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Saura, Carlos

Carlos Saura
(1932- )
Cinéaste espagnol
célèbre dans les années soixante et soixante-dix, qui fut l’un des
premiers à défier la censure pour explorer le contexte socio-politique de
l’Espagne franquiste

Saura, né à Huesca, en Aragon, fils d’un
avocat et d’une pianiste de concert, et frère du peintre Antonio Saura
(1930-1998), fut un photographe à succès avant d’entrer à l’école
expérimentale de cinéma IIEC, à Madrid.

Le premier film de Saura, Los golfos (1959), histoire d’une délinquance
juvénile influencée par le néoréalisme, se fit remarquer par ses
intentions provocatrices. Mais ce fut son troisième film, la Chasse (la
Caza, 1965), première collaboration avec un producteur remarquable, Elias
Querejeta, qui lui apporta un renom international et l’ours d’argent du
Festival international du film de Berlin. Ce film allégorique à suspense
faisait le bilan de l’héritage amer et violent de la guerre d’Espagne.

Saura (Carlos), la
Chasse
oeuvre allégorique, la Chasse (la Caza, 1965) évoque le
souvenir d'une guerre d'Espagne jamais nommée, à travers une partie de
chasse dans laquelle Paco (Carlos Mayo) et deux autres anciens combattants
s'entretuent. Coécrit avec Angelino Fons, le troisième long métrage de
Saura est accompagné de la partition de Luis de Pablo, devenu depuis le
compositeur attitré du cinéaste.

Avec Querejeta, Saura fit une série de films sombres et psychologiques
qui montraient de façon indirecte la répression sociale, sexuelle et
religieuse qui sévissait dans l’Espagne franquiste, filmant souvent sa
compagne de l’époque, l’actrice Géraldine Chaplin. Ce sont entre autres
Peppermint frappé (1967, qui lui valut un autre ours d’argent), Anna et
les loups (Ana y los lobos, 1972) et Cría Cuervos (1976), étude envoûtante
des obsessions de son enfance, considéré par tous comme son plus beau
film, et pour lequel il obtint le prix spécial du jury au festival de
Cannes, en 1976.

Violent réquisitoire contre la famille et la bourgeoisie espagnole
franquiste et post-franquiste, Cría Cuervos dissèque, à travers les
terreurs d'un imaginaire enfantin (celui d'Ana/Ana Torent, ci-dessus à
droite), une cellule familiale — qui est aux yeux de Carlos Saura
l'incarnation métaphorique de la nation espagnole. Pour le cinéaste
espagnol, l'Espagne franquiste est une société patriarcale figée, encore
fondée sur la triple alliance de l'armée, de l'Église et de la
bourgeoisie, et qui, malgré la mort du dictateur Franco en 1975, résiste à
l'ouverture et à la modernisation.

Saura (Carlos), Cría Cuervos

Depuis le retour de l’Espagne à la démocratie, Saura s’est surtout fait
remarquer pour une série de spectacles dansés avec le danseur-chorégraphe
Antonio Gades (Carmen, 1983).

Sautet, Claude

Claude Sautet
(1924- )
Cinéaste français
dont les principaux films révèlent le souci de se référer à la société
française de son temps, et dont les récits s’attachent à décrire le
fonctionnement de petits groupes d’individus et de personnalités en
marge

Né à Montrouge, Claude Sautet se dirigea vers
la réalisation après des études à l’École des arts décoratifs de Paris.
Ses premiers longs-métrages furent des films d’action : Classe tous
risques (1960), avec Jean-Paul Belmondo et Lino Ventura, et l’Arme à
gauche (1965), d’après un roman de Charles Williams.

À partir des Choses de la vie (1969), la chronique morale et sociale a
fondé ses scénarios : Max et les Ferrailleurs (1971), avec Michel Piccoli,
César et Rosalie (1972), avec Yves Montand et Romy Schneider, Vincent,
François, Paul et les Autres (1974), Mado (1976). Si l’esprit du temps est
parfois trop présent dans ses films, si le romanesque devient, dans
certains cas, excessif, et s’il a quelquefois laissé la bride sur le cou
de ses acteurs, il a réalisé notamment deux films fort originaux :
Quelques jours avec moi (1988) et Un coeur en hiver (1992), où Daniel
Auteuil a trouvé deux de ses plus grands rôles, l’un au côté de Sandrine
Bonnaire, l’autre au côté d’Emmanuelle Béart. Ces deux films sont
probablement ceux où les thèmes qu’il affectionne (l’individu et le
groupe, les contradictions de l’environnement humain) sont mis en scène
avec le plus de rigueur. Réalisé en 1995, Nelly et M. Arnaud, l’un de ses
plus grands succès, tant critique que populaire, a valu à Michel Serrault
le césar du meilleur acteur.

Sayles, John

John Sayles
(1950- )
Cinéaste
américain

Né à Schenectady (État de New York), John
Sayles commence par écrire des nouvelles et des romans (The Pride of the
Bimbos, 1975; Union Dues, 1977). Il débute au cinéma comme scénariste pour
une société de production spécialisée dans les films d’horreur à petit
budget.

John Sayles investit les recettes de ses scénarios dans le financement
de son premier long métrage, Return of the Secaucus Seven (1980). Réalisée
pour 60 000 dollars seulement, cette comédie observe avec finesse la
réunion d’un groupe d’anciens activistes pacifiques des années soixante.
Le film et sa thématique frayeront la voie à une multitude de films
traitant du même sujet. La formation du cinéaste explique sans doute
l’éclectisme réussi de ses réalisations : Lianna (1983) relate l’histoire
d’une femme mariée qui découvre son homosexualité; Baby, it’s you (1983)
est une comédie sur les amours de deux adolescents que leurs classes
sociales et leurs origines opposent; Brother (1984) est une parodie de
film de science-fiction.

John Sayles tourne ensuite deux films inspirés d’événements historiques
: Matewan (1987) est l’histoire d’une grève de mineurs en 1920, en
Virginie-Occidentale, tandis que Eight Men Out (1988) s’intéresse aux
Chicago White Sox, qui perdirent volontairement le championnat national de
base-ball de 1919. Ces films politiques sur l’exploitation des
travailleurs ne rencontrèrent pas les faveurs du public.

Sayles privilégie de nouveau les thèmes contemporains pour signer City
of Hope (1991), portrait d’une cité industrielle fictive du New Jersey, et
Passion d’amour (1992), l’histoire dramatique d’une femme handicapée et de
son compagnon noir, dont elle rétribue les services amoureux. En 1996, il
tourne Lone Star, une intrigue policière située dans une ville
frontière.

Toutes les mises en scène de John Sayles se distinguent par la qualité
des interprétations et leurs dialogues finement ciselés. Il figure parmi
les cinéastes indépendants les plus originaux de ces décennies.

Schlesinger, John

John Schlesinger
(1926- )
Cinéaste
britannique

Il qui mena une partie de sa carrière
aux États-Unis où il dirigea à plusieurs reprises Dustin Hoffman,
notamment dans Macadam Cow-Boy en 1969

Né à Londres, John Schlesinger fit ses débuts d'acteur alors qu'il
était encore étudiant à l'université d'Oxford. Après avoir réalisé
plusieurs courts-métrages, il fut engagé en 1957 à la BBC où il fut chargé
de réaliser des documentaires. Le moyen-métrage Terminus (1961) lui valut
un lion d'or au Festival de Venise. Dans ses films Un amour pas comme les
autres (A Kind of Loving, 1962) et Billy le Menteur (Billy Liar, 1963), il
nous livre deux études parmi les plus poignantes et les plus perspicaces
jamais réalisées sur la vie de la classe ouvrière.

Schlesinger fit jouer Julie Christie, qui figurait déjà au sein de la
distribution de Billy le Menteur, dans Darling (1965), film pour lequel
l'actrice remporta un oscar et Loin de la foule déchaînée (Far from the
Madding Crowd, 1967), tiré du roman de Thomas Hardy. Parmi les
longs-métrages réalisés par Schlesinger aux États-Unis figure notamment
Macadam Cow-Boy (Midnight Cowboy, 1969), avec Dustin Hoffman et John
Voight, qui lui valut l'oscar du meilleur film et celui du meilleur
réalisateur.

Schlesinger réalisa également Un dimanche comme les autres (Sunday
Bloody Sunday, 1971), Yanks (1979) et Honky Tonk Freeway (1981); parmi ses
dernières oeuvres figurent Marathon Man (1976) et le Jeu du faucon (The
Falcon and the Snowman, 1985), un thriller sur les activités de la
CIA.

Schlöndorff, Volker

Volker Schlöndorff
(1939- )
Réalisateur
allemand

Célèbre pour ses adaptations de
classiques littéraires et ses films traitant de l'Allemagne
contemporaine.

Ancien assistant de Jean-Pierre Melville, Alain Resnais et Louis Malle, Volker Schlöndorff est l'un des
artisans de la renaissance du cinéma allemand après la Seconde Guerre
mondiale. Il est révélé à Cannes dès son second long métrage les Désarrois
de l'élève Torless (1966). Adapté du roman éponyme de Robert Musil, ce
film est révélateur du primat accordé par le cinéaste allemand aux grandes
oeuvres littéraires (Heinrich Kleist, Heinrich Böll, Marguerite Yourcenar,
Günter Grass, Marcel Proust) et à l'analyse historico-politique, parfois
en collaboration avec son épouse, la cinéaste Margarete von Trotta
(l'Honneur perdu de Katharina Blum, 1975). À côté du Tambour qui demeure
son plus grand succès (1979, palme d'or et oscar du meilleur film
étranger), on peut également citer le Coup de grâce (1976), la Soudaine
Richesse des gens pauvres de Kombach (1970), Mort d'un commis voyageur
(1985), The Voyager (1991) et le Roi des aulnes (1996, d'après le roman
éponyme de Michel Tournier).

Né à Wiesbaden, Schlöndorff s'installa avec sa famille à Paris en 1956.
Il fut l'assistant de Louis Malle et d'Alain Resnais.

Schlöndorff adapta de nombreuses oeuvres littéraires : les Désarrois de
l'élève Törless (Der junge Törless, 1966), son premier film, d'après le
roman de Robert Musil, l'Honneur perdu de Katharina Blum (Die verlorene
Ehre der Katharina Blum, 1975), réalisé avec son épouse Margarethe von
Trotta d'après un court roman de Heinrich Böll, le Coup de grâce (Der
Fangschuss, 1976) d'après loeuvre de Marguerite Yourcenar, Le Tambour (Die
Blechtrommel, 1979), tiré du roman de Günter Grass (palme d'Or au Festival
de Cannes), Un amour de Swann (1983) d'après l'oeuvre de Marcel Proust et
Mort d'un commis voyageur (Death of a Salesman, 1985), d'après le roman
d'Arthur Miller.

Schlöndorff réalisa également plusieurs films à partir de scénarios
originaux, comme Feu de paille (Strohfeuer, 1972) et le Faussaire (Die
Falschung, 1980), tous deux écrits et réalisés avec Margarethe von Trotta;
il a participé à la réalisation de plusieurs documentaires sur l'Allemagne
contemporaine dont Allemagne en automne (Deutschland im Herbst, 1978) et
le Candidat (der Kandidat, 1980), un portrait du politicien conservateur
Franz Josef Strauss.

Le Faussaire
Dans le Faussaire
(Die Fälschung, 1981) de Volker Schlöndorff, Bruno Ganz interprète un
reporter allemand qui est confronté à une ville hantée par la mort et la
destruction quotidienne, Beyrouth.

Schmid, Daniel

Daniel Schmid
(1941- )
Cinéaste
suisse

Né à Flims (canton des Grisons), Daniel
Schmid passe son enfance dans l'hôtel que dirigent ses parents, puis il
étudie à Berlin avant de s'inscrire à l'Académie du film.

Il finance lui-même le tournage de son premier film, Faites tout dans
le noir pour épargner la lumière de votre Seigneur (Tut alles im finstern,
eurem Herrn das Licht zu ersparen, 1970), puis réalise un long métrage,
Cette nuit ou jamais (Heute nacht oder nie, 1972), avant d'être salué par
la critique internationale pour la Paloma (1974).

Son style sophistiqué, ses extravagances élégantes et son amour de
l'opéra le relient à la «nouvelle vague» allemande. Il réalise d’ailleurs
l'Ombre des anges (Schatten des Engel, 1976), adapté d’une pièce de Rainer Werner Fassbinder
intitulée les Ordures, la ville et la mort (Der müll, die Stadt und der
Tod, 1976), qui fait scandale en raison de son antisémitisme réel ou
supposé. Puis il transpose à l'écran un roman de l'écrivain suisse
Conrad-Ferdinand Meyer, Violanta (1978). Il tourne également un
documentaire insolent sur le festival de Cannes, Notre
Dame-de-la-Croisette (1981), puis s'essaie à la production commerciale en
adaptant une belle nouvelle de Paul Morand, Hécate (1982) avant de
réaliser un émouvant portrait du cinéaste Douglas Sirk, Mirage de la vie
(1983).

Il se partage ensuite entre la mise en scène d'opéra et le cinéma,
tournant encore un essai sur des cantatrices retraitées, le Baiser de
Tosca (il Baccio di Tosca, 1984), puis un film historique Jenattsch (1987)
et une évocation de son enfance, Hors saison (1992). En 1995, il a signé
le Visage écrit (Das geschreibene Gesicht, 1995), un somptueux essai sur
le vieil acteur de kabuki Tamashuro Bando.

Schoendoerffer, Pierre

Pierre Schoendoerffer
(1928- )
Cinéaste
français

La carrière de Pierre Schoendoerffer
s'est partagée entre le journalisme cinématographique, le documentaire
télévisuel et le film de fiction, et qui exprima, dans chacun de ces
domaines, un goût prononcé pour l'univers de l'armée. Après quelques
premiers essais dont Ramuntcho (1959) et Pêcheurs d'Islande (1959), il
réalisa la 317e section (1965), efficace reconstitution de la
guerre d'Indochine nourrie de sa propre expérience. Il évoqua la guerre
d'Algérie du point de vue des officiers dans l'Honneur d'un capitaine
(1982) et revint à l'Indochine avec une grande fresque, Diên Biên Phu
(1992). Son film le plus réussi, le plus critique, aussi, sur l'armée et
la société, est le Crabe-tambour (1977).

Schroeter, Werner

Werner Schroeter
Werner (1945- )
Cinéaste
et metteur en scène de théâtre allemand

Né à Georgenthal (Thuringe), Werner
Schroeter suit des études de psychologie à l’université de Mannheim, puis
exerce la profession de journaliste de 1964 à 1966 avant de s’orienter
vers le monde du spectacle en 1967. Il commence une carrière de cinéaste
expérimental, concevant notamment un film (Neurasia, 1969) destiné à être
projeté sur deux écrans simultanément. La majorité de ses oeuvres de
jeunesse rendent hommage à l’opéra, et en particulier à Maria Callas.

Avec son premier long métrage Eika Katappa (1969), il attire
l’attention de la critique internationale au festival de Mannheim, puis à
la Quinzaine des réalisateurs à Cannes. Cette oeuvre d’une extrême
originalité intègre déjà toute la thématique qui nourrira ses films :
l’opéra, la chanson populaire, la théâtralité, l’utilisation de travestis
dans les rôles de femme, l’obsession de la mort et une polyvalence des
pratiques artistiques les plus diverses. On y découvre aussi l’interprète
qui deviendra son interprète fétiche, Magdalena Montezuma. Dans la
constellation du jeune cinéma allemand de l’époque (Werner Herzog, Rainer Werner Fassbinder), Werner
Schroeter apparaît comme un poète d’avant-garde. Aimant tourner ses films
à l’étranger, il réalise Salomé (1971), d’après Oscar Wilde, au Liban, la
Mort de Maria Malibran (Der Tod der Maria Malibran, 1971) en Autriche,
Willow Springs (1973) aux États-Unis, l’Ange noir (Der Schwarze Engel,
1974) au Mexique, le Règne de Naples (Regno di Napoli, 1978) en Italie,
Flocons d’or (1976) en France et le Jour des idiots (Tag der Idioten,
1981) à Prague.

Esthète éclectique épris de «beauté convulsive», Schroeter travaille
avec des actrices célèbres (Carole Bouquet, Isabelle Huppert, Andréa
Ferréol, Bulle Ogier ou Maria Schneider), filme des pièces de théâtre
(Salomé, Macbeth, le Concile d’amour) et des documentaires dont la
Répétition générale (1980), film tourné au festival d’Avignon, De
l’Argentine (Zumbeispiel Argentinien, 1986) et Poussières d’amour
(Abfallprodukte der Liebe, 1996). Il réalise un essai sur l’opéra avec les
cantatrices Anita Cerquetti, Rita Gorr et Martha Mödl et une fiction
politique : Palermo (Palermo oder Wolfsburg, 1980) qui obtient l’ours d’or
à Berlin. Il est également l’auteur en 1990 d’une adaptation du roman
d’Ingeborg Bachmann Malina.

Si ses activités de metteur en scène de théâtre et d’opéra l’ont
progressivement éloigné du cinéma depuis 1981 (il n’a tourné que cinq
films en quinze ans), il est resté une figure clé du cinéma allemand de
l’après-guerre.

Scola, Ettore

Ettore Scola
(1931- )
Réalisateur italien,
essentiellement auteur de comédies

Né à Trevico, dans la province d'Avellino,
Scola fit des études de droit à l'université de Rome puis écrivit pour un
magazine satirique avant d'être, avec Ruggero Maccari (l'un des
scénaristes les plus réputés en matière de comédies), coscénariste de
nombreux films réalisés à partir de 1953. À partir de 1960, il collabora
également régulièrement avec Dino Risi, puis réalisa son premier film,
Parlons des femmes (Se permettete parliamo di donne), en 1964. Ce fut en
1974, avec Nous nous sommes tant aimés (C'eravamo tanto amati), chronique
amère de l'Italie depuis l'après-guerre, que Scola s'imposa définitivement
comme l'un des meilleurs cinéastes de sa génération. Essentiellement
intéressé par les problèmes de société de son pays, sur lesquels il posa
toujours un regard critique, Scola réalisa ainsi avec Affreux, sales et
méchants (Brutti, sporchi e cattivi, 1976) une satire de la vie dans les
quartiers misérables et, avec Une journée particulière (Una giornata
particolare, 1977), une mise en scène de Rome au temps du fascisme de
1938. Dans la Nuit de Varennes (1982), coproduction internationale, il
réunit Thomas Paine et Casanova sous la Révolution française et avec la
Famille (La Famiglia, 1987), il nous livre un portrait de la société
bourgeoise romaine sur plusieurs générations. Il reprit d'ailleurs ce
thème en 1989 dans Splendor et, la même année, dans Quelle heure est-il?
(Che ora è). En 1990, il acheva, après plusieurs années de difficultés, le
Voyage du capitaine Fracasse (Il viaggio di capitan Fracassa), adaptation
ambitieuse du roman de Théophile Gautier.

Une journée particulière
Dans
Une journée particulière, Ettore Scola parvient à superposer critique
sociale et drame privé. Dénonciation féroce d'une société italienne
dominée par l'idéologie fasciste, le film évoque parallèlement le destin
dramatique de deux victimes de l'ostracisme mussolinien, un intellectuel
homosexuel (Marcello Mastroianni) et une femme au foyer, soumise en tout à
l'autorité de son mari (Sophia Loren).

Scorsese, Martin

Martin Scorsese
(1942- )
Réalisateur
américain

Né à New York dans une famille d'origine
italienne, Martin Scorsese passe son enfance dans le quartier de Little
Italy et envisage de devenir prêtre. La découverte du rock and roll et du
cinéma contrarie cette vocation et il étudie le septième art à
l'université de New York. Cinéphile influencé par les films de Samuel Fuller, de Fritz Lang, d’Alain Resnais et de Robert Bresson, il signe des
courts métrages remarqués dans les festivals — It's Not Just You, Murray
(1964) et The Big Shave (1967) —, puis un long métrage sur les jeunes
italo-américains de New York — Who's That Knocking at My Door? et I Call
First (1968). Après avoir participé au tournage et au montage de Woodstock
(1970), Martin Scorsese se rend à Hollywood où Roger Corman produit son premier
long métrage de fiction — Bertha Boxcar (1972) —, violente et mystique
évocation des premiers syndicats au moment de la dépression économique des
années vingt.

LA RENCONTRE DÉCISIVE AVEC ROBERT DE NIRO

Martin Scorsese connaît la notoriété avec la présentation de Mean
Streets (1973) à la Quinzaine des réalisateurs de Cannes ; oeuvre
poétique, dure et fébrile, le film révèle Robert De Niro au public dans un
thriller chorégraphique où religion et érotisme se télescopent de façon
dynamique dans un style entre le documentaire et l'opéra filmé. Il signe
ensuite pour la télévision un documentaire sur ses propres racines
ethniques et culturelles — Italianamerican (1974) —, puis réalise un
mélodrame — Alice n'est plus ici (Alice Doesn't Live Here Anymore, 1975) —
et triomphe avec Taxi Driver (1976), palme d’or au Festival de Cannes ; le
film décrit, dans un style formel fascinant, la descente en enfer d'un
ancien du Viêt Nam, devenu chauffeur de taxi et jouant les anges
exterminateurs dans la pègre de New York.

Martin Scorsese choisit à nouveau Robert De Niro aux côtés de Liza
Minnelli pour une comédie musicale aux consonances de film noir — New
York, New York (1977) —, puis il filme un concert de rock — The Last Waltz
(1978) —, un portrait de son ami Steven Prince — American Boy (1978) — et
revient à la fiction avec une autobiographie fébrile et «religieuse» du
boxeur Jack LaMotta — Raging Bull (1980) —, qui rapporte l'oscar du
meilleur acteur à Robert De Niro.

MARTIN SCORSESE, CINÉASTE INCOMPRIS DANS LES
ANNÉES QUATRE-VINGT

Son regard ironique et caustique sur le monde du spectacle s'exprime
dans la Valse des pantins (The King Of Comedy, 1982), où Jerry Lewis donne la réplique à
Robert De Niro, puis il ose une oeuvre expérimentale — After Hours (1985)
—, qui déconcerte son public et une bonne partie de la critique. Son
admiration pour le film l'Arnaqueur (The Hustler, 1961) de Robert Rossen,
d'après le roman écrit par Walter Tevis en 1959, le pousse à tourner une
suite — la Couleur de l'argent (The Color of Money, 1986) —, en faisant
rejouer son rôle à Paul Newman. Avec son film suivant, la Dernière
Tentation du Christ (The Last Temptation of Christ, 1988), écrit par Paul
Schrader, d'après le roman de l’écrivain grec Nikos Kazantzakis, Martin
Scorsese provoque le scandale : les catholiques intégristes, qui
reprochent en effet au film de montrer un Christ humain, en proie au doute
et sensible aux pulsions sexuelles, en viennent même à incendier un cinéma
parisien qui programme ce film.

RETOUR À UN CINÉMA PLUS «CLASSIQUE» DANS LES
ANNÉES QUATRE-VINGT-DIX

Martin Scorsese réalise alors un documentaire — Made in Milan (1990) —,
puis revient au film noir avec les Affranchis (Goodfellas, 1990), pour
lequel il retrouve Robert De Niro, et qui lui apporte plusieurs
nominations aux oscars. En 1991, il tourne, sous le même titre, le remake
du film de J. Lee Thompson — Cape Fear (les Nerfs à vif, 1962), dont la
violence excessive et le sadisme surprennent par le manque de rigueur qui
leur est sous-jacent. Le cinéaste change toutefois aussitôt de registre en
réalisant un mélodrame en costumes — le Temps de l'innocence (The Age of
Innocence, 1993) —, d'après le roman d’Edith Wharton.

Cinéphile inconditionnel, Martin Scorsese tourne une histoire du cinéma
personnelle en plein centenaire du septième art, puis revient au film noir
avec Casino (1995), où il réunit Joe Pesci, Sharon Stone et Robert De
Niro, et tourne ensuite une biographie du dalaï-lama: Kundun (1998). Il
réalise par ailleurs des films de télévision pour la série Amazing
Stories, signe un sketch de New York Stories (1989), milite pour la
sauvegarde du patrimoine cinématographique et produit des films. Il est
parfois acteur dans ses films, apparaît également dans Autour de minuit
(1986) de Bertrand Tavernier et joue Van Gogh dans Rêves
(Dreams, 1990) de Akira Kurosawa.

Les principaux films de
Scorsese

1968

Who's That
Knocking at My Door?

Who's That
Knocking at My Door?

1972

Bertha
Boxcar

Boxcar
Bertha

1973

Mean
Streets

Mean
Streets

1975

Alice n'est
plus ici

Alice Doesn't
Live Here Anymore

1976

Taxi
Driver

Taxi
Driver

1977

New York New
York

New York New
York

1979

The Raging
Bull

The Raging
Bull

1983

La Valse des
pantins

The King of
Comedy

1985

After
Hours

After
Hours

1986

La Couleur de
l'argent

The Color of
Money

1988

La Dernière
Tentation du Christ

The Last
Temptation of Christ

1990

Les
Affranchis

Goodfellas

1991

Les Nerfs à
vif

Cape
Fear

1993

Le Temps de
l'innocence

The Age of
Innocence

1996

Casino

Casino

1997

Kundun

Kundun

1999

À tombeau
ouvert

Bringing out
the Dead

Seddiki (Tayeb)

Tayeb Seddiki
(1937- )
Cinéaste, acteur et
dramaturge marocain

Tayeb Seddiki est né en 1937... Il a longtemps
dirigé le Théâtre Municipal de Casablanca et il est lui même
dramaturge.

En 1984, il réalise son premier long métrage Zeft

Sembène Ousmane

Sembène Ousmane
(1923- )
Cinéaste et
romancier sénégalais d'expression française

Auteur du Mandat, Sembène Ousmane prône non
un retour au passé mais une adaptation des sociétés africaines au monde
moderne et la lutte contre la corruption.

Né à Ziguinchor dans une famille de pêcheurs, il exerça tout d'abord
divers petits métiers et participa en 1947, à Dakar, à un mouvement de
cheminots, expérience qu'il relata dans sa grande fresque romanesque, les
Bouts de bois de Dieu (1960). Sembène travailla ensuite à Paris et à
Marseille comme ouvrier et docker, découvrit le militantisme syndical et
l'univers de la lecture. Après la publication du roman, le Docker noir
(1956), il se consacra à la littérature et, un peu plus tard, au cinéma.
On lui doit aussi le Mandat (1966), Xala (1973) et Niiwan (1987), romans
dans lesquels il fustige la corruption. Il réalisa l'adaptation
cinématographique de certains de ses livres (le Mandat fut primé en 1968
au festival international de Venise).

Sen, Mrinal

Mrinal Sen
(1923- )
Cinéaste indien dont
l'oeuvre dénonce les injustices sociales et la misère de son
pays

Auteur bengali, Sen est né à Faridpur, qui
appartient maintenant au Bangladesh. Il se tourna vers le cinéma après
avoir lu les ouvrages de Rudolf Arnheim. Il débuta comme critique,
écrivant notamment un livre sur Charlie Chaplin. Son premier
film, la Fin de la nuit (Raat Bhore, 1956) fut un échec et, par la suite,
il le désavoua. Le deuxième, Sous le ciel bleu (Neel Akasher Neechey,
1958), l'histoire d'un colporteur chinois à Calcutta, évoquait les
mouvements gauchistes des années 1930 et traitait des relations politiques
entre l'Inde et la Chine avant la guerre de 1962. Son troisième, Jour de
noces (Baishey Shravan, 1960), portait sur la famine de 1943 au
Bengale.

Il fallut cependant attendre les Nuages dans le ciel (Akash Kusum,
1965) pour que la carrière de Sen prenne un véritable tournant : il devint
alors le principal représentant de la «Nouvelle Vague» indienne. Le film
fut notamment suivi par la Trilogie de Calcutta : Interview (1971),
Calcutta 71 (1972) et le Fantassin (Padatik, 1973). Ces trois films se
déroulaient dans une Calcutta agitée par les mouvements politiques et
sociaux. Ils étaient beaucoup plus engagés que les films réalisés par Satyajit Ray à la même
époque.

Ses films suivants lui permirent d'acquérir une réputation
internationale. Dénonçant sans fard les injustices sociales, évoquant avec
fougue les répressions politiques et l'exploitation des plus faibles,
l'oeuvre de Sen apparaît comme l'une des plus radicales du cinéma indien.
Ses derniers films comme À la recherche de la famine (Akaler Sandhaney,
1980), l'histoire d'une équipe de tournage qui se rend dans un village
afin de reconstituer de façon fictive la famine de 1943 ou les Ruines
(Khandhar, 1984) laissent davantage place à l'autocritique et à la
réflexion.

Sen écrivit également plusieurs livres sur le cinéma, notamment Views
on Cinema (1977) et Chalachitra : Adhunikata (1992).

Sennett, Mack

Mack Sennett
(de son vrai nom Michael
Sinnott)
(1884-1960)
Producteur et réalisateur
américain

L'un des pionniers de la comédie
burlesque.

Sennett est né à Danville, au Québec. Il commença sa carrière comme
acteur, dans des comédies burlesques et musicales, puis il travailla avec
David W. Griffith, qui l'incita à
réaliser ses premiers films.

Sennett fonda la société Keystone en 1912, introduisant une nouvelle
manière de déplacer la caméra afin d'accélérer l'action, style qui devint
le modèle de toutes les comédies burlesques des années 1920. Entre 1910 et
1929, Sennett produisit plus de 1 000 films muets. Il dirigea la plupart
des comédiens célèbres du cinéma muet, dont Fatty Arbuckle, W.C. Fields et
Buster Keaton.

Shinoda Masahiro

Shinoda Masahiro
(1931- )
Cinéaste
japonais

Né à Gifu, Shinoda entreprend des études de
sciences avant d’étudier l’esthétique et la littérature à l’université de
Waseda. Sa curiosité le pousse également à s’intéresser au théâtre
japonais (nô, kabuki et bunraku) et, en 1953, il devient
l’assistant-réalisateur de Yasujiro Ozu et de Nakamura Noboru. En
1960, il réalise son premier film, Un aller simple pour l’amour (Koi no
Katamichi Kippu), participant ainsi de plain-pied à ce qu’on a appelé la
«Nouvelle Vague» japonaise, aux côtés de Nagisa Oshima et de Yoshishige
Yoshida. Mais, très rapidement, il s’écarte délibérément d’une mouvance
cinématographique qu’il juge excessivement politisée et par trop
systématique dans ses partis pris de contre-culture. La tonalité de ses
films suivants, comme la Fleur pâle (Kawaita Hana, 1963) et Avec beauté et
chagrin (Utsukushisa to Kanashimi to, 1965), est à la fois sereine et
sensuelle, dans la lignée des films de Ozu et Kenji Mizoguchi. Le raffinement
complexe de ses recherches formelles est cependant tempéré par les images
récurrentes de mort et de destruction, comme c’est le cas dans
l’Assassinat (Ansatsu, 1964).

Son goût pour le théâtre, ainsi que son admiration pour le dramaturge
du XVIIe siècle Chikamatsu Monzaemon inspirent un projet comme
Double Suicide à Amijima (Shinju tenno Amijima, 1969) qui est une
adaptation magistrale d’un spectacle de marionnettes bunkaru de
Chikamatsu. Fidèle à la tradition théâtrale japonaise, il met en scène des
marionnettes auxquelles des manipulateurs «invisibles» vêtus de noir
prêtent toute la panoplie des jalousies et passions humaines. Shinoda
réaffirme également, au passage, ses convictions : pour lui, il n’est pas
d’amour passion qui ne porte en lui-même les germes de sa destruction -
par le sexe, la violence et le masochisme.

En 1966, Shinoda fonde sa propre société de production
cinématographique, la Hyôgen-Sha (Société de l’expression) qui lui permet
de poursuivre sa carrière sans se soumettre aux exigences des grands
studios japonais. Il peut ainsi réaliser un documentaire sportif comme les
jeux Olympiques d’hiver de Sapporo (Sapporo Winter Olympics Games, 1972),
ou mettre en scène une grande épopée historique sur les samouraïs comme
Gonza le lancier (Yari no Gonza, 1986, d’après Chikamatsu). En 1990, il
réalise Jours d’enfance (Takeshi), très librement adapté d’un roman de
Hyozo Kashiwabara.

Voir Cinéma japonais

Siodmak, Robert

Robert Siodmak
(1900-1973)
Réalisateur
américain d'origine allemande

Né à Dresde, Robert Siodmak appartient à une
famille de petits commerçants cultivés, amateurs de littérature. Élève
médiocre, il s’oriente sans succès vers le théâtre, puis trouve un emploi
de comptable dans une banque et fonde une maison d'édition. Il part
ensuite pour Berlin, où il débute dans le cinéma comme scénariste, avant
de devenir assistant réalisateur.

PÉRIODE ALLEMANDE

Associé à Edgar G. Ulmer, Fred Zinnemann et Billy Wilder, il réalise les
Hommes le dimanche (Menschen am Sonntag, 1929), un film réaliste à
contre-courant de l’expressionnisme alors en vogue. Engagé par la
puissante UFA, il signe Der Kampf mit dem Drachen (1930), Adieux
(Abschied, 1930), l'Homme qui cherche son assassin (Der Mann der seinen
Mörder sucht, 1930), Autour d'une enquête (Voruntersuchung, 1931), les
versions allemande et française de Tumultes (Stürme der Leidenschaft,
1931) et de Quick (Quick, König der Clowns, 1932), puis Brennendenes
Geheimnis (1932). Ses films réalistes, drames policiers ou comédies de
moeurs, témoignent d’un sens aigu de la direction d'acteurs et d’un goût
prononcé pour une certaine poésie de la noirceur humaine.

PÉRIODE FRANÇAISE

L'arrivée des nazis au pouvoir le conduit à s'exiler en France, où il
adapte une comédie d’Édouard Bourdet, le Sexe faible (1933), avant de
réaliser une remarquable comédie musicale avec Danielle Darrieux et Albert
Préjean, La crise est finie (1934), suivie d’une curieuse version anglaise
et française de l'opérette la Vie parisienne / Parisian Life (1935). Il
tourne ensuite un film policier, Mister Flow (1936), d'après Gaston
Leroux, et Cargaison blanche (1936). Tous ces films lui valent une
excellente réputation de cinéaste. Il dirige alors Harry Baur dans
Mollenard, capitaine corsaire (1937), travaille sans être crédité sur
Ultimatum (1938) de son compatriote Robert Wiene, ainsi que sur les Frères
corses (1938) de Georges Kelber, et dirige Maurice Chevalier dans Pièges
(1939).

HOLLYWOOD ET LA SÉRIE B

La Seconde Guerre mondiale le contraint à s'exiler à nouveau. Il émigre
aux États-Unis et y tourne d'abord des oeuvres de commande comme West
Point Widow (1941), Fly By Night (1941), The Night Before the Divorce
(1942), My Heart Belongs to Daddy (1942) et Someone to Remember (1943),
avant de se faire remarquer avec le Fils de Dracula (Son of Dracula,
1943), qui inaugure son contrat avec Universal. Pour cette firme, il
tourne ensuite le baroque Signe du cobra (Cobra Woman, 1943), avant de
s'essayer au film noir avec une adaptation réussie de William Irish, les
Mains qui tuent (Phantom Lady, 1943).

Il dirige encore Deanna Durbin dans Vacances de Noël (Christmas
Holiday, 1944) et George Sanders dans l'Oncle Harry (The Strange Affair of
Uncle Harry, 1945). Puis, Deux Mains dans la nuit (The Spiral Staircase,
1945) et la Double Énigme (The Dark Mirror, 1946) lui assurent une bonne
réputation d’auteur de films d'angoisse à thèmes psychologiques.

LES SUCCÈS

Son style vigoureux et onirique se plie parfaitement à une adaptation
de la nouvelle d’Ernest Hemingway, les Tueurs (The Killers, 1946), qui
révèle Ava Gardner et Burt Lancaster. Après Désirs de bonheur (Time out
Mind, 1947), il revient au film noir avec la Proie (Cry of The City,
1948), puis retrouve Burt Lancaster pour un chef-d'oeuvre, Pour toi, j'ai
tué (Criss Cross, 1948) tiré d'un roman de Don Tracy.

Il cosigne ensuite Passion fatale (The Great Sinner, 1949) avec Mervyn
LeRoy, une adaptation du Joueur de Dostoievski et tourne la Femme à
l'écharpe pailletée (Thelma Jordan, 1949), puis Deported (1949) et The
Whistle at Eaton Falls (1950) qui confirment sa place de choix parmi les
meilleurs réalisateurs américains du moment.

EUROPE

Il revient cependant en Europe pour mettre en scène un pittoresque film
de pirates avec Burt Lancaster, le Corsaire rouge (The Crimson Pirate,
1951), et tourne en France le Grand Jeu (1953) avec Gina Lollobrigida
avant de rentrer en Allemagne où il réalise les Rats (Die Ratten, 1955),
Mon père était acteur (Mein Vater der Schauspieler, 1956), Les SS frappent
la nuit (Nachts wenn der Teufel kam, 1957), Dorothea Angermann (1958) et
Mein Schulfreund (1960) qui font alors de lui le meilleur cinéaste
travaillant en Allemagne.

Il réalise aussi des téléfilms pour la télévision britannique, ainsi
que le film anglais The Rough and The Smooth (1959) et deux autres
productions françaises, Katia (1959) et l'Affaire Nina B. (1961).

FIN DE CARRIÈRE

Après un film de propagande américano-allemand contre le régime de la
RDA, Tunnel 28 / le Mur de Berlin (Tunnel 28/Escape from East Berlin,
1962), il signe des adaptations du romancier Karl May : Au pays des
Skipetars (Der Schut, 1964), le Trésor des Aztèques (Der Schatz des
Azteken, 1964) et la Pyramide du roi soleil (Der Pyramide des
Sonnesgottes, 1965) avant de retourner à Hollywood pour réaliser un grand
western, Custer, l'homme de l'Ouest (Custer of the West, 1967). Il termine
sa carrière en Europe avec Kampf um Rom (1969), un péplum en deux
parties.

Siegel (Don), les Tueurs

Quand le pompiste Swede dit le «Suédois» (le jeune Burt Lancaster qui
fait ses débuts) rencontre les deux tueurs qui l'ont débusqué dans une
ville perdue, il se laisse abattre sans résistance. Un agent d'assurance
de la compagnie à laquelle le «Suédois» avait souscrit, reconstitue
l'histoire de cet homme, piégé par une femme fatale, Kitty Collins (Ava
Gardner). Inspiré d'une nouvelle d'Hemingway, les Tueurs, construit sous
forme de onze flash-backs, est un classique du film noir de l'immédiat
après-guerre au réalisme prononcé, à l'atmosphère particulièrement
étouffante et morbide. En 1964, Don Siegel en réalise un remake À Bout
portant/les Tueurs (impeccables interprétations d'Angie Dickinson, John Cassavetes et Lee Marvin).
Conçu et produit pour la télévision, le film de Don Siegel est d'une
violence telle qu'il l'oblige à sortir en salles. Cette violence, symptôme
d'une société en crise, sera au coeur des films où Don Siegel dirigera Clint Eastwood, comme Un shérif à
New York (1968) ou l'Inspecteur Harry (1971).

Artisan de talent et auteur d’une poignée de chefs-d'oeuvre, Robert
Siodmak est un cinéaste éclectique et intéressant.

Sirk, Douglas

Douglas Sirk
(De son vrai nom Hans Detlev
Sierk)
(1900-1987)
Cinéaste américain d'origine danoise

Né à Hambourg, Douglas Sirk dirige après
ses études, un théâtre à Brême (1923-1929), puis à Leipzig (1929-1933) où
il monte des pièces de Brecht, d’Ibsen, de Kleist, de Molière, de
Pirandello, de Shakespeare, de Schiller, de Strindberg, de Wedekind et de
Wilde.

Il fait ses débuts au cinéma avec des courts métrages, dont le Malade
imaginaire d’après Molière, tourne April April (1935) en version allemande
et danoise, adapte Selma Lagerlöf dans Das Mädchen vom Moorhof (1935) et
Henrik Ibsen dans Stützen der Gesellschaft (1935), puis commence à
réaliser des mélodrames comme Schlussakkord (1936), la Chanson du souvenir
(Das Hofkonzert, 1936), Paramata, bagne de femmes (Zu Neuen Ufern, 1937)
et La Habanera (1937).

Après Accord final (1939) en Suisse et Boefje (1939) aux Pays-Bas, il
émigre aux États-Unis, où il met en scène Hitler's Madman (1942), l'Aveu
(Summer Storm, 1944) et A Scandal in Paris (1945), puis des films noirs
comme Des filles disparaissent (Lured, 1946), l'Homme aux lunettes
d'écaille (Sleep My Love, 1948) et Jenny femme marquée (Shockproof,
1949).

Auteur éclectique, il écrit des comédies, comme Slightly French (1948),
The Lady Pays off (1951), Week-End With Father (1951), Qui a donc vu ma
belle ? (Has Anybody Seen My Gal ?, 1951), No Room for The Groom (1951),
Meet Me At The Fair (1952) et Take Me To Town (1951), ainsi que des
drames, comme The First Legion (1950), Tempête sur la colline (Thunder on
The Hill, 1951), mais aussi un western, Taza, fils de Cochise (Taza Son of
Cochise, 1954) et quelques films historiques, comme Capitaine Mystère
(Captain Lightfoot, 1955) et le Signe du païen (Sign of The Pagan, 1954).
Mais il se distingue surtout par ses flamboyants mélodrames, un genre
qu’il porte au sommet avec All I Desire (1953), le Secret magnifique
(Magnificent Secret, 1953), Tout ce que le ciel permet (All That Heaven
Allows, 1955), There's Always Tomorrow (1955), Écrit sur du vent (Written
on The Wind, 1956), les Ailes de l'espérance (Battle Hymn, 1956), les
Amants de Salzbourg (Interlude, 1956), la Ronde de l'aube (The Tarnished
Angels, 1957), le Temps d'aimer et le temps de mourir (Time To Love And
Time To Die, 1957) et le Mirage de la vie (Imitation of Life, 1958).

Sur la fin de sa carrière, il est retourné en Allemagne pour se
consacrer à nouveau au théâtre. Ses derniers films sont des courts
métrages, Spricht Zu Mir Wie der Regen (1975), Sylvester Nacht (1977) et
Bourbon Streets Blues (1978).

Sjöström, Victor

Victor Sjöström
(1879-1960)
Acteur suédois
qui fut également l’un des plus grands réalisateurs du cinéma
muet

En 1957, Victor Sjöström, cinéaste et
acteur alors âgé de soixante-dix huit ans, interprète le vieux professeur
Isak Borg dans le film d'Ingmar Bergman les Fraises
sauvages.

Sjöström, qui passa une partie de son enfance à New York, commença une
carrière d’acteur de théâtre en 1896 et devint le régisseur de plusieurs
compagnies en Suède et en Finlande avant de fonder sa propre troupe en
1911.

L’année suivante, Sjöström fut engagé par la Svenska Biograph pour
laquelle il joua dans une vingtaine de films et réalisa plus d’une
trentaine de longs métrages, en particulier le Jardinier
(Trädgardsmästaren, 1912) et Ingeborg Holm (1913), dénonciation éloquente
de la faiblesse du système judiciaire suédois, qui connut un succès
international. Il réalisa par la suite plusieurs drames parmi lesquels
figurent Terje Vigen (1916), la Fille de la tourbière (Tösen fran
strormyrtorpet, 1917), les Proscrits (Berg Evjind och hans hustru, 1917),
la Voix des ancêtres (Ingmarssönerna, 1918) et la Montre brisée (Karin
Ingmarsdotter, 1919). La Charrette fantôme (Körkarlen, 1920), oeuvre
produite par la Svensk Film Industri et constituée de récits emboîtés,
figure parmi les films les plus ambitieux réalisés par Sjöström avant
qu’il ne quitte la Suède en 1923 pour aller travailler à Hollywood.

Bergman, les Fraises sauvages
En 1957, Victor
Sjöström, cinéaste et acteur alors âgé de soixante-dix huit ans,
interprète le vieux professeur Isak Borg dans le film d'Ingmar Bergman les Fraises
sauvages.

Parmi les films que Sjöström réalisa aux États-Unis figurent notamment
Larmes de clown (He Who Gets Slapped, 1924), la Lettre écarlate (The
Scarlet Letter, 1926) et surtout le Vent (The Wind, 1928). Ces films
furent salués par la critique, cependant l’avènement du cinéma parlant
marqua la fin de sa carrière de cinéaste.

Sjöström retourna en Suède en 1930, où il reprit sa carrière d’acteur
aussi bien au théâtre qu’au cinéma. Il réalisa Sous la robe rouge (Under
the Red Robe) en Grande-Bretagne en 1937 et fut directeur artistique de la
Svensk Film Industri entre 1943 et 1949. Sjöström eut une influence
importante sur de nombreux cinéastes, en particulier sur Ingmar Bergman, qui le fit jouer
dans les Fraises sauvages (Smuktronsstället, 1957).

Skolimowski, Jerzy

Jerzy Skolimowski
(1936- )
Réalisateur,
comédien, scénariste, poète et écrivain polonais

Né à Lódz, Jerzy Skolimowski publie très
jeune des recueils de poésies et des nouvelles. Il pratique beaucoup la
boxe et écrit le scénario des Innocents charmeurs (Niewinni czarodzieje,
1959) d’Andrzej Wajda, puis celui du
Couteau dans l'eau (Noz w Wodzie, 1961) de Roman Polanski.

Après avoir réalisé lui-même des courts métrages dont il est toujours
l'acteur principal, il suit les cours de l'école de cinéma de Lódz et
signe un long métrage comme travail de fin d'études, Signes particuliers
néant (Rysopis, 1964).

Son oeuvre suivante, Walk Over (1965) est louangée par la critique
internationale. Il enchaîne avec un film expérimental dont il n'est plus
l'acteur, la Barrière (Bariera, 1966), puis réalise en Belgique le Départ
(1967), avec Jean-Pierre Léaud en vedette.

De retour en Pologne, le tournage de son nouveau film Haut les mains
(Rece di gory) est interrompu par les autorités gouvernementales (il ne
sera terminé que quinze ans plus tard). Skolimowski s'installe alors en
Angleterre et tourne des productions européennes, les Aventures du
brigadier Gérard (The Adventures of Gerard, 1970), d'après Conan Doyle,
Deep End (1970) et Roi, dame, valet (King, Queen, Knave, 1972), d'après
Nabokov.

Après un long silence, il revient au premier plan avec le Cri du
sorcier (The Shout, 1978), puis Travail au noir (Moonlighting, 1982). Mais
l'échec commercial de ses films suivants, le Succès à tout prix (Success
Is the Best Revenge, 1984), le Bateau-phare (The Lightship, 1985), Eaux
printanières (Torrents of Spring, 1989) d'après Tourgueniev, et le beau et
délirant Ferdydurke (1991) d’après Gombrowicz, semble avoir compromis sa
carrière de réalisateur.

En 1981, il a interprété le rôle d'un photographe de presse dans le
Faussaire (Die Falschüng) de Volker Schlöndorff.

Smihi (Moumen)

Moumen Smihi
(1945- )
Cinéaste
marocain

Moumen Smihi est né en 1945. Élève de Roland Barthes,
après avoir acquis une formation à l'IDHEC (Paris). Auteur de plusieurs
films et de plusieurs articles, à travers ses films, il veut apporter un
racolage aux divers fragments de l'histoire de son pays.

Propos : On m'a certes colonisé, mais la découverte de la culture de
l'autre a été enthousiasmante. J'ai de très grands amours : la peinture
européenne, Rousseau et Diderot...Toutes ces choses là font partie de moi.
Sans ressentiment, ni culpabilité, je les revendique au titre de mon désir
(...) Non seulement je suis conscient du fait que mon travail peut
déranger, mais c'est un but que je recherche. J'ai été, et je le demeure,
un grand admirateur de Brecht. Je me sens profondément bréchtien mais pas
dans le sens intellectualisme pur, dur et ennuyeux. Brecht pensait que le
théâtre populaire devait être à la fois un théâtre de conscience,
dérangeant, interpellant mais aussi un spectacle beau et luxueux même.
Pourquoi le peuple n'aurait-il pas droit au luxueux ? L'art est une
interrogation de l'énigme de l'identité. Il n'y a plus dans les
civilisations contemporaines une identité donnée une fois pour toutes.
(...) Bien sûr, en tant que metteur en scène, je pourrais filmer la vie au
sein d'un bidonville. Mais d'un point de vue brechtien. Je montrerais le
bidonville comme un lieu de misère certes mais non comme une fatalité.
Sans complaisance, fût-elle de gauche Le danger pour l'intellectuel est de
voir les choses d'un point de vue dogmatique; je dirais monologique, voire
stalinien. C'est fini aujourd'hui tout cela. Il n'y a pas maintenant une
seule composante du paysage politique marocain qui refuserait de lutter
contre le bidonville. Le problème n'est plus là. (...) J'ai choisi de
vivre non pas en marge, mais à la périphérie de certains grands corps
sociaux comme l'université, les professionnels, les mileux de la finance.
Par crainte d'être avalé. De fait, je suis un solitaire, mais non un
marginal. Je demeure à l'écoute de tout ce qui se passe au pays et
ailleurs. La rareté de mes productions peut s'expliquer d'une part par ce
choix de vie, mais également par le manque de moyens. J'aurais tant aimé,
pour ma part, réaliser un long métrage par an. Il est dangereux de ne
faire qu'un film tous les quatre ans. On perd la main. Mais les
difficultés et les conditions matérielles sont telles - il n'y a pas
d'industrie cinématographique - que faire un film par an au demeure un
rêve difficile à réaliser»

Propos reccueillis par Latefa Imane, in "Kalima" N°31 de
Décembre 1988, pages 62-63

Filmographie

1969 : "Tous les Rideaux du Monde", court métrage;

1971 : "Si Moh, Pas de chance", court métrage;

1972 : "Couleurs au corps"; court métrage;

1975 : "Chergui ou le silence violent",
long métrage;

1982 : "Quarante quatre ou les récits de la
nuit", long métrage;

1989 : "Caftan d'amour", long métrage

Solanas, Fernando Ezequiel

Fernando Ezequiel Solanas
(1936-
)
Réalisateur et théoricien du cinéma argentin

Né à Olivos (Buenos Aires), il étudie la
musique, le théâtre et le droit avant de réaliser Seguir andando (1962) et
Reflexión ciudadana (1963).

En 1966, il fonde avec Octavio Getino le groupe de production et de
diffusion cinématographique Cine Liberación. Mais c’est un documentaire de
quatre heures, l’Heure des brasiers (la Hora de los hornos, 1966-1968),
réalisé en collaboration avec Getino, qui lui apporte une notoriété
mondiale. Cette oeuvre est conçue comme un essai politique articulé autour
du problème du néocolonialisme. oeuvre protéiforme, elle multiplie, à
travers un montage novateur, les sources d’expression (interview,
tableaux, actualités). Le film sera interdit en Argentine entre 1969 et
1973. Ses oeuvres de fiction postérieures se situent dans la même ligne de
réflexion politique : Tangos, l’exil de Gardel (1985), film sur les exilés
politiques argentins en Europe, le Sud (el Sur, 1988) et le Voyage (el
Viaje, 1992).

Soldati, Mario

Mario Soldati
(1906-1999)
Cinéaste,
écrivain, scénariste et critique d’art italien

Né à Turin, Soldati publie en 1929 son
premier titre, un recueil de nouvelles, Salmace, avant de partir
s’installer aux États-Unis. Il raconte cette «découverte de l’Amérique» et
de la liberté, son corollaire à ses yeux, dans Amérique, premier amour
(1935). En 1937, il écrit l’Affaire Motta, livre ingénieux où le grotesque
le dispute au métaphysique. Au sein d’une oeuvre rapidement devenue
abondante et protéiforme (il a même écrit des livres d’œnologie et de
gastronomie), on retiendra aussi les nouvelles regroupées sous le titre le
Festin du commandeur (1952), les Lettres de Capri (prix Strega en 1954),
l’Enveloppe orange (1966), Raconte, carabinier (1967), l’Architecte
(1985).

Parallèlement à son travail d’écriture, Soldati poursuit une carrière
cinématographique qu’il entame dès 1932 comme scénariste d’Alessandro Blasetti et Mario Camerini. Devenu
réalisateur en 1939, il puise ses sujets dans la littérature - notamment
chez Fogazzaro pour Un petit monde ancien (Piccolo mondo antico, 1941),
chez Balzac (Eugénie Grandet, 1947) ou chez Alberto Moravia (la
Provinciale, 1953).

Il se révèle là aussi un habile conteur, exploitant avec talent le
cadre historique de ses films.

Soutter, Michel

Michel Soutter
(1932-1991)
Cinéaste
suisse

Cinéaste qui a contribué à la renommée du
cinéma suisse francophone aux côtés d'Alain Tanner et de Claude Goretta. Ses premiers
films réalisés avec peu de moyens ont frappé par leur originalité et une
forme d'humour très personnelle, en particulier les Arpenteurs (1972). Il
put ainsi réaliser en coproduction avec la France des comédies où
cohabitent sensualité, détachement, émotion et ironie : l'Escapade (1974),
Repérages (1977), l'Amour des femmes (1982), Adam et Êve (1983), Signé
Renart (1985).

Spielberg, Steven

Steven Spielberg
(1946- )
Réalisateur,
scénariste et producteur américain

Né à Cincinnati, Steven Spielberg débute
dès son enfance comme cinéaste amateur, remportant quelques prix pour ses
courts métrages. Après des études de cinéma en Californie, il est engagé à
vingt-deux ans comme réalisateur de télévision chez Universal. Il tourne
alors une douzaine de téléfilms en trois ans, dont Duel (1971), récit
angoissant d'une lutte à mort entre un automobiliste et un camion, qui est
exploité dans les salles de cinéma du monde entier et qui lui vaut une
immédiate reconnaissance de la critique.

Pour le grand écran, Spielberg réalise alors Sugarland Express (1974),
une comédie dramatique policière qui est aussi un spectaculaire
road-movie, avant de battre tous les records d’entrées avec les Dents de
la mer (Jaws, 1975), qu’il réalise et coproduit. Ce suspense autour d'un
requin meurtrier devient immédiatement un film culte.

À trente ans, jouissant comme réalisateur d'une indépendance financière
absolue, il décide de porter ses rêves d'adolescent à l'écran en se
tournant vers la science-fiction avec Rencontre du troisième type (Close
Encounters of The Third Kind, 1977), une fable humaniste qui est un succès
international. En guise d’hommage, il offre dans ce film un rôle important
à François Truffaut.

Il connaît ensuite un échec commercial avec une comédie burlesque sur
Pearl Harbour, 1941 (1979), et lance alors la série des Indiana Jones,
films d'aventures drôles et palpitants très inspirés de l’univers de la
bande dessinée, avec Harrison Ford en vedette. Les Aventuriers de l'arche
perdue (The Raiders of The Lost Ark, 1981), Indiana Jones et le temple
maudit (Indiana Jones and The Temple of Doom, 1984) et Indiana Jones et la
dernière croisade (Indiana Jones and The Last Crusade, 1989) obtiennent un
immense succès. Il revient entre-temps à la science-fiction humaniste avec
E.T. (E.T. The Extra Terrestrial, 1982) qui enthousiasme le jeune public
du monde entier et témoigne d'une grande sensibilité à l’univers de
l’enfance. Cette oeuvre émouvante et sans mièvrerie est à la fois un
spectacle merveilleux, avec des effets spéciaux très spectaculaires, une
fable en faveur de l’acceptation d’autrui, et un tableau remarquable de la
vie dans une petite bourgade américaine. Par ce dernier aspect, on peut
d’ailleurs mesurer la filiation réelle qui existe entre l’oeuvre de
Spielberg et le meilleur cinéma classique américain, celui de Ford et de Walsh.

Spielberg, E.T.
Sur le plan
artistique et commercial, c'est avec E.T. que Spielberg démontre qu'il est
désormais un créateur d'envergure planétaire.

Mais, si ces films populaires enchantent le public, ils ne sont guère
prisés par la critique qui, généralement, ne veut voir en Spielberg qu'un
habile faiseur et un commerçant avisé. Celui-ci tente alors de faire des
films plus adultes et engagés, comme la Couleur pourpre (The Color Purple,
1985), un mélodrame tiré du best seller d’Alice Walker sur une jeune femme
noire, interprétée par Whoopi Goldberg. Il signe aussi l'Empire du soleil
(Empire of the Sun, 1987) un film sur les tribulations d’un enfant perdu
pendant la Guerre du Pacifique, considéré par certains comme son
chef-d’oeuvre. Il offre ensuite une réflexion sereine sur la mort avec
Always (1989).

Après l'échec commercial de sa version moderne de Peter Pan, Hook
(1991), il obtient un nouveau succès mondial avec Jurassic Park (1993),
d'après le roman de Michael Crichton, film pour lequel il fait très
largement appel aux images de synthèse. Il en tourne une suite plus
sauvage et violente, le Monde perdu - Jurassic Park 2 (The Lost World,
1996), qui connaît un succès identique. Il signe ensuite un film puissant
et sincère sur l’extermination des Juifs par les nazis, la Liste de
Schindler (The Schindler's List) qui lui vaut plusieurs oscars et une
tardive reconnaissance de la critique.

Sam Neill dans Jurassic Park (1993),
de Steven Spielberg
Des manipulations génétiques, à partir d'un
fragment d'ADN préhistorique, permettent au savant John Hammond (Richard Attenborough) de recréer
différentes espèces de dinosaures, qu'il présente au public dans un parc
d'attraction. À la suite d'une malveillance, les monstres réussissent à
s'échapper et attaquent les chercheurs envoyés sur place. Après ce succès
phénoménal, Steven Spielberg a colllaboré à nouveau avec ses scénaristes
Michael Crichton et David Koepp pour réaliser une suite intitulée le Monde
perdu : Jurassic Park (The Lost World : Jurassic Park, 1997), dans
laquelle on retrouve les acteurs Jeff Goldblum et Richard Attenborough.

Après avoir réalisé une oeuvre sans concession sur l'esclavage des
noirs, Amistad (1997) il obtient de nouveau un grand succès avec une
fresque d’un réalisme sidérant sur le débarquement de Normandie, Il faut
sauver le soldat Ryan (Saving Private Ryan, 1998).

Ben Kingsley dans la Liste de
Schindler (Schindler's List, 1993) de Steven Spielberg.
Adapté
d'une histoire vraie, le film de Steven Spielberg raconte le sauvetage de
1 300 juifs par un homme d'affaires allemand, lié aux nazis. Tourné en
noir et blanc, le long-métrage fut couronné en 1994 par cinq oscars, dont
ceux du meilleur film et du meilleur réalisateur.

Steven Spielberg est également producteur d’une série télévisée,
Amazing Stories, et de nombreux films : Poltergeist (1982), la trilogie de
Retour vers le futur (Back To The Future, 1985, 1989, 1990 ), Qui veut la
peau de Roger Rabbit ? (Who Framed Roger Rabitt?, 1988), Casper (1995),
ainsi que de plusieurs dessins animés de long métrage.

Stallone, Sylvester

Sylvester Stallone
(1946- )
Acteur,
scénariste et réalisateur américain

Né à New York, célèbre pour ses rôles de
guerrier solitaire. Stallone retint l'attention des critiques dans le film
The Lords of Flatbush (le Seigneur de Flatbush, 1974), de Verona. Par la
suite, il joua dans Adieu ma jolie (Farewell My Lovely, 1975), de
Richards, Capone (1975), de Carter, et la Course à la mort de l'an 2000
(Death Race 2000, 1975), de Bartel.

Issu d'un milieu défavorisé, Sylvester Stallone parvient néanmoins à
suivre des études grâce à ses capacités sportives. Devenu comédien, il ne
parvient pas à s'imposer malgré un rôle remarqué dans The Lords of
Flatbush (S. Verona, 1974). Il écrit alors Rocky, un scénario en partie
autobiographique, inspiré de ses échecs. Adapté au cinéma en 1976 par John
Avildsen, le film triomphe au point de devenir une série à épisodes
(quatre à ce jour). Il a depuis bâti sa carrière sur un personnage de
redresseur de torts, au profil idéologique sans équivoque, qui s'illustre
au cours de films d'action musclés comme la série des Rambo. Si ses
incursions dans le registre de la comédie ne convainquent guère (Arrête ou
ma mère va tirer, R. Spottiswoode, 1991), Stallone a livré une remarquable
prestation dramatique dans Copland (J. Mangold, 1997).

Au cours des années 1970, Stallone écrivit également des scénarios. En
1976, il connut son premier succès en tant que scénariste et interprète,
avec Rocky (oscar du meilleur film), d'Avildsen. Il y tenait le rôle
principal d'un boxeur de troisième ordre, qui retrouve sa dignité en
atteignant la gloire. De 1976 à 1990, Stallone écrivit, réalisa et
interpréta quatre autres Rocky. Parallèlement, il entama la série des
Rambo : Rambo (First Blood I, 1982), de Kotcheff, Rambo II (Rambo : First
Blood Part II, 1985), de Cosmatos, et Rambo III (1988), de MacDonald. Il
joua également dans d'autres films : la Taverne de l'enfer (Paradise
Alley, 1978), qu'il écrivit et réalisa, les Faucons de la nuit
(Nighthawks, 1981), de Malmuth, et Tango et Cash (Tango and Cash, 1989),
de Konchalovsky. Stallone joua également dans des comédies, dont Arrête ou
ma mère va tirer (Stop! Or My Mom Will Shoot, 1992).

Sternberg, Josef von

Josef von Sternberg
(de son vrai nom Jonas
Sternberg)
(1894-1969)
Réalisateur américain d'origine
autrichienne

Né à Vienne, Josef von Sternberg, connaît
une enfance pauvre et difficile entre sa ville natale et New York où
travaille son père. Ayant abandonné ses études à quinze ans, il est
employé en 1912 au nettoyage et à la restauration de copies de films. Son
intérêt pour le septième art le conduit ensuite à faire divers métiers
dans l’industrie du cinéma, notamment ceux de monteur, de titreur, de
scénariste, de décorateur et d’opérateur de prises de vues.

De 1918 à 1924, il voyage en Europe, devient acteur et
assistant-réalisateur de plusieurs metteurs en scène français, allemands,
anglais et tchèques.

Von Sternberg, l'Ange
bleu
Adapté du Professeur Unrat du romancier Heinrich Mann, l'Ange
bleu (Der Blaue Engel, 1930), de Josef von Sternberg, fut le premier
succès international du cinéma sonore allemand, né en 1929. Produit par la
UFA dans les studios de Babelsberg, il révéla Marlène Dietrich aux côtés
du célèbre Emil Jannings et des vedettes de cabaret Hans Albers, Rosa
Valetti et Kurt Gerron. Le réalisateur, appelé en Allemagne pour
l'occasion, retourna à Hollywood en emmenant «sa» vedette, Marlène
Dietrich.

Installé à Hollywood, il réalise un premier film indépendant, les
Chasseurs de salut (Salvation Hunters, 1925). L'oeuvre impressionne les
dirigeants de la firme United Artists qui l'achètent immédiatement. La MGM
l'engage aussitôt : il réalise pour elle Escape (1925) et The Masked Bride
(1925), qui sont considérablement retouchés par les producteurs.
Mécontent, von Sternberg rompt son contrat et c’est Charles Chaplin qui produit son
film suivant, la Mouette (The Seagull, 1926). Cependant, pour des raisons
obscures, Chaplin n’exploitera jamais ce
film.

Sternberg met alors en scène un film de gangsters, les Nuits de Chicago
(Underworld, 1927), qui remporte un grand succès. Il dirige ensuite Emil
Jannings dans Crépuscule de gloire (The Last Command, 1928), puis réalise
un mélodrame, les Damnés de l'océan (The Docks of New York, 1928) avant de
revenir au film policier avec la Rafle (The Dragnet, 1928). Dans ces films
produits par la Paramount, von Sternberg explore toutes les possibilités
du montage et de la prise de vues, crée un style original et hautement
sophistiqué et fait preuve de qualités exceptionnelles comme directeur
d'acteurs. Il devient vite l’un des réalisateurs les plus importants de
Hollywood.

Von Sternberg, l'Impératrice
rouge
La collaboration entre Marlène Dietrich et von Sternberg, qui
remonte à l'Ange bleu, atteint son apogée avec l'Impératrice rouge, où
dans une suite de visions d'une hallucinante beauté les vieux démons de la
Russie impériale se laissent subjuguer par le sourire ironique de Marlène,
déesse d'Hollywood.

Après le Calvaire de Léna Smith (The Case of Lena Smith, 1929) et
l'Assommeur (Thunderbolt, 1929), il réalise à Berlin le premier film
parlant allemand, ainsi que sa version américaine, l'Ange bleu (Der Blaue
Engel, 1930). Le film lance la comédienne Marlene Dietrich, que von
Sternberg ramène avec lui aux États-Unis.

En dehors d’une adaptation du roman de Theodore Dreiser Une tragédie
américaine (An American Tragedy, 1931), von Sternberg collabore désormais
exclusivement avec Dietrich qui est pour lui davantage qu’une actrice :
une muse, un médium parfait. Elle lui inspire une série de films
remarquables, tels Coeurs brûlés (Morocco, 1930), Agent X 27 (Dishonored,
1931), Shanghai Express (1932), et Blonde Vénus (1932). L'Impératrice
rouge (The Scarlet Empress, 1934) marque sans doute l’apogée de leur
association. Le perfectionnisme de von Sternberg, son sens extatique de
l’image, la profondeur de sa vision artistique fusionnent avec la présence
ravageuse, l’humour contenu, l’élégance ironique et décontractée de
Dietrich dans ce film fiévreux, outré, qui pourrait résumer à lui seul
tout le faste et la magie de Hollywood. Le merveilleux tandem
Sternberg-Dietrich se sépare après l’échec commercial de la Femme et le
Pantin (The Devil is a Woman, 1935), et le cinéaste se voit contraint de
signer des oeuvres de commande comme Remords (Crime and Punisment, 1935),
d'après Crime et châtiment de Dostoïevski, avec Peter Lorre dans le
personnage de Raskolnikov, Sa Majesté est de sortie (The King Steps out,
1936) et Au service de la loi (Sergeant Madden, 1939).

Son I Claudius (1937), avec Charles Laughton, reste inachevé,
mais il redevient lui-même avec l'admirable Shanghai (Shanghai Gesture,
1940), avant d'entamer une traversée du désert de dix ans, au cours de
laquelle il signe seulement un court métrage expérimental, la Ville (The
Town, 1943-1944).

En 1950, le producteur Howard Hugues le ramène dans les studios pour
les Espions s'amusent (Jet Pilot) qui ne sort qu'en 1957, puis pour le
Paradis des mauvais garçons (Macao, 1952) qui sera terminé par Nicholas Ray. C’est grâce à un
financement japonais imprévu que Josef von Sternberg signe son ultime
chef-d’oeuvre et l’un des plus beaux films du monde, Fièvre sur Anatahan
(The Saga of Anatahan, 1953), avant de se voir définitivement écarté des
studios.

Sternberg a publié une excellente autobiographie, Souvenirs d'un
montreur d'ombres (Fun in a Chinese Laundry, 1965).

Stevens, George

Georges Stevens
(1904-1975)
Cinéaste
américain et directeur de la photo

Né à Oakland (Californie), Georges Stevens
débute comme acteur à cinq ans dans la troupe de comédiens de son père,
puis travaille à Hollywood en 1921 comme «gagman» et directeur de la photo
chez Hal Roach. À ce titre, il participe à plusieurs tournages de courts
métrages interprétés par Laurel et Hardy.

Il devient réalisateur avec The Cohens and Kellys in Trouble (1933).
Après avoir tourné quelques production mineures, il signe Alice Adams
(1935) dont Katharine Hepburn est la vedette, puis un des meilleurs films
du tandem Ginger Rogers et Fred Astaire, Sur les ailes de la danse (Swing
Time, 1936), un film d’aventures coloniales avec Cary Grant, Gunga Din
(1939), une brillante comédie avec le couple Katharine Hepburn et Spencer
Tracy la Femme de l’année (Woman of the Year, 1942) et un curieux
mélodrame réunissant Cary Grant et Ronald Colman, la Justice des hommes
(The Talk of the Town, 1942).

Enrôlé dans le Service cinématographique de l’armée pendant la Seconde
Guerre mondiale, il filme notamment la libération du camp de Dachau.

De retour à Hollywood, il signe un mélodrame sur une famille d’immigrés
norvégiens, Tendresse (I Remember Mama, 1948) suivi d’une adaptation du
roman de Theodore Dreiser, une Tragédie américaine, intitulée une Place au
soleil (A Place in the Sun, 1951), puis d’un western avec Alan Ladd,
l’Homme des vallées perdues (Shane, 1953) et du dernier film interprété
par James Dean, Géant (Giant, 1956). Il réalise encore le Journal d’Anne
Frank (The Diary of Anne Frank, 1959), une superproduction sur la vie du
Christ, la Plus Grande Histoire jamais contée (The Greatest Story ever
Told, 1965) et termine sa carrière avec Las Vegas, un couple (The Only
Game in Town, 1969), où il confronte sa comédienne préférée, Élizabeth
Taylor, au sémillant Warren Beatty.

Stiller,
Mauritz

Mauritz
Stiller
(1883-1928)
Cinéaste suédois

Dandy polyglotte, amateur de théâtre, il joue dans
différentes troupes de Stockholm avant d’être remarqué par le producteur
Charles Magnusson. Il entreprend d’abord une carrière d’acteur, en même
temps que Victor Sjöström, puis se tourne
vers la réalisation. Cinéaste très prolifique, il tourne 8 films en 1912,
8 en 1913, 5 en 1914, 8 en 1915, mais la majorité de ses premières
réalisations a été perdue. Les Ailes (Vingarna, 1916), oeuvre perdue elle
aussi, est sans doute le premier film tourné sur l’homosexualité. Son
premier film important, Amour et journalisme (Kärlek och journalistik,
1916) inaugure la deuxième époque de Stiller, celle de la comédie
énergique, virtuose, pétillante et excentrique. Le Meilleur Film de Thomas
Graal (Thomas Graals bästa barn, 1917) ou Vers le bonheur (Erotikon, 1920)
sont de brillantes comédies au rythme enlevé, pleines d’ellipses
narratives. Elles ont notamment influencé Ernst Lubitsch. Après 1920,
Stiller se tourne vers l’adaptation de grands drames naturalistes de la
littérature nordique. La Légende de Gösta Berling (Gösta Berlings Saga,
1924), adapté de Selma Lagerlöf, lance Greta Garbo, qui ne cessera de
fasciner Stiller. Impressionné par le film, Louis B. Mayer propose à
Stiller de travailler à Hollywood, lequel n’accepte que sous la condition
d’avoir à ses côtés Greta Garbo. Mais sa façon très personnelle de diriger
un film et son comportement quasi névrotique (on cite souvent cette
anecdote fameuse : il ne changeait jamais de costume pendant le tournage
pour ne pas risquer de modifier l’atmosphère du film) ne facilitent pas
son intégration au système des studios. Il se voit ainsi écarté du
tournage de plusieurs films : le Torrent (The Torrent, 1926), la
Tentatrice (The Temptress, 1926), Fil de fer barbelé (Barbed Wire, 1927).
Il est finalement chassé de la MGM et n’a plus la possibilité de tourner
avec Garbo. Fatigué et déprimé, il retourne à Stockholm où il meurt
rapidement.

Stone, Oliver

Oliver Stone
(1946- )
Cinéaste et
scénariste américain, célèbre pour ses films controversés sur la guerre du
Viêt Nam et sur la société américaine

Né à New York, Stone suit les cours de
l'université Yale au milieu des années soixante. Après divers emplois,
notamment comme enseignant à Saïgon et comme matelot dans la marine
marchande, Stone s'engage dans l'armée américaine et est blessé lors de la
guerre du Viêt Nam. Après avoir quitté l'armée en 1968, il suit des cours
de cinéma à l'université de New York et obtient son diplôme en 1971.
Réalisateur de films publicitaires, il tourne également diverses
productions indépendantes (Street Scenes, 1970 et Seizure, 1974) et écrit
plusieurs scénarios de longs métrages.

En 1978, il remporte l'oscar du meilleur scénario pour Midnight Express
(Alan Parker, 1978), l'histoire véridique d'un jeune Américain arrêté et
emprisonné en Turquie pour avoir tenté de faire sortir du haschisch du
pays.

Après avoir écrit et réalisé le film d'horreur The Hand (1981), Stone
écrit les scénarios de Conan le Barbare (Conan the Barbarian, J. Milius,
1982), de Scarface (Brian De Palma, 1983), de l'Année
du dragon (Year of the Dragon, Michael Cimino, 1985) et de Huit
Millions de façons de mourir (8 Million Ways to Die, Hal Ashby, 1986).
L'année 1986 voit sa consécration internationale grâce à deux films de
guerre : Platoon, oeuvre en partie autobiographique qui dresse un tableau
réaliste de la guerre du Viêt Nam et Salvador, fondé sur les expériences
vécues d'un journaliste américain envoyé en Amérique centrale.

Parmi les plus grandes réalisations d'Oliver Stone figurent également
Wall Street (1987), Talk Radio (1988), Né un 4-juillet (Born on the Fourth
of July, 1989), The Doors (1991), qui évoque la vie de Jim Morrison, JFK
(1991), qui retrace l'enquête ayant suivi l'assassinat du président John
F. Kennedy ou Tueurs nés (Natural Born Killers, 1994), film traitant de la
fascination des médias et du public pour les tueurs en série.

Straub, Jean-Marie et Huillet,
Danièle

Jean-Marie Straub
(1933- )
et

Danièle Huillet
(1936- )
Réalisateurs
français

Né à Metz, Jean-Marie Straub fait des études
de littérature à Strasbourg et à Nancy, anime un ciné-club et arrive à
Paris en 1954. Assistant de Jacques Rivette sur le Coup du
berger (1956), il refuse de partir combattre en Algérie et s'exile en
Allemagne en 1958.

Danièle Huillet, sa compagne (qu’il épouse en 1959 et qui sera le
coauteur de tous ses films), l'y rejoint, et s'installe avec lui à Münich.
Ils tournent leur premier court métrage, Machorka Muff (1964), d'après une
nouvelle de Heinrich Böll, puis adaptent un des romans de Jean-Marie, Non
réconciliés/Seule la violence aide où la violence règne (Nicht Versöhnt/Es
hilft nur Gewalt wo Gewalt herscht, 1965), une oeuvre rigoureuse et forte,
qui est une description clinique, austère et juste de l'Allemagne de cette
époque, confrontée à son passé proche.

Jean-Marie Straub et Danièle Huillet tournent ensuite Chronique d'Anna
Magdalena Bach (Chronik der Anna Magdalena Bach, 1966), une biographie de
Jean-Sébastien Bach largement constituée de séquences musicales où
certaines oeuvres de Bach sont interprétées, dans un cadre d’époque et en
costumes, par des concertistes de renommée internationale comme le
claveciniste et chef d’orchestre Gustav Leonhardt. L’originalité et la
rigueur de ce «documentaire en costumes» impressionnent la critique
internationale.

Straub et Huillet, Chronique d'Anna
Magdalena Bach
Par la rigueur et l'authenticité du dispositif
filmique, Chronique d'Anna Magdalena Bach livre une image «muséale» du
passé, entreprise unique dans l'histoire du cinéma.

Sans concession ni volonté de spectacle, ils signent un court métrage,
le Fiancé, la Comédienne et le Maquereau (Der Brautigam, die Kömödiantin
und der Zuhalter, 1968), interprété par Rainer Werner Fassbinder et sa
troupe. C'est une réflexion lucide sur la prostitution et une
expérimentation réussie en ce qui concerne les rapports et les
antagonismes entre le théâtre et le cinéma. Ils poursuivent cette
recherche en transposant sur les collines de Rome une tragédie de Pierre
Corneille (Othon/Les yeux ne veulent pas en tout temps se fermer ou
Peut-être qu'un jour Rome se permettra de choisir à son tour, 1969). Le
radicalisme de l'entreprise engendre des polémiques.

Avec Leçons d'histoire (Geschichtsunterricht, 1972), ils s'intéressent
ensuite aux Affaires de Monsieur Jules César de Bertolt Brecht, puis
signent un court métrage de révolte idéologique, Introduction à la musique
d'accompagnement d'une scène d'ombre et de lumière d'Arnold Schoenberg
(Einleitung zu Arnold Schoenbergs begleitmusik zur einer Lichtspielscene,
1973).

Après avoir filmé l'opéra de Schoenberg Moïse et Aaron (1974), tous
deux travaillent sur le rapport des paysages avec un texte d'analyse sur
la situation en Palestine, Fortini Cani (il Cani del Sinai, 1977) et
continuent une oeuvre de résistance et d'idéologie avec De la nuée à la
résistance (Dalla nube alla Resistenza, 1979) et Trop tôt, trop tard
(1981). Ils adaptent également Kafka avec Amerika, rapport de classes
(Klassenverhältniss, 1984), puis Hölderlin avec la Mort d'Empédocle (Der
Tod des Empedokles, 1987) et Noir Péché (Schwarze Sünde, 1989); ils
confrontent cet auteur à Brecht et à Sophocle dans Antigone (1991),
interrogent la peinture avec Cézanne (1990), la poésie avec Toute
révolution est un coup de dés (1977) d’après Mallarmé, la littérature avec
Lothringen (1994) d’après Maurice Barrès, et Sicilia (1999) d’après
Conversation en Sicile d’Elio Vittorini, et filment un autre opéra
d’Arnold Schoenberg, Du jour au lendemain (Von Heute auf Morgen,
1996).

Stroheim, Erich von

Erich von Stroheim
(de son vrai nom Erich
Oswald Stroheim)
(1885-1957)
Cinéaste, acteur et romancier américain
d'origine autrichienne

Né à Vienne (Autriche), Erich von Stroheim,
est issu d'une famille de gros commerçants. Pendant toute son enfance, il
est l’objet d’humiliations, en raison de ses origines juives. À la fin de
ses études secondaires, il travaille avec son père, jusqu'à son appel sous
les drapeaux comme simple soldat. Plus tard, il s'invente une biographie
d'officier de cavalerie aristocrate issu de l'école militaire de Wiener
Neustadt et familier de l'Empereur. La réalité est autre : il déserte
l'armée au bout de six mois et s'exile aux États-Unis en 1908.

Après être passé par de nombreux petits métiers, il s'établit à
Hollywood en 1914, y devient cascadeur ou figurant, puis assistant à la
réalisation pour David Wark Griffith, Allan Dwan
et George Fitzmaurice. Par la suite, il tient enfin quelques petits rôles
et notamment celui de conseiller militaire sur le Prince étudiant (Old
Heidelberg, 1915) de John Emerson. Le personnage d'officier allemand qu'il
cultive avec panache lui vaut d’être engagé comme comédien dans For France
(1917) de Wesley Ruggles, Coeurs du monde (Hearts of The World, 1917) de
David Wark Griffith et Hearts of
Humanity (1918) de Allen Hollubar. Ces rôles de «méchant» au physique
inquiétant, avec monocle et nuque rasée, lui apportent la célébrité. Il
interprète et réalise alors Maris aveugles (Blind Husbands, 1918), un
mélodrame se déroulant dans les Alpes et portant sur la séduction et la
lâcheté. Après une seconde réalisation ambitieuse, les Passe-partout du
diable (The Devil's Passkey, 1919), il signe Folies de femmes (Foolish
Wives, 1921), un drame sordide et puissant qui se déroule à Monte-Carlo,
mais ses extravagances ruineuses et ses folles exigences inquiètent ses
producteurs, qui le licencient alors qu’il tourne Chevaux de bois
(Merry-Go Round, 1922), dont Rupert Julian termine la réalisation.

Von Stroheim, les
Rapaces
«Tous les dimanches, il devenait une brute irresponsable,
une bête rendue folle par l'alcool» explique, au sujet du «père» McTeague
(ci-dessus Jack Curtis), l'un des premiers cartons du film d'Eric von
Stroheim. Premier chef d'oeuvre de l'histoire du cinéma «dépecé» par son
producteur (le jeune Irving Thalberg) contre la volonté de son auteur, les
Rapaces — dont le titre original est Greed («avidité») — est un
film-fleuve, une étude naturaliste des pulsions qui agitent de pauvres
hères, les jetant dans la frustration sexuelle, la misère et, finalement,
par une sorte de fatalité archétypale qui est celle de la condition
humaine selon Stroheim, dans le meurtre.

Il commence alors les Rapaces (Greed, 1924), une adaptation de sept
heures du roman naturaliste de Frank Norris, McTeague. Le producteur
Irving Thalberg exige de voir le film réduit à une durée de deux heures.
On lui confie ensuite une adaptation de la Veuve joyeuse (The Merry Widow,
1927), dans laquelle il intègre des séquences de sadisme et d'orgie. Un
succès dû au scandale que provoque ce film semble alors lui assurer une
totale liberté à l'avenir et il entame The Wedding March (1927), un
diptyque de quatre heures sur la Vienne impériale. Les producteurs
refusent fermement de montrer l'oeuvre en l’état. Ils en exploitent le
premier volet, la Symphonie nuptiale, en tant que film unique, puis font
remonter la seconde partie par Josef von Sternberg et la
distribuent sous le titre de Mariage de prince.

Erich von Stroheim, Pierre Fresnay et
Jean Gabin dans la Grande Illusion (1937) de Jean Renoir.

Dans un camp en Allemagne, pendant la Première Guerre mondiale, un
groupe de prisonniers français tente de s'échapper en creusant un tunnel.
Les relations d'amitié qui s'établissent entre le capitaine de Boïeldieu
(Pierre Fresnay) et le commandant von Rauffenstein (Erich von Stroheim)
illustrent le poids encore vivace des classes sociales; pourtant, le
patriotisme et la solidarité nationale finiront par l'emporter, et
Boïeldieu se sacrifiera pour ses soldats. Habitué à jouer les officiers
prussiens, Erich von Stroheim trouva dans ce personnage d'aristocrate
désabusé mais d'une grande loyauté l'un de ses plus beaux rôles.

Gloria Swanson, comédienne et productrice, lui permet ensuite de
commencer la Reine Kelly (Queen Kelly, 1928), mais une réalisation trop
audacieuse fait interrompre le tournage. Le film est finalement remonté
dans une version que son auteur désapprouve. En 1932, Erich von Stroheim
commence le tournage de Walking Down Broadway, mais les producteurs le
renvoient une nouvelle fois pour confier la réalisation du film à Alfred
Werker. Bien que mutilée, trahie et transformée par les studios, son
oeuvre est pourtant l’une des plus intelligentes que le cinéma ait pu
donner. Emplie d'images baroques et poétiques, lyriques et érotiques, elle
montre un regard sans concession sur la condition humaine et témoigne d'un
style puissant, sophistiqué, barbare et lumineux.

Cet auteur maudit du cinéma américain est également un comédien à la
carrière prestigieuse. Il est apparu dans plus de soixante films, en
France, en Allemagne et aux États-Unis. Parmi ses meilleurs rôles, il faut
citer son personnage de réalisateur hystérique dans Quatre de l'aviation
(The Lost Squadron, 1932) de George Archainbaud, sa prestation à côté de
Greta Garbo dans Comme tu me veux (As You Desire Me, 1933) de George
Fitzmaurice, ses belles compositions dans la Grande Illusion (1937) de Jean Renoir, les Disparus de
Saint-Agil (1938) de Christian-Jaque, Menaces (1939)
d’Edmond T. Gréville et Pièges (1939) de Robert Siodmak, son étonnant
maréchal Rommel dans les Cinq Secrets du désert (Five Graves to Cairo,
1943) de Billy Wilder et sa composition de
metteur en scène déchu au côté de Gloria Swanson dans Boulevard du
crépuscule (Sunset Boulevard, 1950) également de Billy Wilder. Il est aussi le
scénariste de la Poupée du diable (Devil Doll, 1936) réalisé par Tod Browning et l'auteur de
plusieurs romans dont Paprika, Poto-Poto, les Feux de la Saint-Jean.

Sturges, John

John Sturges
(1911-1992)
Réalisateur de
cinéma américain

Afin de mettre un terme aux sinistres
agissements d'une bande de gangsters menée par Ike Clanton (Lee Van
Cleef), le shérif Wyatt Earp (Burt Lancaster) fait appel à son ami Doc
Holliday (Kirk Douglas), un joueur de poker professionnel. Librement
adapté de la Poursuite infernale (My Darling Clementine, 1946) de John Ford, le film de John
Sturges est l'un des classiques du western. Lawrence Kasdan en signa un
remake décevant avec Kevin Costner, Wyatt Earp, en 1994.

Règlement de comptes à OK Corral
(Gunfight at the OK Corral, 1957) de John Sturges.

Installé à Hollywood, il travaille tout d’abord comme monteur à la RKO,
puis aborde la réalisation en compagnie de William Wyler pour le
documentaire Thunderbolt (1945). Quelques westerns (dont The Man Who
Dared, 1946) lui permettent d’affirmer son talent de réalisateur de films
d’action. Les moyens financiers qui lui sont dès lors accordés lui
permettent de se lancer dans des projets plus ambitieux. Ses meilleurs
films, réalisés dans les années cinquante et au début des années soixante,
comptent nombre de westerns remarquables. Dans Un homme est passé (Bad Day
at Black Rock, 1955), Spencer Tracy, remarquablement dirigé, joue un
manchot, visiteur importun d’une petite ville poussiéreuse, en plein
désert d’Arizona, dont les habitants sont responsables du meurtre d’un
Japonais (jouent également dans ce film Ernest Borgnine, Walter Brennan,
Lee Marvin et Robert Ryan). Drame de la xénophobie et du secret, le film
est un chef-d’oeuvre de suspense et de violence savamment contrôlés. Il
est suivi d’un autre western, Règlement de comptes à OK Corral (Gunfight
at the OK Corral, 1957), dans lequel jouent Burt Lancaster et Kirk
Douglas. Les Sept Mercenaires (The Magnificent Seven, 1960) est une
version western du classique japonais les Sept Samouraïs (Shichinin no
Samurai, 1954), avec notamment Yul Brynner, Steve McQueen, Charles
Bronson, James Coburn. La Grande Évasion (The Great Escape, 1963) et ses
trois heures d’épopée au cours desquelles un groupe de prisonniers alliés
s’échappe d’un camp nazi, marquent l’apogée de Sturges. Les films suivants
sont moins brillants. Zébra, station polaire (Ice Station Zebra, 1968)
campe la guerre froide au pôle Nord; et l’Aigle s’est envolé (The Eagle
has Landed, 1976), film d’espionnage, regroupe beaucoup de vedettes
(Michael Caine, Donald Sutherland, Robert Duvall) pour un résultat
décevant. Sturges laissera surtout le souvenir de ses premiers
westerns.

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