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Jancso, Miklos

Miklós Jancsó
(1921- )
Réalisateur
hongrois

Cinéaste hongrois dont les débuts, dans le
cinéma documentaire et la fiction, relèvent d'un réalisme socialiste et
dont il s'est progressivement émancipé au profit d'un style original de
mise en scène quasi chorégraphique. C'est à la fin des années 1960 qu'il
réalisa ses plus grands films, inspirés de thèmes historiques, les
Sans-espoir (Szegénylegények, 1966), Rouges et Blancs (Csillagosok,
Katonak, 1967), Silence et Cri (Csend és kialtds, 1968). Il prolongea ses
recherches dans Agnus Dei (Egi barany, 1971) et le fameux Psaume rouge
(Meg kér a nép, 1972) composé seulement d'une douzaine de plans-séquences.
Il a tourné plusieurs films en Italie, entre 1970 et 1976. La suite de sa
carrière, en Hongrie, comprend des films peu connus à l'étranger ainsi que
des documentaires.

Sorti de l’anonymat et du réalisme socialiste en 1965 avec Les
Sans-Espoir, Miklós Jancsó s’est efforcé depuis lors d’imposer un cinéma
dont les thèmes se sont longtemps rattachés plus ou moins à des épisodes
dramatiques de l’histoire hongroise. Mais c’est moins sur des sujets que
sur le parti pris formel que se porte l’intérêt de l’auteur : de très
longs plans-séquences pendant lesquels une caméra ultra-mobile sillonne
l’espace, allant d’un personnage à un autre, d’un groupe à un autre, sans
jamais centrer un héros de façon durable. C’est alors le parcours spatial
lui-même qui détermine la fiction, et non plus l’inverse. Parmi les
réalisations nombreuses du cinéaste, citons, outre Les Sans-Espoir, qui
parle du compromis austro-hongrois de 1867; Rouges et Blancs (1967), sur
le sort des soldats magyars pendant la guerre civile russe; Silence et cri
(1968), qui relate un épisode du soulèvement de Béla Kun réprimé par les
troupes du régent Horthy; Ah ! ça ira (1969), sur une intervention de
jeunesses communistes pour «libérer» les séminaristes d’un établissement
religieux hongrois, au moment de la période stalinienne. C’est donc
toujours le même thème que fixe Jancsó. C’est pourquoi on a pu voir dans
son oeuvre une méditation sur «l’homme prisonnier de l’histoire et de la
violence». Mais n’est-ce pas aussi une façon de tenir l’histoire à
distance, de refuser d’en comprendre les mécanismes, que de l’utiliser
ainsi dans ces fictions circulaires aux allures de ballet, où rouges et
blancs finissent par se confondre, tant leurs méthodes et la violence
qu’ils emploient se ressemblent ? Sirocco d’hiver (1969) marque le début
d’une réflexion sur le fascisme et la mythologie du tyran, qui sera suivie
de Agnus Dei (1971), La Pacifiste (1971), La Technique et le Rite (1971).
Mais c’est sans doute dans Psaume rouge (1972) que l’évocation de
l’histoire et la tentation de n’en proposer qu’une interprétation
esthétique trouvent leur formulation la plus ambiguë. Jancsó continuera
sur cette voie (Pour Électre, 1975; Rhapsodie hongroise, 1979; L’Horoscope
de Jésus-Christ, 1989) sans parvenir à dépasser ses contradictions.

Psaume rouge (1972), de Miklós
Jancsó

Jarman, Derek

Derek Jarman
(1942-1994)
Cinéaste,
écrivain et peintre britannique

Après des études de peinture à la Slade
School de Londres entre 1963 et 1967, Derek Jarman débute à l’opéra et au
cinéma comme décorateur et costumier, notamment sur le film de Ken Russell, les Diables (The
Devils, 1971), tout en réalisant des courts-métrages et des clips
publicitaires en Super 8 et en vidéo. Il est rapidement considéré comme un
réalisateur expérimental de premier plan. Toute sa vie, le cinéaste, qui
expose pour la première fois à la galerie Lisson à Londres en 1967,
continuera de peindre.

Son premier long-métrage, Sebastiane (1975, coréalisé avec Paul
Humfress), est une célébration du corps masculin en même temps qu’une
vision homosexuelle de la vie de saint Sébastien. Le film Caravaggio
(1986), qui demeure sans doute son film le plus accessible, n’en reste pas
moins une oeuvre convulsive et flamboyante. Cette biographie romancée du
Caravage souligne l’érotisme latent de l’oeuvre du peintre et aborde la
question cruciale du mécénat; ce thème est d’ailleurs un reflet évident
des préoccupations matérielles d’un réalisateur qui rencontrera, sa vie
durant, des obstacles au financement de ses films.

Outre une dimension homosexuelle, nombre de ses films mettent en scène
la culture moderne, dans un style visuel enraciné dans l’esthétique
«underground». Jubilee (1977) célèbre la sous-culture punk alors en vogue
à Londres, tandis que le pamphlet The Last of England (1987) raille avec
férocité l’idéologie thatchérienne et la dérive commerciale du cinéma et
de l’art en général. En 1989, il porte au cinéma l’oratorio de Benjamin
Britten, War Requiem; la structure du film, qui repose sur la scansion des
poèmes de guerre de Wilfred Owen, mélange, avec une rare maestria - quasi
opératique -, des archives filmées de la Seconde Guerre mondiale et des
mises en scène chorégraphiques de Derek Jarman. Cette réussite majeure est
suivie de The Garden (1990), d’Edward II (1990) et d’un Wittgenstein
(1992), qui est une biographie excentrique et fragmentée de la vie du
célèbre philosophe viennois exilé à Cambridge, tournée entièrement en
studio.

Jarman, The Last of
England
Tirant son titre d'un tableau célèbre de Ford Madox Brown,
Dernier Regard sur l'Angleterre, The Last of England est un film non
narratif, un montage poétique qui évoque l'enfance du réalisateur et
dépeint l'Angleterre angoissée et décadente des années Thatcher.

Atteint du sida dès 1987, Derek Jarman devient immédiatement un
porte-parole de la lutte contre cette maladie, sans cesser de peindre ni
de filmer. Il réalise alors plusieurs films qui traitent directement de sa
vie avec le sida. Oeuvre déroutante, Blue (1993) déroule 76 min d’images
fixes totalement bleues, derrière lesquelles se font entendre des
fragments de musiques et de voix, décrivant la maladie de Jarman et ses
effets sur son corps. Non content d’intégrer nombre d’éléments
autobiographiques dans ses films, Derek Jarman a été un écrivain
infatigable, qui a tenu toute sa vie un journal intime. Il est l’auteur de
plusieurs livres, dont Dancing Ledge (1984) et Modern Nature (1992).

Jasset, Victorien

Victorien Jasset
(1862-1913)
Cinéaste
français

Né à Saint-Joseph (Ardennes), Victorien
Jasset est fils d'aubergistes. Il s'oriente d’abord vers le dessin et la
peinture, puis se spécialise dans le costume de théâtre, domaine dans
lequel il acquiert une certaine notoriété. Il se tourne ensuite vers le
cinéma et devient costumier et décorateur chez Léon Gaumont pour les films
d’Alice Guy-Blaché, avant d’entrer
aux productions L'Éclipse.

Il signe plus tard un contrat de réalisateur avec la société Éclair,
pour laquelle il tourne principalement l'adaptation de la série Nick
Carter, dont les aventures paraissent alors en livraison hebdomadaire sous
la responsabilité de l'éditeur Eichler. Son Nick Carter, le roi des
détectives (1908) est un feuilleton à épisodes qui annonce les serials
américains et les séries de Louis Feuillade.

Devenu un spécialiste du genre, il réalise Riffle Bill, le roi de la
prairie (1908), Morgan le pirate (1909), les Dragonnades sous Louis XV
(1909), le Vautour de la Siria (1909), Docteur Phantom (1910), Hérodiade
(1910), et la Fin de Don Juan (1911), tout en continuant le tournage des
Nick Carter.

Peu après, il adapte Zigomar de Léon Sazie, un héros diabolique
préfigurant le Fantômas de Pierre Souvestre et Marcel Allain et l’oppose à
Nick Carter dans Zigomar contre Nick Carter (1912), qui comme sa suite
Zigomar, peau d'anguille (1913), connaît un immense succès.

Victorien Jasset a également tourné des drames sociaux comme Au pays
des ténèbres (1912) et Rédemption (1912), d'autres séries policières à
épisodes comme les Bandits en automobile (1912), Tom Butler (1912) et
Protéa (1913), ainsi qu'un «drame du fanatisme indien» intitulé le Collier
de Kali (1913).

Cinéaste prolifique, styliste élégant et inventeur d'une forme de
réalisme fantastique teinté d’une poésie quasi surréaliste, Victorien
Jasset a connu un succès international de son vivant, particulièrement aux
États-Unis, avant de sombrer dans l'oubli après sa mort, à la veille de la
Première Guerre mondiale. Pionnier méconnu, il semble avoir été un jalon
essentiel dans l'histoire du cinéma, tant par son génie de la mise en
scène que par sa maîtrise des codes du divertissement populaire.

Jeanson, Henri

Henri Jeanson
(1900-1970)
Réalisateur
journaliste, scénariste et dialoguiste français

Né à Paris, Henri Jeanson pratique
activement le journalisme dans les années vingt comme reporter,
interviewer ou critique de cinéma, et se distingue par la virulence de son
style et un goût prononcé pour la polémique. En 1932, il signe le scénario
et les dialogues de la Dame de chez Maxim's d'Alexandre Korda, film qui
marque le début d’une brillante carrière d'écrivain de cinéma. Son talent
et son esprit sont sollicités par les plus grands cinéastes, tels Robert Siodmak (Mister Flow,
1936), Julien Duvivier (Pépé le Moko,
1936), Maurice Tourneur (le Patriote,
1937), Marc Allégret (Entrée des
artistes, 1938) ou Marcel Carné (Hôtel du Nord,
1938).

Ses articles anticonformistes et pacifistes pendant la guerre lui
valent de graves problèmes avec les autorités, tant françaises
qu'allemandes, et même de la prison. À la Libération, il retrouve sa place
au générique de nombreux films, parmi lesquels Un revenant (1946) et
Fanfan la Tulipe (1951) de Christian-Jaque, Copie conforme
(1946) de Jean Dréville, les Maudits (1947) de René Clément, la Minute de vérité
(1952) de Jean Delannoy, la Fête à
Henriette (1952) et Pot-bouille (1957) de Julien Duvivier, Montparnasse 19
(1957) de Jacques Becker, la Vache et le
Prisonnier (1959) d'Henri Verneuil.

Il n'est passé qu'une fois derrière la caméra pour réaliser Lady Paname
(1949), une évocation nostalgique du monde du spectacle dans les années
vingt, interprétée par Louis Jouvet et Suzy Delair.

Henri Jeanson a abandonné le cinéma en 1965 pour se consacrer au
journalisme polémique et à la rédaction de ses mémoires, qui seront
publiés sous le titre 70 Ans d'adolescence, quelques mois après sa
mort.

Jodorowski, Alejandro

Alejandro Jodorowski
(1930- )
Cinéaste
mexicain d’origine chilienne, également dramaturge et scénariste de bandes
dessinées

Né à Iquique (Chili), marqué par le
surréalisme, l’occultisme et le tarot, il commence très jeune à travailler
au théâtre en Amérique latine; puis il vient en France et devient metteur
en scène pour le mime Marcel Marceau, avant de créer le groupe Panique
avec Roland Topor et Fernando Arrabal.

Il attire l’attention le 24 mai 1965 en présentant Éphémères, un
happening démesuré, au Centre américain de Paris dans le cadre du
«Deuxième Festival de la libre expression».

Il réalise son premier film Fando et Lis (Fando y Lis, 1969), d’après
une pièce de Fernando Arrabal, puis tourne un
western insolite et barbare : El Topo (1970), dont il est aussi
l’interprète. On y découvre son goût de la provocation, un sens de la
violence d’une rare intensité, ainsi qu’une volonté d’initiation
ésotérique. Puis il signe un chef-d’oeuvre : la Montagne sacrée (The Holy
Mountain, 1973). Ce film baroque et fantasmagorique séduit le producteur
français Michel Seydoux qui lui confie une superproduction : la
transposition du roman de science-fiction de Frank Herbert, Dune. Mais
après plusieurs mois de préparation, avec la collaboration du dessinateur
Jean Giraud, il abandonne le projet, qui sera réalisé plus tard par David Lynch, et part en Inde
réaliser un film pour la jeunesse, adapté d’un roman de Reginald Campbell
: Tusk (1979), qu’il désavoue ensuite.

Devenu scénariste de bandes dessinées (la série John Difool) et
romancier, le Paradis des perroquets (el Paraíso de los loros, 1984), il
s’éloigne du cinéma et ne tourne que deux films en vingt ans : Santa
Sangre (1989), dans lequel il explore à nouveau un univers d’excès, de
folie et de délire avec une grande habileté artistique, puis le Voleur
d’arc-en-ciel (A Rainbow Thief, 1990).

Jurgens, Curd

Curd Jurgens
(1915-1982)
Acteur et
réalisateur allemand

Curd Jurgens a été l'un des interprètes les
plus connus du cinéma allemand d'après-guerre. Il a joué entre autres dans
les années cinquante dans le Général du diable (1955) et dans Der
Schinderhannes (1958). Sa carrière a été internationale. Cette photo
montre Jürgens en tsar Alexandre II lors du tournage du film historique
Katia (1959).

Né à Munich dans une famille aisée, Curd Jurgens passe une partie de sa
jeunesse à voyager, avant de monter sur les planches en 1934. Ses débuts
au cinéma remontent à la Valse royale (Königwalzer, 1935) de Herbert
Maish; il tourne ensuite dans de très nombreux films, notamment dans Die
Undekannte (1936) de Franz Wisbar, Paramatta, bagne de femmes (Zu neuen
Ufern, 1937) de Douglas Sirk et plusieurs films
de Willi Forst, dont Operette (1940), Frauen sind keine Engel (1943) et
Wiener Mendel (1945).

Il continue en parallèle sa carrière d'acteur de théâtre et, après la
défaite du IIIe Reich, écrit sa première pièce, Geliebter Michael. Il crée
la troupe Müncher Gastspielbühne Curd Jurgens et aborde la mise en scène
de théâtre, puis de cinéma avec So ein Theater (1950), puis Ganster
Premiere (1951). Par la suite, il réalise encore Ohne Dich Wird es Nacht
(1956) et Bankraub in der rue Latour (1961).

Extrêmement célèbre en RFA, il apparaît dans de nombreux films, dont
Der Engel mit der Posaune (1949) de Karl Hartl, Kussen ist keine Sund
(1950) de Ernst Marishka, 1er avril 2000 (A April 2000, 1952) de Wolfgang
Staudte, Das Bekenntnis der Ina Kahr (1954) de Georg Wilhelm Pabst, avant de
connaître une gloire mondiale pour sa création dans le Général du Diable
(Des Teufels General, 1954) de Staudte, puis Die Ratten (1955) de Robert Siodmak, réalisateur qu'il
retrouvera pour Katia (1959).

Il acquiert une grande réputation de séducteur, commence une carrière
internationale et apparaît en France dans Les héros sont fatigués (1955)
de Yves Ciampi, Et Dieu créa la femme (1956) de Roger Vadim, oeil pour oeil
(1956) d’André Cayatte, les Espions (1957)
d’Henri Georges Henri Heorges, Tamango (1957) de John Berry et Michel Strogoff
(1957) de Carmine Gallone.

À Hollywood, il tourne dans Amère Victoire (Bitter Victory, 1957) de Nicholas Ray, puis Torpilles sous
l'Atlantique (The Enemy Below, 1958) de Dick Powell, This Happy Feeling
(1958) de Blake Edwards, l'Auberge du
Sixième Bonheur (The Inn of Sixth Happiness, 1958) de Mark Robson et Lord
Jim (1964) de Richard Brooks.

Parmi son impressionnante filmographie, il faut encore citer le remake
de l'Ange bleu (The Blue Angel, 1959) d’Edward Dmytryk, Un château en
Suède (1963) de Roger Vadim, les Artistes sous le
chapiteau : perplexes (Die Artisten in der Zirkuscuppel : ratlos, 1968)
d’Alexander Kluge et l'Espion qui m'aimait (The Spy Who Loved me, 1977) de
Lewis Gilbert.

En 1976, Curd Jurgens a publié ses mémoires intitulés Et pas plus sage
pour autant (Und kein bisschen weise).

Jutra, Claude

Claude Jutra
(1930-1986)
Cinéaste
québécois

Né à Montréal, fils de médecin, il entreprend
des études en médecine qu’il abandonne pour le métier de comédien. Avec
Michel Brault, il réalise quelques courts métrages puis entre, en 1954, à
l’Office national du film, où il a la chance de collaborer avec Norman McLaren à la production de
Il était une chaise (1957). En 1961, il réalise avec Jean Rouch le Niger, jeune
république, puis, de retour au Québec, il donne deux films émouvants les
Enfants du silence et À tout prendre, qui attireront l’attention et qui
signeront l’acte de naissance du nouveau cinéma québécois. Celui-ci
connaîtra ensuite son chef-d’oeuvre avec Mon oncle Antoine (1970), dans
lequel Claude Jutra présente, avec son charme et sa désinvolture
habituels, le Québec des années quarante à travers un adolescent qui
rappelle un peu le jeune intellectuel d’À tout prendre. Pour la télévision
de langue anglaise, Jutra produit Ada (1977), Dreamspeaker (1977) et The
Wordsmith (1979), tous favorablement accueillis. D’un roman de Margaret
Atwood, il tire un nouveau film dramatique en 1981, Surfacing. Il réalise
ensuite By design (1982) et la Dame en couleurs (1985). Le souffle de Mon
oncle Antoine n’est plus là, de même qu’il manque à Kamouraska (1973),
adaptation du roman d’Anne Hébert.

En 1984, Jutra a reçu le prix Albert Tessier et Mon oncle Antoine a été
désigné comme le meilleur film de toute l’histoire du cinéma canadien. En
1993, l’Académie du cinéma et l’Office national du film (ONF) ont créé le
prix Claude-Jutra, destiné à récompenser le meilleur réalisateur d’un
premier long métrage.

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