L

Lahlou (Latif)

Latif Lahlou
(1939- )
Cinéaste
marocain

Né le 3 Avril 1939 à El Jadida (ex-Mazagan).
Après une formation cinématographique à l'IDHEC (Paris) en 1959, il a fait
des études de sociologie en Sorbonne. De 1960 à 1965, il a réalisé des
recherches sociologiques, des enquêtes et des publications sur les média
dans les campagnes marocaines. Il présentait un programme d'émissions
dramatiques à la télévision marocaine en 1965. Monteur sur des courts
métrages, puis réalisateur, il s'est depuis 1970 orienté vers le secteur
publicitaire. Producteur, il a participé au financement de "La guerre du pétrole n'aura pas
lieu" de Souheil Benbarka. En 1984, il est
fut désigné directeur du 2ème Festival National du Film de Casablanca. Il
est actuellement directeur d'une agence de publicité, Cinétéléma, à
Casablanca.

Filmographie

1966 : Forage, court métrage;

1967 : Sin Agafaye, court métrage;

1968 : Du côté de la Tassaout, court métrage;

1969 : Soleil du printemps, long
métrage;

1987 : La Compromission, long métrage.

Lahlou (Nabyl)

Nabyl Lahlou
Cinéaste marocain

Nabyl Lahlou débute dans le théâtre, en tant
que comédien et metteur en scène. Cette expérience laisse des traces
indélébiles dans ses oeuvres cinématographiques. Il occupe une place
privilégiée dans le cinéma marocain par le nombre de films qu'il a
réalisé. Il peut, en effet, malgré des conditions financières difficiles,
continuer son aventure cinématographique, laquelle il l'a imprégné par son
propre cachet théâtral.

Filmographie

1981 : Brahim Yach

1980 : Le gouverneur de l'île de
Chakerbakerben

1979 : Al Kanfoudi

1984 : L'âme qui brait

1986 : Komany

Lakhdar-Hamina, Mohamed

Mohamed Lakhdar-Hamina
(1934- )
Cinéaste
algérien

Diplômé de l'école de cinéma de Prague,
lauréat de la Palme d'or à Cannes en 1975, et dont les principaux films
traitent de l'histoire de son pays. Réalisateur de courts-métrages et
opérateur d'actualités en Tunisie, il devint directeur des actualités
algériennes en 1963. Si son premier long-métrage le Vent des Aurès (1966)
évoquait la répression pendant la guerre en Kabylie, Hassan Terro (1967)
reprenait le thème de la lutte de libération sous l'angle de la comédie.
Après Décembre (1972), il réalisa un film de prestige Chronique des années
de braise (1975) couronné à Cannes, mais contesté en Algérie à cause de
son coût excessif. Après quelques années de silence, il put tourner Vent
de sable, en 1982, puis la Dernière Image en 1985.

Lang, Fritz

Fritz Lang
(1890-1976)
Cinéaste allemand
d’origine autrichienne, naturalisé américain en 1935

Né à Vienne (Autriche), Fritz Lang est le
fils d'un célèbre architecte viennois. Il suit des cours d'architecture et
de peinture à Munich avant de partir voyager en Extrême-Orient. À son
retour en Europe, il part pour la Belgique où il découvre le cinéma, puis
pour Paris où il gagne difficilement sa vie comme artiste peintre.
Contraint de quitter la France au moment de la déclaration de guerre de
1914, il est incorporé dans l'armée autrichienne et hospitalisé à Vienne
après avoir été blessé sur le front italien. Il rencontre alors les
cinéastes Joe May et Otto Rippert auxquels il propose des scénarios, mais
c'est le producteur Erich Pommer qui le fait entrer dans la compagnie de
production allemande Decla-Bioscop, puis à la UFA (Universum Film AG) qui
lui permet de réaliser ses premiers films.

Metropolis (1926) de Fritz
Lang

Le film est né d'une rencontre avec l'architecture de la ville de New
York. Fritz Lang a perçu les gratte-ciel comme « un opulent fond de scène
suspendu à un ciel sombre». C'est en véritable architecte (la première
formation du cinéaste) qu'il met en scène la ville du futur, monstrueuse
et crachant continuellement la fumée. La mégalopole juxtapose sans aucun
contact un peuple esclave, exploité par le travail, et une élite
privilégiée, logée dans les sommets. Quand la révolte menace, le chef de
la cité demande à Rotwang (Rudolf Klein-Rogge, l'interprète favori de
l'oeuvre muette de Fritz Lang) de créer une créature androïde, travailleur
infatigable et docile. Dans le dessein de manipuler les travailleurs,
l'ingénieur exécute un automate parfait à l'image de Maria, jeune
idéaliste qui apaise les masses au nom de la résignation.

Période muette

Après deux mélodrames, le Métis (Halbblut, 1919) et le Maître de
l'amour (Der Herr der Liebe, 1919), Fritz lang réalise Harakiri (1919),
d'après Madame Butterfly. La même année, il signe son premier succès, les
Araignées (Die Spinnen, 1919-1920), un feuilleton d'aventures en deux
parties qui annonce son style à venir : un langage esthétique fondé sur un
jeu de prises de vues créant à l'arrière-plan de l'action des motifs
géométriques qui ne sont pas sans rappeler certaines peintures abstraites
de cette époque, un jeu permanent sur le montage des plans en cadence et
un travail sur les éclairages qui offrent des contrastes saisissants. En
1920, il tourne Das Wandernde Bild et Vier um die Frau ou Kampfenden
Herzen, avant de s'imposer à la critique avec les Trois Lumières (Der müde
Tod, 1921), qu'il écrit avec sa femme, Thea von Harbou.

Lang, M le
Maudit
Contrairement à ce qui a été souvent dit, M le Maudit (M —
Mörder unter uns, 1931) ne s'inspire pas précisément de l'affaire Kürten
(le «vampire de Düsseldorf»). Le scénario de Fritz Lang et de son épouse
Thea von Harbour, spécialiste du feuilleton populaire, se réfère aux
meurtres en série caractéristiques de cette époque troublée de l'histoire
allemande. Ce sont le « drame du destin» (Schicksaldrama) et le thème du
Bien et du Mal qui intéressent le cinéaste, auteur d'une réflexion
fascinante sur les procédures de jugement : une des scènes les plus fortes
du film est en effet le procès du meurtrier, qu'interprète Peter Lorre,
par un tribunal constitué par la pègre organisée, dans laquelle certains
ont voulu voir une parabole du mouvement nazi.

Devenu un des plus importants cinéastes du pays, il signe une fresque
de mystère et d'aventures qui a pour décor la décadente République de
Weimar, le Docteur Mabuse (Doktor Mabuse der Spieler, 1922), puis réalise
un diptyque sur les grandes légendes germaniques, les Nibelungen (Die
Nibelungen, 1924) et tourne ensuite un film de science-fiction humaniste,
Metropolis (1926), qui est le film le plus coûteux de toute l'histoire du
cinéma muet allemand. Il travaille uniquement avec Thea von Harbou et
revient au film de mystère et d'espionnage avec les Espions (Spione,
1928), dont l'esthétique est très volontairement abstraite, puis explore à
nouveau la science-fiction avec la Femme sur la Lune (Die Frau im Mond,
1929).

Problèmes en Europe

Son premier film parlant M le Maudit (M, 1931) décrit le calvaire d'un
tueur d'enfants pourchassé à la fois par la police et la pègre. Les
inventions sonores et graphiques y sont intenses et le film laisse
paraître une vision très réaliste de la situation contemporaine allemande.
Inquiet de la montée du nazisme, il tourne une nouvelle aventure de
Mabuse, le Testament du docteur Mabuse (Das Testament des Doktor Mabuse,
1933) et y attaque indirectement les nazis, dont il sait que son épouse
Thea a embrassé la cause. Cependant, quand Adolf Hitler arrive au pouvoir,
Joseph Goebbels lui propose de devenir le directeur du cinéma allemand.
Pour toute réponse, il quitte tout et s'exile à Paris, où il réalise
Liliom (1934), avant de gagner les États-Unis.

Période américaine

À Hollywood, Fritz Lang réalise d'abord une trilogie réaliste et
sociale, Furie (Fury, 1936), un pamphlet sur le lynchage et la volonté de
puissance, J'ai le droit de vivre (You Live Only Once, 1937), une tragédie
sur un couple pourchassé par la police et Casier judiciaire (You and Me,
1939), une fantaisie sur l'inutilité du vol, pour laquelle Kurt Weill
écrit une musique. Le producteur Darryl Francis Zanuck lui permet alors de
tourner deux westerns où il intègre son thème favori, la vengeance. Il
tourne ainsi le Retour de Frank James (The Return of Frank James, 1940) et
les Pionniers de la Western Union (Western Union, 1941). Il enchaîne
ensuite plusieurs oeuvres combattant le nazisme comme Chasse à l'homme
(Man Hunt, 1941), les Bourreaux meurent aussi (Hangmen Also Die, 1943),
écrit avec Bertolt Brecht, Espions sur la Tamise (Ministery of Fear, 1944)
et Cape et poignard (Cloak and Dagger, 1945).

Lang, les Contrebandiers de
Moonfleet
Les Contrebandiers de Moonfleet, ou l'art de Lang à son
apogée dans un film d'aventures d'une beauté égale aux plus beaux récits
de Stevenson.

Fritz Lang aborde également la psychanalyse dans des films noirs
teintés d'onirisme, tels la Femme au portrait (The Woman In The Window,
1944), la Rue rouge (Scarlet Street, 1945), qui est un remake de la
Chienne de Jean Renoir, le Secret derrière
la porte (The Secret beyond the Door, 1948) et House by the River (1950).
À l'exception d'un film de guerre, Guérillas (Americain Guerrilla in
Philippines, 1950), d'un western romantique avec Marlene Dietrich, l'Ange
des maudits (Rancho Notorious, 1952) et d'un chef-d'oeuvre du film
d'aventures, les Contrebandiers de Moonfleet (Moonfleet, 1954), il tourne
surtout des mélodrames, des films à suspense et des films noirs, le Démon
s'éveille la nuit (Clash By Night, 1952), la Femme au gardénia (The Blue
Gardenia, 1953), Règlement de comptes (The Big Heat, 1953), Désirs humains
(Human Desire, 1954), d'après la Bête humaine d’Émile Zola, la Cinquième
Victime (While The City Sleeps, 1956) et l'Invraisemblable Vérité (Beyond
a Reasonable Doubt, 1956).

Retour en Allemagne

À la fin des années cinquante, Fritz Lang revient en Allemagne pour
signer un superbe film d'aventures exotiques en deux parties, le Tigre du
Bengale (Der Tiger von Eschnapur, 1959) et le Tombeau hindou (Das indische
Grabmal, 1959), puis ressuscite une dernière fois Mabuse pour signer un
film sévère, haletant et contestataire sur l'Allemagne contemporaine, le
Diabolique docteur Mabuse (Die Tausend Augen von Doktor Mabuse, 1960). En
1963, il joue également son propre rôle dans le Mépris (1963) de Jean-Luc Godard. Toute l’oeuvre
de Lang analyse le désir de vengeance, la volonté de puissance, la lutte
de l'éthique contre le mal et la fascination pour le vice. Il représente
la conscience du cinéma moderne.

Fritz Lang pendant le tournage de
Metropolis (1926). On le voit ici diriger la révolte des esclaves parqués
dans les souterrains de la ville

De l’expressionnisme allemand (Les Trois Lumières) au romantisme
anglais (Moonfleet), quelque genre qu’il abordât Fritz Lang a atteint un
sommet. Sa carrière (plus de quarante années et presque cinquante films)
est jalonnée de chefs-d’oeuvre qui sont en même temps devenus ceux de
l’histoire du cinéma : M le Maudit, Le Docteur Mabuse, Furie, J’ai le
droit de vivre. Ses films, a priori disparates mais en réalité tous
marqués d’un style authentique, ont contribué à l’étude du cinéma en tant
qu’art et son influence a été telle sur les réalisateurs - ceux de la
Nouvelle Vague française notamment - comme sur les critiques que François Truffaut pouvait écrire
: «Chaque plan du style de Lang, chaque mouvement d’appareil, chaque
cadrage, chaque déplacement d’acteur, chaque geste a quelque chose de
décisif.»

Allemagne, 1890-1933 : la jeunesse

Fritz Lang est né à Vienne, en Autriche, le 5 décembre 1890. Il fait
des études d’architecture, de peinture, parcourt le monde. Après la guerre
de 1914-1918 - il fut lieutenant dans l’armée autrichienne -, il débute
dans l’industrie cinématographique, étant tour à tour acteur, scénariste
et assistant réalisateur. Grâce à Erich Pommer, grand patron éclairé de la
Decla-Bioscop, Lang commence sa carrière de metteur en scène en 1919. Tous
les thèmes chers à l’esprit germanique : la mort, les puissances occultes,
le destin, la volonté de puissance, la vengeance vont imprégner ses films.
N’ayant pu réaliser Le Cabinet du docteur Caligari, Lang donnera au cinéma
expressionniste l’un de ses chefs-d’oeuvre, Les Trois Lumières, dans
lequel la débauche géométrique des décors, l’audace des motifs en spirale
correspondent, comme dans Les Nibelungen et Metropolis, à l’apothéose
artistique (picturale et musicale) de l’Allemagne d’alors. Avec Le Docteur
Mabuse, c’est tout le climat du pré-nazisme qui apparaît. Le désir de la
toute-puissance, le danger des sociétés secrètes parallèles, l’existence
d’organisations criminelles (Les Araignées, Les Espions) furent autant
d’éléments qui inquiétèrent, non sans raison, les membres du parti nazi.
La morale de M le Maudit (des criminels qui veulent se faire passer pour
des justiciers, la police étant incapable d’arrêter un tueur d’enfants)
rappelait par trop la faiblesse de la république de Weimar pour n’être
qu’une coïncidence... Le succès du Docteur Mabuse fit faire à Lang Le
Testament du docteur Mabuse, dans lequel la parabole politique était plus
que manifeste, puisque le héros, devenu la chose de Mabuse prisonnier,
accomplissait les volontés de ce maître criminel. La référence à Mein
Kampf, écrit en prison par Hitler, était tellement claire que le film fut
interdit par Goebbels et que Lang, à qui ce dernier avait proposé le poste
de réalisateur officiel du parti nazi, quitta l’Allemagne en 1933.

Amérique, 1934-1957 : la maturité

La carrière américaine de Lang fut plus disparate mais tout aussi riche
que sa période allemande. Aussi germanique qu’il était en Allemagne, il
fut américain aux États-Unis, et cette apparente rupture ne fut en réalité
que le fruit d’une évolution intérieure. Allant d’une compagnie à une
autre, Lang devient plus éclectique - c’est-à-dire plus universel - que
jamais. Il attaque le lynchage (Furie) et l’intolérance sociale (J’ai le
droit de vivre). Hitler et sa clique sont la cible de plusieurs de ses
films (Le Ministère de la Peur, Cape et poignard, Chasse à l’homme et
surtout Les bourreaux meurent aussi, consacré à l’assassinat d’Heydrich,
et pour lequel Lang fit appel à Bertolt Brecht). Il adapte des classiques
de la littérature française : La Bête humaine de Zola (Désirs humains) et
La Chienne de Georges de La Fouchardière (La Rue rouge), étrangement
transposés aux États-Unis.

Du cinéma américain, il prend les deux genres les plus dramatiques : le
western et le film policier, y retrouvant ses vieux thèmes de la
vengeance, de la corruption, de la soif de puissance et de la justice. Ce
sont Le Retour de Frank James, équivalent américain de la légende des
Nibelungen, L’Ange des Maudits, Les Pionniers de la Western Union,
Règlement de comptes, La Cinquième Victime, L’Invraisemblable Vérité. Au
milieu de cette carrière apparaissent des films rares, flamboyants
chefs-d’oeuvre comme Les Contrebandiers de Moonfleet et House by the River
qui sont à la fois un temps de réflexion et la preuve éclatante d’une
perfection stylistique.

Allemagne : la sérénité

En 1958, Lang retourne en Allemagne pour y réaliser les dernières
oeuvres de sa carrière : un film en deux parties, Le Tigre du Bengale et
Le Tombeau hindou, et Le Diabolique Docteur Mabuse, oeuvres pour
lesquelles il retrouve toute sa jeunesse germanique. Le Tigre du Bengale
et Le Tombeau hindou, à mi-chemin entre le conte de fées et le serial,
sont une véritable méditation, celle d’un sage, alors âgé de soixante-huit
ans, qui apporte à tout un genre, celui du film d’aventures, la sérénité
du philosophe. Le Diabolique Docteur Mabuse, le plus beau film allemand de
l’après-guerre, renoue avec les pouvoirs occultes et la volonté de
puissance, dénonçant une ultime fois le despotisme du surhomme. Le cercle
se referme. Ce retour de Lang en Allemagne est tout à la fois le retour
aux sources de son oeuvre et l’achèvement de toute une carrière.
L’adolescent des Araignées (1919) et le vieil homme du Tigre du Bengale
(1959) se sont retrouvés. À la permanence de ses thèmes, Lang ajoute un
style, plus pur que jamais, dépouillé jusqu’à l’épure.

En écrivant : «La solitude morale, l’homme menant seul une lutte contre
un univers mi-hostile, mi-indifférent, tel est le thème favori de Lang»,
François Truffaut trouve très
exactement la définition de l’art telle que la donne Fritz Lang : «Une
chose est sûre. L’art doit être critique; c’est sa force et sa raison.
Cette critique doit être une critique sociale, mais pas uniquement. Il y a
dans ce monde beaucoup de choses qui doivent être critiquées. On ne peut
pas proposer de solution, mais il faut toujours lutter pour désigner le
mal. Ainsi mes films policiers américains sont d’abord une critique
dirigée contre la corruption. Il arrive également qu’un créateur découvre
en lui-même des choses qu’il n’aime pas, et il doit critiquer ces
choses.»

Fritz Lang, réalisateur autrichien
naturalisé américain

Lang, Trois Lumières à propos du docteur Mabuse, par
Fritz Lang (extrait)

Dans Trois Lumières, un recueil de souvenirs, Fritz Lang raconte la
genèse du Docteur Mabuse, personnage emblématique des troubles et des
angoisses qui ont miné, jusqu’à l’effondrement, la République de Weimar.
Ce bref extrait nous permet d’apprécier le profond ancrage du cinéma de
Lang dans la réalité politique et sociale de son temps.

Le Testament du Dr Mabuse fut réalisé entre
la fin de 1932 et le début de 1933. C'était le troisième film d'une
série consacrée au personnage du Dr Mabuse. Les deux premiers, Mabuse le
Joueur et Inferno, étaient adaptés du roman de Norbert Jacques et furent
réalisés en 1922. Le scénario était dû à Thea von Harbou et à moi-même.
La toile de fond de ces films était le présent d'alors, les années qui
suivirent immédiatement la Première Guerre mondiale. Les hommes de cette
époque se trouvaient pour la première fois devoir affronter une
situation qui leur était inconnue : l'inflation. Ce fut une période
d'incertitude, d'hystérie et de corruption effrénées.

Je m'inspirai, consciemment, d'épisodes
réellement survenus en Allemagne et ailleurs. Par exemple, à la fin du
second film, le Dr Mabuse se barricade chez lui avec ses hommes et se
défend par les armes contre la police et les troupes régulières. Cet
épisode avait pour point de départ le célèbre fait divers de Fort
Chabrol, où un bandit-automobiliste s'opposa par la force à l'irruption
dans sa tanière de la police française. Au début du film je montrais,
par des images rapides, des combats de rue et des barricades, analogues
à celles qui surgirent dans une Allemagne qui avait perdu la guerre ;
une brève scène, le meurtre d'un ministre, s'inspirait de l'assassinat
de Rathenau. Je crois me rappeler aussi qu'un metteur en scène de mes
amis m'envoya d'Amérique un livre sur Al Capone. Probablement cela m'a
aussi un peu influencé.

Sur cet arrière-plan j'ai cherché à inscrire
le supercriminel, l'homme qui prépare ses méfaits quasi scientifiquement
avant de les exécuter en personne, ou de les faire exécuter par
d'autres, avec une précision mathématique. Il contrôle les membres de
son organisation au moyen de la terreur. Une rébellion à ses ordres
signifie la mort sûre. Le Dr Mabuse qui dit de lui-même : « Je suis la
loi» est le criminel parfait, le grand montreur de marionnettes, celui
qui organise dans les coulisses le crime parfait. Il est en lutte
ouverte contre les institutions sociales existantes, il est le grand
joueur qui joue en bourse avec l'argent, avec l'amour et avec le destin
des hommes, mais qui dans ses crimes ne laisse rien au hasard. Son arme
favorite est l'hypnose. (Si je me souviens bien, dans Dr Mabuse nous
montrions pour la première fois l'hypnose à l'écran, et il fallut
surmonter de grandes difficultés de censure, car à cette époque il était
interdit de montrer l'hypnose dans un film.) La conception du monde de
Mabuse conduit ce criminel fou de grandeur directement à la
folie.

Source : Lang (Fritz), Trois Lumières,
textes réunis et présentés par Alfred Eibel, éditions Flammarion, coll. «
Cinémas», Paris, 1988.

Les principaux films de Fritz
Lang

1922

Le Docteur
Mabuse

Dr. Mabuse der
Spieler

1924

Les
Nibelungen

Die
Nibelungen

1926

Metropolis

Metropolis

1928

Les
Espions

Spione

1929

La Femme sur la
Lune

Die Frau im
Mond

1931

M le
Maudit

M

1933

Le Testament du
docteur Mabuse

Das Testament
des Dr. Mabuse

1934

Liliom

Liliom

1936

Furie

Fury

1937

J'ai le droit
de vivre

You Only Live
Once

1939

Casier
judiciaire

You and
Me

1940

Le Retour de
Frank James

The Return of
Frank James

1941

Les Pionniers
de la Western Union

Western
Union

1941

Chasse à
l'homme

Man
Hunt

1943

Les bourreaux
meurent aussi

Hangmen Also
Die

1944

Espions sur la
Tamise

Ministry of
Fear

1944

La Femme au
portrait

The Woman in
the Window

1945

La Rue
rouge

Scarlet
Street

1945

Cape et
Poignard

Cloak and
Dagger

1948

Le Secret
derrière la porte

The Secret
Beyond the Door

1950

House by the
River

House by the
River

1950

Guérillas

American
Guerrilla in the Philippines

1952

L'Ange des
Maudits

Rancho
Notorious

1952

Le démon
s'éveille la nuit

Clash by
Night

1953

La Femme au
gardénia

The Blue
Gardenia

1953

Règlements de
comptes

The Big
Heat

1954

Désirs
humains

Human
Desire

1954

Les
Contrebandiers de Moonfleet

Moonfleet

1956

La Cinquième
Victime

While the City
Sleeps

1956

L'Invraisemblable Vérité

Beyond a
Reasonable Doubt

1959

Le Tigre du
Bengale

Der Tiger von
Eschnapur

1959

Le Tombeau
hindou

Das indische
Grabmal

1960

Le Diabolique
Dr Mabuse

Die tausend
Augen von Dr Mabuse

Langdon, Harry

Harry Langdon
(1884-1944)
Acteur,
scénariste et réalisateur américain

Né à Council Bluffs (Iowa), Harry Langdon
débute à douze ans au cirque et au music-hall, travaille dans les
minstrel's show et les théâtres de vaudeville, puis intègre à trente ans
la troupe cinématographique de Mack Sennett avec Picking Peaches
(1924) de Erle Kenton. Il développe en une vingtaine de courts métrages un
extraordinaire personnage poétique et burlesque, jouant de l'ahurissement
et de la naïveté avec une pointe de perversité.

Devenu une vedette, il est engagé par Frank Capra pour Plein les bottes
(Tram Tramp Tramp, 1926), l'Athlète incomplet (The Strong Man, 1926) et Sa
première culotte (Long Pants, 1927) qui connaissent un énorme succès
public.

Au sommet de la gloire, il crée alors sa propre compagnie de production
et se met lui-même en scène dans Papa d'un jour (Three's A Crowd, 1927),
The Chaser (1927) et Heart Trouble (1927).

L'échec de ces films et l'arrivée du parlant lui font perdre son aura,
mais il apparaît encore dans quelques rôles plus ou moins importants,
notamment dans A Soldier Plays Things (1930) de Michael Curtiz, Hallelujah I'm A Bum (1933) de Lewis
Milestone, His Bridal Sweet (1935) d’Edmund Goulding, Zenobia (1938) de
Gordon Douglas, Double Trouble (1941) de William West et Block Busters
(1944) de Wallace Fox.

Comme scénariste, il a collaboré avec Laurel et Hardy pour Têtes de
pioche (Blockheads, 1938) de John G. Blystone, Laurel et Hardy conscrits
(The Flying Deuces, 1939) d’Edward Sutherland, les As d'Oxford (A Chump At
Oxford, 1940) d’Alfred Goulding et Laurel et Hardy en croisière (Saps at
Sea, 1940) de Gordon Douglas.

Tombés dans l'oubli après sa mort, ses films ont été redécouverts dans
les années soixante. Il est aujourd’hui considéré comme l'un des plus
grands créateurs comiques du cinéma muet.

Lattuada, Alberto

Alberto Lattuada
(1914-)
Cinéaste
italien

Eclectique, il s’est fait connaître par ses
mélodrames avant de rencontrer des difficultés avec la censure pour ses
préoccupations érotiques et politiques.

Alberto Lattuada est né à Milan. Le Bandit (il Bandito, 1946), son
troisième film, a été sa contribution la plus décisive au néoréalisme
naissant. Son goût pour le mélodrame s’affirme dans des chroniques parfois
satiriques : les Feux du music-hall (Luci del varietà, 1951), Anna (1953),
la Pensionnaire (la Spiaggia, 1954). Il a réalisé, également, de
soigneuses adaptations littéraires dont le Manteau (il Cappotto, 1952), la
Tempête (la Tempesta, 1958), Coeur de chien (Cuore di cane, 1976). Après
une série de films dont les héroïnes sont des adolescentes, il a tourné un
chef-d'oeuvre d'humour noir : Venez donc prendre le café chez nous (Venga
a prendere il caffè da noi, 1970).

Laughton, Charles

Charles Laughton
(1899-1962)
Cinéaste et
acteur américain d’origine anglaise

Né à Scarborough, il fit ses études à la
Royal Academy of Dramatic Art (Académie d’art dramatique) et fut l’un des
acteurs les plus populaires de son époque. Laughton débuta sur une scène
londonienne en 1926, dans le Revizor, de Nicolas Gogol. Laughton s’imposa
rapidement comme acteur de cinéma et, en 1933, il remporta un oscar pour
son rôle dans la Vie privée d’Henri VIII (The Private Life of Henry VIII),
d’Alexander Korda. Hollywood le mit
sur le devant de la scène et, pendant presque trente ans, il joua sans
interruption : Miss Barrett (The Barretts of Wimpole Street, 1934) de S.
Franklin, l’Extravagant Mr. Ruggles (Ruggles of Red Gap, 1935) de Leo Mc
Carey, les Révoltés du Bounty (Mutiny on the Bounty, 1935) de Frank Lloyd,
les Misérables (1935) de Richard Boleslawski, Rembrandt (1936) d’Alexander Korda, Quasimodo (The
Hunchback of Notre Dame, 1939) de William Dieterle, Ève a commencé (It
Started with Eve, 1941) de Henry Koster, le Procès Paradine (The Paradine
Case, 1948) d’Alfred Hitchcock, Chaussure à son
pied (Hobson’s Choice, 1954) de David Lean, Témoin à charge
(Witness for the Prosecution, 1957) de Billy Wilder et Tempête à
Washington (Advise and Consent, 1962) d’Otto Preminger. Parallèlement,
Laughton mena une carrière théâtrale. Il se produisit pour la première
fois sur une scène new-yorkaise en 1931 dans Payment Deferred (Paiement
différé). Il joua aussi dans les pièces Galileo (1947), The Cherry Orchard
(la Cerisaie, 1950), Don Juan aux enfers (Don Juan in Hell, 1951), Major
Barbara (1956), et le Roi Lear (King Lear, 1959). À cinquante-six ans, il
passa à la mise en scène et réalisa un film poétique, mystérieux, qui
deviendra mythique, la Nuit du chasseur (1955). Il fut naturalisé
américain en 1950.

Lautner, Georges

Georges Lautner
(1926-)
Cinéaste français
qui renouvela le cinéma comique des années 1960 en mêlant les schémas
policiers, l’humour noir et la parodie

Fils de l’actrice Renée Saint-Cyr, Georges
Lautner est né à Nice. Il réalisa son premier long-métrage, la Môme aux
boutons, en 1959. C’est toutefois son quatrième film, le Monocle noir
(1961), avec un Paul Meurisse inoubliable dans le rôle principal, qui lui
a assuré sa double réputation d’expert en film d’action et en comédie; il
en réalisa deux suites, plus orientées vers la parodie : l’Œil du monocle
(1962) et Le monocle rit jaune (1964). Adapté d’un roman d’Albert Simonin
et dialogué par Michel Audiard, les Tontons
flingueurs (1963) remporta un immense succès populaire dans les salles
puis à la télévision et permit à Lino Ventura de s’essayer au film
comique.

Georges Lautner a réalisé de nombreux films organisés autour des
vedettes du moment, comme Mireille Darc, qu’il avait lui-même révélée dès
1965 dans les Barbouzes (sept films en dix ans, dont la Grande Sauterelle
en 1967), Jean Lefèbvre (Quelques messieurs trop tranquilles, 1972; Ils
sont fous ces sorciers, 1974) ou Michel Constantin (Ne nous fâchons pas,
1965; Laisse aller, c’est une valse, 1971; la Valise, 1973). Il réalisa
également de nombreux films en collaboration avec des acteurs-producteurs
comme Alain Delon (Il était un fois un flic, 1972; les Seins de glace,
1974; Mort d’un pourri, 1977) ou Jean-Paul Belmondo (Flic ou Voyou, 1979;
le Guignolo, 1980; le Professionnel, 1981; Joyeuses Pâques, 1984;
l’Inconnu dans la maison, d’après Georges Simenon, 1992).

Cinéaste considéré comme un bon artisan, mais aussi trop souvent tenté
par les stéréotypes du cinéma le plus commercial, il semble avoir peu à
peu renoncé à ses ambitions personnelles, mais pas à l’efficacité dont il
a fait preuve dans la plupart de ses films.

Lauzier, Gérard

Gérard Lauzier
(1932- )
Dessinateur de
bandes dessinées et réalisateur français, auteur des célèbres Tranches de
vie.

Né à Marseille, Gérard Lauzier fait ses
débuts comme dessinateur humoristique dans la presse et dans la publicité.
En 1974, il rejoint le journal Pilote et livre, dès l’année suivante, ses
premières Tranches de vie, série de portraits cruels de ses contemporains
qui rencontre immédiatement un vif succès : philosophes
post-soixante-huitards et jolies filles libérées, jeunes cadres aux dents
longues et vieux libidineux, ses personnages, odieux et pathétiques, sont
croqués avec un humour féroce et souvent dérangeant.

Auteur de nombreux albums (Chroniques de l’île Grande, 1975; la Course
du rat, 1978; les Cadres, 1981), Gérard Lauzier écrit également le
scénario de la série Al Crane, western parodique illustré par Alexis
(1946-1977) et publié dans Pilote de 1976 à 1977. Après avoir collaboré à
l’adaptation cinématographique d'un de ses albums, Je vais craquer,
réalisée en 1980 par François Leterrier, il passe à la réalisation en 1982
avec T’empêches tout le monde de dormir!, qui est notamment suivi de P’tit
con (1984), la Tête dans le sac (1984), Mon père ce héros (1991) et du
Plus beau métier du monde (1996). Il n’abandonne cependant jamais la bande
dessinée, signant Souvenirs d’un jeune homme en 1982 et sa suite, Portrait
de l’artiste, en 1992.

Lean, sir David

David Lean
(1908-1991)
Cinéaste
britannique, célèbre pour ses grandes épopées lyriques

Né à Croydon (Grande-Bretagne), Lean fit ses
études à la Leighton Park School. D’abord assistant opérateur, il fut
également un monteur remarquable. Il passa à la réalisation grâce à Noël
Coward, avec qui il signa Ceux qui servent en mer (In Which We Serve) en
1942. Suivirent Heureux Mortels (This Happy Bread, 1944), L’esprit s’amuse
(Blithe Spirit, 1945) et Brève Rencontre (Brief Encounter, 1945), trois
longs métrages influencés par Coward. Les Grandes Espérances (Great
Expectations, 1946) et Oliver Twist (1948, d’après Charles Dickens) mais
aussi Chaussure à son pied (Hobson’s Choice, 1954), une comédie sur la
classe ouvrière, sont les plus grands films de sa période britannique.

Lean (Sir David), Brève
Rencontre
Celia Johnson et Trevor Howard dans Brève Rencontre
(Brief Encounter, 1945) de sir David Lean.

Lean partit pour Hollywood en 1955 où il réalisa des films ambitieux et
populaires, mais à l’académisme souvent convenu. Il tourna Vacances à
Venise (Summertime, 1955) avec Katharine Hepburn, puis le Pont de la
rivière Kwai (The Bridge on the River Kwai, 1957), pour lequel il remporta
un oscar. Cinq ans plus tard, un second oscar lui fut décerné pour
Lawrence d’Arabie (Lawrence of Arabia, 1962). Après Docteur Jivago (Doctor
Zhivago, 1965) et la Fille de Ryan (Ryan’s Daughter, 1970), Lean cessa de
travailler pendant quatorze ans. Il fit un retour remarqué avec la Route
des Indes (A Passage to India, 1984) et remporta la plus haute distinction
cinématographique américaine, le David W. Griffith Award. Lean fut
nommé commandeur de l’Empire britannique en 1953 et anobli en 1984.

Leconte, Patrice

Patrice Leconte
(1947-)
Cinéaste et
scénariste français

Né à Paris, Patrice Leconte se forme aux
arts graphiques et à la bande dessinée avant de réaliser entre 1968 et
1974 des courts métrages d’auteur à diffusion confidentielle. Cette
entreprise étant restée inaperçue, il lui tourne le dos pour adapter, sous
forme de comédie policière absurde et parodique, une bande dessinée de
Gotlib, Les vécés étaient fermés de l’intérieur (avec Jean Rochefort et
Coluche, 1975).

Sa carrière prend un tournant avec le succès commercial des aventures
cinématographiques de l’équipe du Splendid (Josiane Balasko, Gérard Jugnot,
Michel Blanc, Christian Clavier, Thierry Lhermitte), les Bronzés (1978) et
les Bronzés font du ski (1979). Patrice Leconte poursuit son itinéraire en
collaborant avec Michel Blanc pour une série de comédies : Viens chez moi,
j’habite chez une copine (1980), Ma femme s’appelle reviens (1981) ou
Circulez y’a rien à voir (1982), où l’humour se teinte de satire
sociale.

Le réalisateur change ensuite de registre avec un film d’action à grand
spectacle, les Spécialistes (1984), avec Gérard Lanvin et Bernard
Giraudeau, dont Une chance sur deux (1998), avec Jean-Paul Belmondo, Alain
Delon et Vanessa Paradis, apparaîtra treize ans plus tard comme une
relecture ironique. Mais c’est avec Tandem (1987) que Patrice Leconte
accède à un univers réellement personnel, en faisant un portrait sensible
et mélancolique d’une vedette radiophonique sur le déclin. Il y met au
point ce cocktail d’humour et de désespoir léger qu’illustre parfaitement
par ailleurs la prestation de Michel Blanc dans Monsieur Hire (1989), une
adaptation du roman de Georges Simenon. Suivent alors une série de films
qui font la part belle aux fantasmes de leurs personnages comme le Mari de
la coiffeuse (1990) ou le Parfum d’Yvonne (1995).

Ce cinéaste admirateur de Woody Allen semble désormais
vouloir se consacrer à des oeuvres comme Ridicule (1995), où le regard du
moraliste perce derrière les éclats de rire.

Lee, Spike

Spike Lee
(1957-)
Cinéaste
américain

Né à Atlanta. En 1982, son film de fin
d'études Joe's Bed-Stuy Barbershop : We Cut Heads remporta l'oscar de la
première oeuvre. Quelques années plus tard, en 1986, il tourna un film à
petit budget : Nola Darling n'en fait qu'à sa tête (She's Gotta Have It),
grâce auquel son talent fut reconnu dans tous les États-Unis. Ce film
était le premier d'une série où il dépeint librement la vie des
Afro-Américains : School Daze (1988), comédie musicale sur ses expériences
à l'université, Do the Right Thing (1989), traitant des relations raciales
dans un quartier de Brooklyn, Mo' Better Blues (1990), l'histoire un
groupe de musiciens noirs, Jungle Fever (1991), racontant une histoire
d'amour entre un homme noir et une femme blanche et Malcolm X (1992), film
de trois heures et demie, retraçant la vie du leader noir. Lee réalisa
également Crooklyn (1994), film coécrit avec ses frères et soeurs, qui
raconte un été dans la vie d'une famille afro-américaine de Brooklyn, au
début des années 1970. Spike Lee a créé sa propre société de production à
Brooklyn.

Spike Lee a imposé d'emblée un ton extrêmement original avec son
premier long métrage, Nola Darling n'en fait qu'à sa tête (1986),
chronique «jazzée» des amours d'une jeune Noire. En regard de l'histoire
des États-Unis, toute son oeuvre est une exploration des différentes
facettes de la communauté afro-américaine, aussi bien des maux qui la
rongent (drogue, violence, racisme, chômage) que de ses réalisations
politiques ou artistiques (Black Panthers, Black Muslims, jazz, rap, soul,
funk…). Parmi ses films les plus convaincants, il convient de citer Do the
Right Thing (1989), Clockers (1995) et Malcom X (1993).

Leigh, Mike

Mike Leigh
(1943-)
Cinéaste, acteur,
scénariste et metteur en scène britannique

Étudiant à l’Académie royale d’art dramatique
(RADA), Mike Leigh suivra également les cours de l’École d’art de
Camberwell et de l’École cinématographique de Londres. En 1967, il intègre
la Royal Shakespeare Company, avant de devenir producteur de théâtre à
Birmingham et un réalisateur de première importance à la BBC. Son premier
long-métrage, Bleak Moments (1971), s’inscrit dans la veine du réalisme
britannique (voir britannique, cinéma) et dépeint la vie quotidienne de
modestes gens vivant en autarcie.

Marianne Jean-Baptiste et Brenda
Blethyn dans Secrets et Mensonges (Secrets and Lies, 1996) de Mike
Leigh
Hortense (Marianne Jean-Baptiste), une jeune femme noire
cultivée et aisée, retrouve sa mère naturelle : Cynthia Purley (Brenda
Blethyn) est une femme blanche de condition modeste. Sur ce canevas
mélodramatique, Mike Leigh se livre une fois de plus à une cruelle et
pourtant émouvante observation des codes culturels de la classe moyenne.
Par-delà les petits «secrets» et autres «mensonges», la mère et la fille
parviendront à nouer de véritables relations d'amitié.

Mike Leigh est un observateur sardonique des inégalités de la société
britannique, célèbre outre-Manche pour ses pièces de théâtre et ses
téléfilms, nourri de tableaux au vitriol de la vie dans les milieux
défavorisés. Naked (1993) exprime ainsi à l’égard de l’Angleterre
contemporaine un dégoût qui n’a d’égal dans le cinéma britannique que
celui de Lindsay Anderson. Il réserve
toutefois le plus fort de sa critique à la bourgeoisie, dont il caricature
dans High Hopes (1988) le snobisme, le puritanisme sexuel et le manque de
discernement politique. Les acteurs de Mike Leigh oscillent entre un jeu
dirigé et l’improvisation, se réfugiant parfois dans un mutisme qui ne
laisse échapper que les expressions grotesques du visage. En l’absence
d’un scénario écrit, les acteurs se laissent guider par leur expérience et
leur intuition, comme c’est le cas dans Secrets et mensonges (Secret and
Lies, 1996; palme d’or au festival de Cannes).

Lelouch, Claude

Claude Lelouch
(1937- )
Cinéaste et
producteur français

Né à Paris, Claude Lelouch s’orienta très
jeune vers le cinéma, présentant ses premiers courts métrages dès 1960 à
la Maison des lettres (Vers une nouvelle technique), et fondant la même
année sa propre société de production, les Films 13. Après trois longs
métrages réalisés dans l’esprit de la Nouvelle Vague, il obtint avec Un
homme et une femme la palme d’or au festival de Cannes en 1966 et deux
oscars aux États-Unis. Désormais suivi par des admirateurs nombreux et
fidèles, il tourna quelques films linéaires (le Voyou, avec Jean-Louis
Trintignant, 1970 ; l’Aventure, c’est l’aventure, avec Lino Ventura et
Jacques Brel, 1972 ; Attention bandits, avec Jean Yanne, 1987) et, tenté
par le mélodrame, nombre de fictions sentimentales (la Bonne Année, 1973 ;
le Bon et les Méchants, 1976 ; Robert et Robert, 1978 ; Viva la vie, 1984
; Partir, revenir, 1985 ; Itinéraire d’un enfant gâté, 1988), offrant aux
comédiens qu’il aime et qui font partie de sa « famille» (Annie Girardot,
Jacques Villeret, Charles Denner, etc.) des rôles originaux et émouvants,
dans lesquels l’improvisation et la spontanéité semblent toujours avoir
une part importante. Spécialiste du film ambitieux, qui prétend brasser
les destins individuels et l’histoire tout entière (Toute une vie, 1974 ;
les Uns et les Autres, 1981 ; Édith et Marcel, 1983 ; la Belle Histoire,
1992), il fait constamment preuve d’une grande maîtrise technique. Son
adaptation des Misérables, tournée en 1995 avec Jean-Paul Belmondo, n’a
pas convaincu le public français, mais a connu une brillante carrière aux
États-Unis.

Leone, Sergio

Sergio Leone
(1929-1989)
Producteur et
réalisateur italien

Auteur d'une oeuvre ambitieuse qui fut sans
cesse tiraillée entre flamboyance et parodie, Sergio Leone s'affirma comme
le maître incontesté du « western spaghetti».

Né à Rome, fils du réalisateur Roberto Leone Roberti et de l'actrice
Bice Valerian, il devient en 1945 le plus jeune assistant réalisateur
d'Italie et travaille ainsi sur de nombreux films, dont le Voleur de
bicyclette (Ladri di biciclette, 1948) de Vittorio De Sica et Fabiola (1948) d’Alessandro Blasetti. Il collabore
aussi avec Luigi Comencini et travaille très
souvent sur des grosses productions américaines : Quo Vadis ? (1951) de
Mervyn LeRoy, Hélène de Troie (Helen of Troy, 1955) de Robert Wise et Raoul Walsh, Au risque de se
perdre (The Nun's Story, 1959) ou Ben Hur (1959) de William Wyler. Longtemps
assistant de Mario Bonnard (1889-1965), il réalise pour lui une partie des
Derniers Jours de Pompéi (gli Ultimi Giorni di Pompéi, 1960), puis signe
seul le Colosse de Rhodes (il Colosso di Rodi, 1961), un péplum barbare,
baroque et sophistiqué dont les évidentes qualités lui valent un très bon
accueil critique et public.

Leone, Il était une fois en
Amérique
Dans ce film-testament, Sergio Leone a mis toute sa
nostalgie, tout son amour du cinéma comme suprême théâtre d'ombres et
toute son insatiable fascination pour le visage des acteurs, ici Robert De
Niro dans le rôle du gangster Noodles.

Après avoir dirigé la seconde équipe de Sodome et Gomorrhe (Sodom and
Gomorrah, 1962) de Robert Aldrich, il patiente
jusqu'en 1964, date à laquelle il accepte de tourner un western en Espagne
: Pour une poignée de dollars (Per un pugno di dollari, 1964). Imposé en
Europe depuis plusieurs années, le western italien est à l'agonie, mais
Sergio Leone s'inspire du film de Kurosawa Akira, le Garde du corps
(Yojimbo, 1961), lui-même plagié du roman américain de Dashiell Hammett,
la Moisson rouge (Red Harvest, 1929), engage un acteur américain de
télévision, Clint Eastwood, lui donne un
comédien italien d'avant-garde pour partenaire, Gian Maria Volonté,
collabore pour la première fois avec Ennio Morricone et signe la
réalisation du pseudonyme Bob Robertson (Robert, le fils de Roberti) en
hommage à son père. Le succès du film est si important que le western
italien est rebaptisé western spaghetti et connaît une nouvelle vogue.
Avec Et pour quelques dollars de plus (Per qualche dollari in più, 1965),
il installe définitivement la mythologie de l'homme sans nom, interprété
par Clint Eastwood et transforme en
star européenne l’acteur de série B américain Lee Van Cleef. Puis, il
achève cette première trilogie avec le Bon, la Brute et le Truand (il
Buono, il Brutto, il Cattivo, 1966), une superproduction où il montre son
amour de la peinture surréaliste et fait jouer un grand comédien issu de
l'Actors Studio, Eli Wallach.

Les Américains l'invitent alors à réaliser un western pour eux. Il
tourne Il était une fois dans l'Ouest (C'era una volta il West, 1968),
avec Charles Bronson, Henry Fonda, Jason Robards et Claudia Cardinale.
C'est un opéra de sang, de violence, d'humour et de couleurs qui devient
vite un film culte. Son style très personnel s'y impose. Contraint ensuite
de tourner Il était une fois, la révolution (Giu la testa, 1971) qu'il
devait seulement produire, il en accentue volontairement la dimension
libertaire et pessimiste, tout en donnant des rôles magnifiques à Rod
Steiger et à James Coburn.

Leone, Pour une poignée de
dollars
Premier western et premier chef-d'oeuvre de Sergio Leone,
Pour une poignée de dollars fonde le genre du western-spaghetti avec sa
violence stylisée, ses personnages à deux dimensions, ses décors naturels
arides et son humour grinçant.

Après des années de silence, au cours desquelles il se consacre à la
production de films comme Mon nom est personne (Il mio nome è nessuno,
1973) de Tonino Valeri et Un génie, deux associés, une cloche (un Genio,
due compari, un pollo, 1975) de Damiano Damiani, Leone réalise enfin son
chef-d'oeuvre, Il était une fois en Amérique (Once upon a Time in America,
1983). Ce film de gangsters est aussi et surtout une longue méditation sur
la mémoire et sur l’héritage du cinéma américain de l’âge d’or. Sa
structure non cartésienne se déploie avec une majestueuse lenteur, comme
une série de visions nostalgiques tour à tour douces ou funèbres, où se
révèlent pleinement le talent de coloriste de Leone, son sens de la
tragédie, son intérêt profond pour les personnages et surtout sa
fascination pour le passé et le lointain, sa conception du cinéma comme
machine spatio-temporelle parfaite et définitive.

Alors qu'il prépare les Neuf Cent Journées de Léningrad, il succombe à
une attaque cérébrale.

Son influence sur le cinéma moderne est devenue vraiment immense. De
nombreux auteurs reconnaissent son influence : Quentin Tarantino, John Woo, Martin Scorsese… Sergio Leone est
un des très grands noms de l'histoire du cinéma.

Lepage, Robert

Robert Lepage
(1957-)
Cinéaste, auteur,
acteur et metteur en scène canadien

Né à Québec, il a seize ans lorsque se
dessine sa passion pour le théâtre; bien qu’il n’ait ni l’âge, ni le
diplôme requis, il est admis au Conservatoire d’art dramatique de Québec.
Après avoir obtenu son diplôme, en 1978, il se rend à Paris pour suivre un
stage auprès d’Alain Knapp. Rentré au Canada, il fonde le Théâtre Hummm;
son premier laboratoire de création collective. En 1982, il entre au
Théâtre Repère où il développe un travail qui sera repris et diffusé
largement dans le monde.

En 1985, Lepage jette les bases de la Trilogie des dragons, son oeuvre
la plus connue à ce jour. Cette création collective consacre le genre
«Lepage», avec ses nombreux collaborateurs qui participent tant à
l’écriture qu’à la mise en scène. Avec Lepage, les acteurs ne créent pas
uniquement leur personnage mais la pièce tout entière. À la Trilogie
succède Vinci, son premier spectacle en solo, acclamé par la critique. Les
plus grandes scènes du monde lui sont alors ouvertes.

En 1992, Lepage est le premier Canadien à mettre en scène une oeuvre de
William Shakespeare, le Songe d’une nuit d’été, au National Theatre, à
Londres. Il poursuit ensuite son exploration du répertoire mondial,
assurant des mises en scène d’oeuvres théâtrales à Munich, Stockholm et
Tokyo, puis d’opéra pour des oeuvres de Béla Bartók et Arnold Schoenberg.
Peter Gabriel lui confie la conception et la mise en scène de sa tournée
mondiale Secret World. Passant au cinéma, Lepage réalise le Confessionnal,
présenté à Cannes comme film d’ouverture de la Quinzaine des réalisateurs
(1995).

Après la création et la mise en scène de plusieurs autres oeuvres
théâtrales et cinématographiques, dont les Plaques tectoniques, les
Aiguilles et l’opium, les Sept Branches de la rivière Ota, le Polygraphe,
Macbeth, Coriolan et la Tempête, Lepage fonde en 1994 à Québec, la
compagnie Ex Machina, centre d’expérimentation et de création.

Lewin, Albert

Albert Lewin
(1894-1968)
Cinéaste et
producteur américain

Né à Newark (New Jersey), diplômé de
l’Université de Harward, Albert Lewin débute comme scénariste avec Bread
(1924) de Victor Schertzinger et poursuit cette activité avec huit autres
films jusqu’en 1928. Il devient ensuite producteur d’oeuvres importantes,
parmi lesquelles le Baiser (The Kiss, 1929) de Jacques Feyder, la Belle aux
cheveux roux (Red Headed Woman, 1934) de Jack Conway, les Révoltés du
Bounty (Mutiny of the Bounty, 1935) de Frank Lloyd, les Gars du large
(Spawn of the North, 1938) de Henry Hathaway et Zaza (1939) de
George Cukor.

Intellectuel doté d’une immense culture artistique, Lewin passe à la
réalisation en adaptant de manière rigoureuse et subtile un livre de
Somerset Maugham sur le peintre Paul Gauguin, The Moon and Sixpence
(1942), puis le chef d’oeuvre d’Oscar Wilde, le Portrait de Dorian Gray
(The Picture of Dorian Gray, 1945) et un roman de Guy de Maupassant,
Bel-Ami (The Private Affairs of Bel-Ami, 1947). La sophistication du jeu
de l’acteur George Sanders dans ces trois films résume tout l’esprit des
mises en scène de Lewin : élégantes, raffinées et nourries de culture
européenne.

Pandora (Pandora and the Flying Dutchman, 1951), où il revisite la
légende du Hollandais volant et donne à Ava Gardner un de ses plus beaux
rôles, est souvent considéré comme son chef-d’oeuvre. Son goût pour la
peinture surréaliste apparaît nettement dans ce film pour lequel il
collabore avec le peintre et photographe Man Ray.

Il a tourné par la suite Saadia (1953) et The Living Idol (1957), dont
la diffusion et le succès ont été mineurs par rapport à ses premiers
films.

Lewis, Jerry

Jerry Lewis
(1926- )
Producteur,
scénariste, acteur et réalisateur américain, l'un des plus grands comiques
burlesques de l'histoire du cinéma

Né à Newark (New Jersey), au sein d'une
famille de comédiens juifs, Joseph Levitch, dit Jerry Lewis, fait ses
débuts sur scène à l'âge de cinq ans. Renvoyé du collège à quinze ans, il
met au point un numéro de music-hall avec mimes et imitations, puis
rencontre le chanteur Dean Martin en 1946 et s'associe avec lui pour un
duo comique qui devient très vite populaire.

UN DÉBUT DE CARRIÈRE EN DUO

En 1949, le producteur Hal Wallis engage les deux compères, Jerry Lewis
et Dean Martin, chez Paramount où ils tournent 16 films ensemble, qui sont
tous d'immenses succès. Entre le premier film du duo, Ma Bonne Amie Irma
(My Friend Irma, 1949) de Georges Marshall et le dernier, Un vrai cinglé
de cinéma (Hollywood or Bust, 1956) de Frank Tashlin, Jerry Lewis se
construit un personnage incongru, délirant, excessif et burlesque, qui
s'affirme vite comme l'attraction principale du tandem. Le réalisateur
Norman Taurog met d'ailleurs plusieurs fois ses grands dons comiques en
valeur : le Cabotin et son Compère (The Stooge, 1952), Parachutiste malgré
lui (Jumping Jacks, 1952), Amours, délices et golf (The Caddy, 1953), Ce
n'est pas une vie (Living it Up, 1954) et surtout Un pitre au pensionnat
(You're Never Too Young, 1955), remake inversé de Uniformes et jupons
courts (The Major and the Minor, 1942) de Billy Wilder. Mais c'est sa
rencontre avec le réalisateur Frank Tashlin sur Artistes et
Modèles (Artists and Models, 1955) qui est décisive pour le reste de sa
carrière, car ce dernier lui apporte tout un univers de dessin animé et
d'absurde que l'acteur sait mettre à profit.

UN VIRAGE EN SOLO

Jerry Lewis entame une carrière en solo avec le Délinquant involontaire
(The Delicate Delinquent, 1957) de Don McGuire et P'tite tête de troufion
(The Sad Sack, 1957) de George Marshall. Puis il produit et interprète
plusieurs films de Frank Tashlin : Trois bébés sur
les bras (Rock a Bye Baby, 1958), le Kid en kimono (The Geisha Boy, 1958)
et Cendrillon aux grands pieds (Cinderella, 1960), avant de passer à la
réalisation avec le Dingue du palace (The Bell Boy, 1960), qui est un bel
hommage au cinéma burlesque classique.

Méprisé par la critique dans son pays, mais reconnu comme un auteur de
génie en France, Jerry Lewis alterne ensuite les films qu'il réalise et
interprète avec ceux dont il est seulement producteur et acteur. Il signe
d'abord une réflexion sur la peur des femmes avec le Tombeur de ces dames
(The Ladies’ Man, 1961), où, aux côtés de Kathleen Freemen et Pat Stanley,
il affirme un style de mise en scène d'une rare intelligence. Puis il
revient au burlesque avec le Zinzin d'Hollywood (The Errand Boy, 1961) et
enchaîne avec son film le plus célèbre : Docteur Jerry et Mister Love (The
Nutty Professor, 1963).

Il précise sa réflexion sur le comédien et son double dans Jerry
souffre-douleur (The Patsy, 1964) et réalise un film ambitieux sur
l'enfance et le rapport du maître et du serviteur dans les Tontons
farceurs (The Familly Jewells, 1965), dans lequel il joue sept
personnages.

Il continue aussi de jouer dans les films signés par Frank Tashlin : l'Increvable
Jerry (It's Only Money, 1962), Un chef de rayon explosif (Who's Minding
the Store?, 1963) et Jerry chez les cinoques (The Disorderly Orderly,
1964).

À partir de 1965, il cherche pourtant à transformer son personnage en
réalisant des films où il s’attribue un comportement plus adulte (du moins
au début des films) : Trois sur un sofa (Three on a Couch, 1965), avec
Janet Leigh comme partenaire, Jerry Lewis y interprétant quatre rôles
différents, et Jerry la grande gueule (The Big Mouth, 1967), oeuvres qui
n'ont pas beaucoup de succès. Il signe alors son seul film où il
n'apparaît pas : One More Time (1969), avec Peter Lawford et Sammy Davis
Jr., mais ne retrouve le succès public et critique qu'avec Ya, ya, mon
général (Which Way to the Front, 1970).

Victime d'un producteur escroc, il ne peut pas monter son film le Jour
où le clown pleura (The Day the Clown Cried, 1971) et retourne sur scène
pendant dix ans avec un immense succès.

Sur le tournage de son nouveau film, Au boulot, Jerry (Hardly Working,
1981), il est victime d'un grave accident et ne signe plus que
l'extravagant hommage au slapstik : T'es fou Jerry (Smogarsbord, 1983) et
un émouvant sketch dans un film contre le racisme, Boy (1986).

Il apparaît cependant comme comédien dans les films d’autres
réalisateurs, dont la Valse des pantins (The King of Comedy, 1982) de Martin Scorsese, où il donne la
réplique à Robert De Niro, Slapstick (1983) de Steven Paul, Par où t'es
rentré ? On t'a pas vu sortir, (1984) de Philippe Clair, le lyrique, drôle
et envoûtant Arizona Dream (1992) de Emir Kusturica, où, aux côtés des
talentueux acteurs que sont Johnny Depp, Faye Dunaway, Vincent Gallo et
Lily Taylor, il interprète un vendeur de Cadillac rêvant d’atteindre la
Lune en empilant toutes ses voitures, et le magnifique et méconnu Funny
Bones (1995) de Peter Chelsom.

L'Herbier, Marcel

Marcel L'Herbier
(1888-1979)
Cinéaste
français

Il fut, dans les années 1920, l'apôtre
d'une esthétique intégrant les formes plastiques contemporaines, et dont
l'oeuvre fut malgré cela parsemée d'un grand nombre de films
conventionnels, mais qui fut néanmoins le premier directeur de l'IDHEC,
école supérieure de cinéma créée en 1943. Ses principaux films muets
bénéficient de la collaboration de l'architecte Mallet-Stevens, du
couturier Paul Poiret, de Fernand Léger : c'est l'époque de l'Inhumaine
(1924), Feu Mathias Pascal (1925), l'Argent (1929). Il réalisa plusieurs
films policiers d'après les livres de Gaston Leroux, mais aussi des
oeuvres dictées par les circonstances (Entente cordiale, 1939).

Linder, Max

Max Linder
(1883-1925)
Acteur, scénariste
et cinéaste français parfois considéré comme le précurseur de Chaplin et qui connut une gloire
internationale avant 1914

De son vrai nom Gabriel Leuvielle, Max Linder
est né à Saint-Loubès, en Gironde. Ayant mis au point un personnage de
gandin bondissant, il fut lancé par Charles Pathé sous le simple nom de
«Max». Souvent scénariste, il réalisa lui-même de courtes saynettes à
partir de 1910. Installé aux États-Unis en 1916, il peina à s’imposer,
mais y tourna quelques-uns de ses meilleurs films en 1920 et 1921 (Soyez
ma femme, Sept Ans de malheur, l’Étroit mousquetaire, tournés pour United
Artists).

De retour en France, il réalisa notamment le Petit Café d’après une
pièce de Tristan Bernard et interpréta Au secours sous la direction d’Abel Gance. Vivement concurrencé
par les grands burlesques américains, il perdit peu à peu une part
importante de sa popularité. Parmi ses derniers films, le plus célèbre est
sans doute le Roi du cirque (Der Zirkuskönig, 1924), réalisé en Autriche.
Malade, dépressif, il se suicida en compagnie de sa jeune épouse. Sa
fille, Maud Linder, est l’auteur de deux anthologies de son oeuvre : En
compagnie de Max Linder (1963) et l’Homme au chapeau de soie (1983).

Lloyd, Harold

Harold Lloyd
(1893-1971)
Acteur, cinéaste
et producteur américain

Lorsqu'il mit un terme à sa carrière, en 1945,
avait à son actif près de cinq cents films, parlants et muets. Tous sont
des comédies où les poursuites interminables, les acrobaties périlleuses
et surtout l'avalanche de gags créent un burlesque différent de celui de
Chaplin ou de Langdon. Harold Lloyd commença sa
carrière d'acteur, à San Diego en 1913, dans des comédies d'une bobine
(anciens courts métrages). En 1917, il créa son célèbre personnage de
jeune homme à lunettes, optimiste et maladroit, qu'il incarna en 1922 dans
son premier long métrage : le Talisman de grand-mère (Grandma's Boy), de
Fred Newmeyer.

Harold Lloyd dans Monte là-dessus
(Safety Last, 1923) de Fred Newmeyer et Sam Taylor.
Sommet du
cinéma muet, le film est également le plus célèbre d'Harold Lloyd.
L'acteur - qui joue involontairement à l'acrobate sur le toit d'un grand
magasin new-yorkais, et se suspend aux aiguilles d'une horloge géante -,
qui était également producteur et souvent metteur en scène de ses propres
films, connut un succès populaire considérable. L'avènement du parlant mit
cependant un terme à sa carrière.

Fred Newmeyer fut, avec Sam Taylor, un des principaux réalisateurs de
Lloyd. Remportant un vif succès auprès du grand public, les films de Lloyd
étaient également connus pour leur haute qualité technique. En 1923, Monte
là-dessus (Safety Last), de Newmeyer et Taylor, dans lequel Lloyd escalade
un gratte-ciel, fut un triomphe. Parmi les films les plus représentatifs
de son style, on peut encore citer Vive le sport ! (The Freshman, 1925),
de Newmeyer, Silence, on tourne (Movie Crazy, 1932), de Clyde Bruckman, et
Soupe au lait (The Milky Way, 1936), de Leo McCarey.

Harold Lloyd
L'acteur comique
américain Harold Lloyd (à droite) créa, en 1917, le personnage du jeune
Américain moyen empoté et optimiste à tous crins, portant lunettes
d'écaille et canotier, qu'il devait interpréter par la suite dans de
nombreuses comédies burlesques. Cette photo de groupe a été prise lors
d'un séjour de Lloyd en Allemagne.

Loach, Kenneth

Ken Loach
(1936-)
Cinéaste
britannique

Cinéaste , qui aborda de front les problèmes
sociaux et politiques, et introduisit dans ses films des gens du peuple,
sans enjoliver la réalité, à une époque où le cinéma continental
s’intéressait surtout aux classes moyennes.

Né à Nuneaton, dans le Warwickshire, Kenneth Loach fut metteur en scène
de théâtre avant de passer à la télévision. Il réalisa en 1967 son premier
long métrage pour le grand écran : Pas de larmes pour Joy (Poor Cow). Il
obtint une reconnaissance internationale avec Kes (1969), puis avec Family
Life (1971). Il apparut alors comme l’un des continuateurs les plus doués
de la grande tradition réaliste britannique (École documentariste des
années 1930, «Free Cinema» de la fin des années 1950).

Loach, Family Life
Family Life
est un film dur et poignant parce qu'il montre sans fard une réalité parmi
les plus dures et poignantes qui soient, celle du caractère pathogène
d'une cellule familiale en apparence ordinaire.

Avec Black Jack (1979), il se montra à l’aise dans le film historique
pour dénoncer la répression pratiquée à l’école, dans la famille ou dans
le cadre médical. Par la suite, il signa plusieurs films sur la situation
de l’Angleterre contemporaine, traitant de sujets sensibles (le chômage
avec Regards et Sourires/Looks and Smiles, 1981; l’Irlande avec Hidden
Agenda, 1990; la précarité avec Riff Raff, 1991) tout en évitant les
pièges du film engagé. Après Raining Stones (1993) et Ladybird (1994), il
s’intéressa à des problèmes plus internationaux : l’Espagne des Brigades
internationales, où s’opposent staliniens et militants du POUM, Parti
ouvrier d'unification marxiste, se réclamant du trotskisme (Land and
Freedom, 1995); le Nicaragua, avec une émouvante histoire d’amour sur fond
de lutte impitoyable entre contras et sandinistes (Carla’s Song, 1996).
Toujours sur fond social, Ken Loach a réalisé en 1998 My Name is Joe, une
comédie dramatique sur les amours d’un sympathique chômeur et d’une
assistante sociale.

Losey, Joseph

Joseph Losey
(1909-1984)
Réalisateur et
metteur en scène américain, dont la carrière se déroula essentiellement en
Europe, et en Grande-Bretagne en particulier

Les récits de Losey sur son enfance tournent
toujours autour des différences de culture et de fortune entre les
branches paternelle et maternelle de sa famille. Cette perception dualiste
devint une des sources majeures de son inspiration, de même que les grands
thèmes tels que la peine de mort, les erreurs judiciaires, la guerre, les
aliénations de diverses origines, etc. Ses films sont marqués par une
composition énergique, des mouvements de caméra souples, de fortes
interprétations et une utilisation très expressive des décors. Ils
explorent avec une certaine fascination la hiérarchie sociale, la
domination, la jalousie et la déférence.

Après avoir fait ses études à l’Ivy League, Losey débuta au théâtre à
New York. En 1936, sa troisième production pour le théâtre fédéral,
Injunction Granted, qui traitait du problème des chômeurs sur fond de New
Deal, fut politiquement si controversée que les représentations furent
interrompues sous prétexte qu’on y faisait mauvais usage des fonds
fédéraux. Losey démissionna en signe de protestation.

Au cours des années qui suivirent, il dirigea des pièces expérimentales
à Broadway, des drames diffusés à la radio, ainsi que des courts métrages
qui débouchèrent sur un contrat à Hollywood, signé immédiatement après un
court séjour sous les drapeaux de janvier à novembre 1944.

Losey collabora avec Bertolt Brecht et Charles Laughton sur le texte
anglais et la production de Galileo Galilei en 1947. Losey soutint Brecht
lors de son passage devant la Commission des activités antiaméricaines
dont le jugement précipita le retour du dramaturge en Europe.

Suivirent cinq longs métrages, parmi lesquels Haines (The Lawless,
1950), le Rôdeur (The Prowler, 1951), M (1951), brillante reprise de M le
Maudit de Fritz Lang (1931), et la Grande Nuit (The Big Night, 1951). Sous
la diversité des sujets de ces films s’ébauchait une critique évidente de
la société américaine.

Afin d’éviter une comparution devant la Commission des activités
antiaméricaines, Losey dut partir rapidement pour l’Europe. Il tourna
d’abord sous des pseudonymes afin que ses films puissent être projetés aux
États-Unis. Temps sans pitié (Time Without Pity, 1957) fut le premier
d’une série de grands films : l’Enquête de l’inspecteur Morgan (Blind
Date, 1959), les Criminels (The Criminal, 1960) et les Damnés (The Damned,
1963) sont tous des films sombres et puissants, construits autour des
grands thèmes de Losey (peine de mort, justice, etc.). À partir d’Ève
(Eva, 1962), qui fut lamentablement coupé par les producteurs, il insista
sur les rapports personnels, les duels entre deux individus — sujets qu’il
développa avec l’aide d’Harold Pinter. De cette collaboration sortirent
trois de ses meilleures oeuvres : The Servant (1963), Accident (1967) et
le Messager (The Go-between, 1971, palme d’or au festival de Cannes en
1970).

À partir des années 1970, la crise du cinéma britannique l’incita à
tourner en Espagne (Deux Hommes en fuite, Figures in Landscape, 1970), au
Mexique et en Italie (l’Assassinat de Trotski, The Assassination of
Trotsky, 1972), en Norvège (Maison de poupée, A Doll’s House, 1973). En
France, il réalisa Monsieur Klein (1976), film sur l’occupation allemande,
puis s’essaya avec succès au genre de l’opéra filmé (Don Giovanni,
1979).

Losey : principaux films

1947

Le Garçon aux
cheveux verts

The Boy With
Green Hair

1950

Haines

The
Lawless

1951

Le
Rôdeur

The
Prowler

1951

M

M

1951

La Grande
Nuit

The Big
Night

1952

Un homme à
détruire

Imbarco a
mezzanotte/Stranger on the Prowl

1954

La bête
s'éveille

The Sleeping
Tiger

1956

L'Étrangère
intime

The Intimate
Stranger

1957

Temps sans
pitié

Time Without
Pity

1958

Gypsy

The Gypsy and
the Gentleman

1959

L'Enquête de
l'inspecteur Morgan

Blind
Date

1960

Les
Criminels

The
Criminal

1961

Les
Damnés

The
Damned

1962

Ève

Eva

1963

The
Servant

The
Servant

1964

Pour
l'exemple

King and
Country

1966

Modesty
Blaise

Modesty
Blaise

1967

Accident

Accident

1968

Boom

Boom
!

1968

Cérémonie
secrète

Secret
Ceremony

1970

Deux Hommes en
fuite

Figures in a
Landscape

1971

Le
Messager

The
Go-between

1972

L'Assassinat de
Trotski

The
Assassination of Trotsky

1973

Maison de
poupée

A Doll's
House

1975

Une Anglaise
romantique

The Romantic
Englishwoman

1976

M.
Klein

1978

Les Routes du
Sud

1979

Don
Giovanni

1982

La
Truite

1983

Steaming

Steaming

Lubitsch,
Ernst

Ernst
Lubitsch
(1892-1947)
Acteur et cinéaste qui eut une double
carrière, allemande puis américaine

À l’âge de 18
ans, Ernst Lubitsch quitta l’entreprise de confection de son père et
devint acteur professionnel. En 1911, il entra au Deutsches Theater de Max
Reinhardt, pour lequel il interpréta rapidement des rôles principaux. En
1913, il joua également dans des comédies, puis commença ses propres mises
en scène, à partir de 1914. Il connut rapidement la notoriété, aussi bien
en tant qu’acteur que réalisateur. E. Lubitsch fut l’un des premiers à
améliorer, notamment par ses innovations, le plan de la construction
cinématographique, le style américain. Il sut, par ailleurs, emprunter aux
pièces légères de Reinhardt et à des opérettes, comme en témoignent la
Princesse aux huîtres (Die Austernprinzessin, 1919) et le Chat sauvage
(Die Bergkatze, 1920). Il utilisa des décors stylisés dans la Poupée (Die
Puppe, 1919). Madame du Barry, réalisé également en 1919, fut le premier
film allemand distribué aux États-Unis après la Première Guerre mondiale.
Son succès amena l’actrice Mary Pickford à faire venir E. Lubitsch aux
États-Unis où il réalisa pour elle Rosita, chanteuse des rues (Rosita,
1923). Puis les frères Warner l’engagèrent pour réaliser une série de
productions prestigieuses — parmi lesquelles The Marriage Circle
(Comédiennes, 1924) — qui firent d’E. Lubitsch l’un des réalisateurs les
plus admirés à Hollywood. En dehors de To Be or not to Be (1942), presque
tous les films qu’il réalisa par la suite furent des adaptations de
comédies européennes du théâtre de boulevard. Par son sens du spectacle et
sa continuelle maîtrise du travail bien fait, E. Lubitsch sut allier sa
veine comique berlinoise à un style raffiné, tout en sachant garder cette
distance caractéristique du comique qui s’interroge sur lui-même.

Lubitsch, Ninotchka
Greta
Garbo et Melvyn Douglas dans Ninotchka (1939) d'Ernst Lubitsch.

Satire alerte et enjouée offrant un portrait sans concession de la
Russie stalinienne, le film, adapté d'une pièce de théâtre de Melchior
Lengyel, permit à Greta Garbo d'aborder avec succès le registre de la
comédie.

Lucas, George

George Lucas
(1944-)
Scénariste,
producteur et réalisateur américain.

Né à Modesto (Californie), George Lucas est
d’abord étudiant à l’université de Californie du Sud. Il réalise ensuite
des films expérimentaux, tourne un «making of» des Gens de la pluie (The
Rain People, 1969) de Francis Ford Coppola, est
opérateur de Gimme Shelter (1970), le film du concert des Rolling Stones
réalisé par David et Albert Maysles, puis signe son premier film, THX 1138
(1971), une oeuvre de science-fiction ambitieuse qui reçoit un accueil
critique favorable à la Quinzaine des réalisateurs du festival de
Cannes.

La Guerre des étoiles
En 1977,
avec la Guerre des étoiles, s'amorce une double tendance dans le cinéma
contemporain : d'une part les films à gros budget et à épisodes (serial);
d'autre part l'art des effets spéciaux, porté à un niveau jamais atteint
auparavant. Le film dirigé par George Lucas demeure, vingt ans après sa
sortie, une référence du genre - à laquelle le cinéaste donnera deux
autres épisodes (l'Empire contre-attaque et le Retour du Jedi). L'affiche
du film montre le personnage de Chewbacca (joué par Peter Mayhew) et
Harrison Ford dans son premier grand rôle, celui de Han Solo.

Il réalise ensuite un film nostalgique sur les «sixties», American
Graffiti (1973), qui connaît un très grand succès, puis entreprend
l'écriture et le tournage d'une saga de science-fiction en six films. Il
tourne d'abord l'épisode numéro IV, la Guerre des étoiles (Star Wars,
1977) qui bat tous les records de recettes et bouleverse l'industrie
cinématographique, laquelle s'orientera dès lors massivement vers la
science-fiction et les effets spéciaux.

Abandonnant la mise en scène pour se consacrer à la production et à sa
société d’effets spéciaux Industrial Light and Magic, il confie la
réalisation de l'épisode V, l'Empire contre-attaque (The Empire Strikes
Back, 1980), à Irwin Kershner et celle de l’épisode VI, le Retour du Jedi
(Return of The Jedi, 1983), à Richard Marquant.

Il produit également la série des Indiana Jones (1981-1984-1989) de son
ami Steven Spielberg, Tucker (1988)
de Francis Ford Coppola et Willow
(1988) de Ron Howard, et investit dans la recherche technologique d'images
virtuelles les profits générés par ses productions, et surtout par la
vente des produits dérivés se rapportant à ses films.

Les développements de l’image numérique lui permettent de mettre en
chantier les trois premiers épisodes de sa saga de science-fiction, et,
vingt-deux ans après la Guerre des étoiles, il réalise lui-même l’épisode
I, la Menace fantôme (The Phantom Menace, 1999), qui, soutenu par un
merchandising sans précédent, connaît un énorme succès.

Lumet, Sidney

Sidney Lumet
(1924- )
Acteur, réalisateur
et scénariste américain qui réalisa de nombreux films adaptés de pièces de
théâtre et fit montre d’un souci constant d’objectivité et de
tolérance

Fils de comédien, Lumet débuta enfant dans le
Yiddish Theatre de New York. Il étudia la littérature à l’université de
Columbia, puis entra à l’Actors Studio avant de travailler comme
réalisateur de télévision. Il se fit rapidement connaître au cinéma en
réalisant Douze Hommes en colère (Twelve Angry Men, 1957), film qui
démontra ses qualités de directeur d’acteurs et témoigna dans le même
temps de préoccupations qui ne l’ont plus quittées depuis : la lutte
contre la corruption et le souci de justice. Le film se présente comme un
huis clos dans lequel Henry Fonda se bat pour faire fléchir l’opinion des
membres d’un jury.

Sidney Lumet réalisa de nombreux films adaptés de pièces de théâtre
célèbres, notamment l’Homme à la peau de serpent (The Fugitive Kind, 1960)
d’après l’oeuvre de Tennessee Williams et Long Day’s Journey into Night
(1962), d’après le roman de Eugene O’Neill, avec Ralph Richardson et
Katharine Hepburn dans les rôles principaux. Parmi ses oeuvres les plus
célèbres figurent la Colline des hommes perdus (The Hill, 1965), Serpico
(1973), le Crime de l’Orient-Express (Murder on the Orient Express, 1974),
Un après-midi de chien (Dog Day Afternoon, 1975), Network (1976), le
Lendemain du crime (The Morning After, 1986) et l’Avocat du diable (Guilty
as Sin, 1993).

Lumière, frères

Louis Lumière
(1864-1948)
et
Auguste
Lumière
(1862-1954)
Techniciens et cinéastes français, pionniers
du cinéma et inventeurs du procédé de projection sur grand écran baptisé
«cinématographe»

Louis Lumière et Auguste Lumière sont
nés à Besançon, dans une famille d’industriels. Les fameuses projections
de l’année 1895 qu’ils organisèrent avec leur père, Antoine - le chef de
l’entreprise familiale spécialisée dans la photographie -, ont marqué la
naissance du cinéma comme spectacle collectif et comme industrie destinée
à un grand développement social et économique. Pourtant, les frères
Lumière ne sont pas les seuls inventeurs des procédés qui seront connus
sous le nom de cinéma (voir Cinématographe).

S’inspirant du kinétoscope de Thomas Alva Edison et de William Dickson,
Louis et Auguste Lumière imaginèrent plusieurs procédés complémentaires :
ils mirent ainsi au point dès l’été 1894 une caméra «réversible»,
permettant la prise de vues et la projection sur un écran.

La Sortie des usines Lumière fut projeté en public pour la première
fois le 28 décembre 1895, au «Grand Café» du boulevard des Capucines à
Paris. Il est considéré comme le premier film jamais réalisé. Les frères
Lumière tournèrent d’autres courts métrages la même année, notamment
l’Arrivée du train en gare de La Ciotat, l’Arroseur arrosé (ou le
Jardinier) et le Repas de bébé.

La société Lumière produisit une grande quantité de films qui firent
l’objet de séances de projection payantes en France et dans de nombreux
pays. La constitution d’un important catalogue de «vues animées», tournées
à l’origine par Louis Lumière lui-même, puis par des opérateurs (également
projectionnistes) envoyés dans le monde entier, favorisa la vente du
matériel malgré la concurrence des autres fabricants.

Les frères Lumière furent également à l’origine des premières
actualités filmées et des premiers documentaires. Pourtant, malgré la
richesse de son catalogue (plus de mille titres dès 1898), la société
abandonna l’exploitation en salle de ses propres films dès 1901 et cessa
de produire de nouvelles bandes en 1907. Détenteurs de brevets dans des
domaines très divers, les deux frères délaissèrent le cinéma, Louis
revenant à la photographie avec notamment le procédé «autochrome» de
clichés en couleurs, mis au point en 1903, et poursuivant parallèlement
des recherches sur la stéréoscopie (l’impression du relief) par
anaglyphes.

Louis Lumière

Louis Lumière se contente de cinématographier, comme il a toujours
photographié, avec une science discrète de la composition. Il filme la
sortie de ses usines, l’entrée d’un train en gare, une baignade en mer,
une partie d’écarté, un bocal de poissons rouges. Il envoie ses opérateurs
à travers le monde filmer Venise ou le couronnement du tsar Nicolas II. Le
cinéma permet désormais d’enregistrer un événement, du plus mince au plus
considérable, dans sa durée propre. Il donne corps à la fugacité même. Le
cinéma ne reproduit pas seulement le réel, il fixe à raison de 16 (puis de
24) images par seconde des moments d’attention pure, exacte, singulière.
Jusqu’à Lumière, la réalité n’était que le modèle proposé à l’artiste. Dès
ses premiers films elle change radicalement de fonction en devenant une
matière, aussi digne que le marbre du sculpteur, la couleur du peintre,
les mots de l’écrivain. «Écrire pour le cinéma, écrire des films, dira
plus tard Alexandre Astruc, c’est écrire
avec le vocabulaire le plus riche qu’aucun artiste ait eu jusqu’ici à sa
disposition, c’est écrire avec la pâte du monde.

Les ouvriers quittent leur travail
pour la pause de midi, un extrait de «La sortie des usines Lumière», le
premier film de l’histoire, réalisé par les frères Auguste et Louis
Lumière en 1895

Lupino, Ida

Ida Lupino
(1918-1995)
Actrice et cinéaste
américaine d’origine britannique

Née à Londres, Ida Lupino, fille de Stanley
Lupino, est issue d’une dynastie de comédiens remontant à la Renaissance
italienne. Initiée très jeune à de multiples disciplines artistiques, elle
intègre l’Académie royale d’art dramatique en 1931 et interprète de
nombreuses pièces. Elle fait ses débuts au cinéma dans Her First Affair
(1932) d’Allan Dwan, et elle apparaît, par la suite, dans quelques films à
petit budget.

Engagée par Paramount, elle s’installe aux États-Unis en 1933.
Longtemps employée en deçà de ses possibilités, malgré une prestation
remarquée dans Peter Ibbetson (1935) d’Henry Hathaway, l’ampleur
dramatique et la modernité de son jeu sont enfin révélées par The Light
That Failed (la Lumière qui s’éteint, 1939) de William Wellman, qui lui vaut
d’être engagée à la Warner Bros.

Raoul Walsh l’initie à la
technique cinématographique, et lui confie des rôles importants dans Une
femme dangereuse (They Drive By Night, 1939) et High Sierra (1939). Elle
obtient d’autres grands rôles, dans le Vaisseau fantôme (The Sea Wolf,
1941) de Michael Curtiz, et The Hard Way
(1942) de Vincent Sherman, pour lequel elle remporte le prix de la
meilleure actrice, à New York, en 1943.

Elle retrouve Raoul Walsh pour l’émouvant The
Man I Love (1946) et brille dans plusieurs grands films, comme la Femme
aux cigarettes (Road House, 1948) de Jean Negulesco, la Maison dans
l’ombre (On Dangerous Ground, 1951), de Nicholas Ray, le Grand Couteau
(The Big Knife, 1955) de Robert Aldrich, la Cinquième
Victime (While The City Sleeps, 1956) de Fritz Lang, et Junior Bonner
(1972) de Sam Peckinpah.

En 1949, avec son mari Collier Young, elle fonde une société de
production et commence à écrire et à réaliser des films indépendants sur
des sujets généralement tabous dans l’industrie hollywoodienne : le drame
des filles mères dans Not Wanted (1949), la poliomyélite dans Never Fear
(1950), le viol dans Outrage (1951), la corruption des milieux sportifs
dans Hard, Fast and Beautiful (1952), la psychose dans le Voyage de la
peur (The Hitch Hiker, 1953) et la bigamie dans The Bigamist (1953). Ses
films témoignent d’une grande sensibilité réaliste et poétique, et captent
magnifiquement la fragilité des êtres.

Il faut noter, de pair avec ses réelles qualités de cinéaste, le statut
unique d’Ida Lupino à son époque, puisqu’elle est alors la seule
réalisatrice et productrice d’Hollywood, un milieu entièrement dominé par
les hommes. L’échec de Private Hell 36 (Ici brigade criminelle, 1954),
qu’elle produit et que réalise Don Siegel, la contraint à dissoudre sa
société de production après la réalisation d’un dernier long métrage, The
Trouble With Angels (1966).

Parallèlement, Ida Lupino est devenue l’une des actrices et des
réalisatrices les plus prolifiques de la télévision; elle a travaillé pour
de nombreuses séries, comme la Quatrième Dimension, Thriller, Alfred Hitchcock présente, les
Incorruptibles et le Fugitif.

Lupu-Pick

Lupu-Pick
(1886-1931)
Cinéaste, producteur
et comédien allemand d’origine roumaine, dont certains films sont
représentatifs de la tendance « Kammerspiel» (théâtre de chambre) au
cinéma

Né à Iassy (Roumanie), Lupu Pick, dit
Lupu-Pick, fait ses débuts d’acteur dans son pays natal avant de
s’installer en Allemagne en 1914 pour se produire au théâtre et apparaître
au cinéma. À l’écran, on le voit notamment dans les Contes d’Hoffmann
(Hoffmanns Erzählungen, 1914) de Richard Oswald, dans Nuit d’horreur
(Nacht des Grauens, 1916) d’Arthur Robison et dans Mr. Wu (1918), dont il
écrit le scénario et dont plusieurs historiens lui attribuent également la
réalisation.

De 1918 à 1931, il devient producteur et réalisateur d’une quinzaine de
films, adaptant entre autres les romans Oliver Twist (1920) de Charles
Dickens, Au Bonheur des Dames (1922) d’Émile Zola et l’Idiot (1922) de
Dostoïevski. Il figure un temps parmi les réalisateurs importants grâce au
Rail (Scherben, 1921), écrit par le théoricien Carl Mayer. Ce mélodrame
réaliste inaugure le passage du « Kammerspiel» au cinéma et contraste par
son style intime et sobre avec les fantasmagories, les feuilletons
populaires et les films à grand spectacle du cinéma allemand muet
d’alors.

Deux ans plus tard, Lupu-Pick et Carl Mayer créent dans la même veine
la Nuit de la Saint-Sylvestre (Sylvester), une tragédie à huis clos qui
respecte les unités de temps, de lieu et d’action. Dans l’esprit du
scénariste Carl Mayer, ce chef-d’oeuvre incontestable était le deuxième
volet d’une trilogie qu’il achèvera avec le Dernier des hommes (Der Letzte
Mann, 1924) réalisé par Friedrich Wilhelm Murnau.

Si le Rail et la Nuit de la Saint-Sylvestre ont marqué profondément le
cinéma, Lupu-Pick n’a jamais retrouvé par la suite une aussi forte
inspiration. Il a encore tourné des films, parmi lesquels le Canard
sauvage (Das Haus der Lüge, 1925) d’après Ibsen et Napoléon à
Sainte-Hélène (Napoleon auf St-Helena, 1929), mais aucun d’eux ne se
distingue vraiment de la production courante de l’époque. Cependant
Lupu-Pick a poursuivi une carrière de comédien, particulièrement brillant
dans le rôle principal du Dernier Fiacre de Berlin (Die Letze Droschke von
Berlin, 1926) de Carl Boese en 1926 et dans sa composition de diplomate
japonais des Espions (Spione, 1928) de Fritz Lang.

Lynch, David

David Lynch
(1946- )
Cinéaste américain à
l’oeuvre étrange et dérangeante, qui réalisa notamment The Elephant Man en
1980

Né à
Missoula (Montana) et élevé dans l’Idaho, David Lynch étudia la peinture à
la Corcoran School of Art de Washington puis à la Pennsylvania Academy of
Fine Arts de Philadelphie. Après deux courts métrages, The Alphabet (1967)
et The Grandmother (1969), il réalisa son premier film, Eraserhead
(réalisé en 1976 et sorti en 1977), avec un budget extrêmement réduit et
dans des conditions quasi artisanales. Ce film à l’atmosphère
cauchemardesque fit l’objet d’un véritable culte ; The Elephant Man,
réalisé trois ans plus tard et produit par Mel Brooks, obtint, quant à lui,
huit nominations aux Oscars et plaça Lynch parmi les cinéastes les plus
prometteurs de sa génération.

Après un détour par la science-fiction (Dune, 1984, d’après la saga de
Frank Herbert), Lynch revint au genre policier avec Blue Velvet (1986) et
Sailor et Lula (Wild at Heart, palme d’or au festival de Cannes en 1990),
puis réalisa pour la télévision la série Twin Peaks, l’histoire d’un
meurtre dans une bourgade du nord-ouest des États-Unis : cette mise en
scène de la vie secrète et extraordinaire de gens ordinaires connut un
succès planétaire et fut suivi d’un film (Twin Peaks : Fire Walk with Me,
1992).

Lynch, Eraserhead
Avec
Eraserhead, David Lynch a rejoint le club très fermé des auteurs dont le
premier film fut aussitôt un film culte.

Du bébé mutant d’Eraserhead à la monstruosité de John Merrick dans
Elephant Man, de la folie de Frank (interprété par Dennis Hopper) rongé par la drogue dans Blue Velvet
au comportement extravagant des habitants de Twin Peaks, Lynch a fait
constamment montre de sa fascination pour la folie, la morbidité et les
malformations physiques. «Trouver l’amour en enfer, dit-il, est peut-être
le thème récurrent de tous mes
films.»

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