puis une
comédie policière, Once A Thief (1991) et achève sa série de films noirs
avec À toute épreuve (Hard Boiled, 1992).

Appelé à Hollywood, il réalise d'abord un film de commande pour
Jean-Claude Van Damme, Chasse à l'homme (Hard Target, 1993), puis un
triller politique : Broken Arrow (1995), avant de tourner une oeuvre
insolite et originale, Volte-face (Face/Off, 1997).

Wyler,
William

William
Wyler
(1902-1981)
Cinéaste américain qui fut le réalisateur de
Ben Hur et qui adapta au cours de sa carrière de nombreuses oeuvres
littéraires

Né à Mulhouse de parents suisses, William Wyler fut
élève du Conservatoire de Paris avant d’émigrer vers les États-Unis en
1922. Après avoir étudié deux ans la réalisation, Wyler débuta en 1925 en
tournant plusieurs westerns, dont le Grand Avocat (Counsellor at Law,
1933). Ses premiers films parlants révélèrent son talent hors du commun
pour l’adaptation à l’écran de pièces de théâtre et d’oeuvres littéraires;
parmi les plus fameux figurent Ils étaient trois (These Three, 1936)
d’après une pièce de Lilian Hellman, les Hauts de Hurlevent (Wuthering
Heights, 1939) tiré du roman d’Emily Brontë et l’Héritière (The Heiress,
1949) d’après l’oeuvre de Henry James. Entre 1936 et 1946, Wyler collabora
de manière fructueuse avec l’opérateur Gregg Toland et fut l’un des
réalisateurs les plus en vue de la MGM. Il créa sa propre compagnie de
production en 1946 avec Frank Capra et fut récompensé
lors de la cérémonie des oscars pour Madame Miniver (Mrs. Miniver, 1942),
les Plus Belles Années de notre vie (The Best Years of Our Lives, 1946) et
Ben Hur (1959).

Charlton Heston dans Ben Hur (1959)
de William Wyler.
Fils d'une noble famille juive, Judas Ben Hur est
injustement condamné aux galères. Il échappera aux pirates, deviendra le
fils adoptif d'un consul romain, se vengera de son ennemi Messala lors
d'une mémorable course de chars et assistera à la montée au calvaire du
Christ. Habitué à jouer des personnages à la destinée hors du commun
(Moïse, Jean-Baptiste, Antoine, Michel-Ange, etc.), Charlton Heston
incarna avec passion cette figure légendaire. Le film, le plus cher de son
époque, fut récompensé par 11 oscars et connut un succès
international.

Wyler est aussi le réalisateur de la Rumeur (The Children’s Hour, 1962)
et de Funny Girl, avec la comédienne et chanteuse Barbra Streisand.

Audrey Hepburn et Shirley MacLaine
dans la Rumeur (The Children's Hour, 1962) de William Wyler.
Adapté
d'une pièce de théâtre de la dramaturge Lillian Hellman écrite en 1934, le
film traite d'un sujet qui parut à l'époque très audacieux :
l'homosexualité féminine.

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