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Gallone, Carmine

Carmine Gallone
(1886-1973)
Cinéaste
italien

Cinéaste italien, dont la carrière s'étendit
sur près de cinquante ans et fut composée de comédies musicales, d'opéras
et de reconstitutions historiques (péplums). Après quelques années
consacrées à l'écriture de poèmes et de pièces de théâtre, il commença à
écrire et à réaliser des films en 1913. Il réalisa des mélodrames et des
épopées, construits notamment autour de sa femme, l'actrice Soava Gallone,
et tournés en Italie, en Allemagne, en Autriche et en France. Parmi ses
plus grands succès, on peut citer la Fille de la tempête (la Figlia della
tempesta, 1920) et les Derniers Jours de Pompéi (gli Ultimi Giorni di
Pompei, 1926). Avec l'avènement du parlant, il se spécialisa dans les
comédies musicales, comme la Ville de la chanson (Die Singende Stadt,
1930) et le Chant du marin (1931). Il adapta à l'écran des opéras dans
lesquels jouait le ténor Beniamino Gigli. Il mit également son talent au
service de la propagande fasciste : il réalisa notamment le film Scipion
l'Africain (Scipione l'Africano, 1937), une épopée sur la Rome antique,
financée par le gouvernement fasciste pendant l'invasion de l'Éthiopie
(Abyssinie).

Après la Seconde Guerre mondiale, Gallone réalisa plus de films tirés
d'opéras, comme Rigoletto (1947), Duel en Sicile (Cavalleria rusticana,
1953) et Madame Butterfly (1955), mais également des épopées historiques
telles que Carthage en flammes (Cartagine in fiamme, 1959). Il mit fin à
sa carrière en 1962 et mourut à Frascati le 12 mars 1973.

Gance, Abel

Abel Gance
(1889-1981)
Cinéaste français,
dont l’influence fut déterminante pour l’évolution du langage et de la
technique cinématographiques

Attiré très jeune par la littérature et le
théâtre, cet autodidacte de génie, grand admirateur de Sarah Bernhardt, se
mit rapidement à écrire des scénarios et à les réaliser (la Digue, 1911,
le Nègre blanc, 1912, Un drame au château d’Acre, 1915). Une imagination
délirante et un esprit visionnaire caractérisent d’emblée ses premières
grandes créations, comme Mater dolorosa (version muette, 1917 ; version
sonore, 1937) et la Dixième Symphonie (1918). Utilisant la technique du
montage, procédé révolutionnaire introduit par David W. Griffith, il sut
l’exploiter à l’extrême dans J’width="180" (version muette, 1918 ; version
sonore, 1938) et dans la Roue, mélodrame émouvant qui, en 1921, éleva le
cinéma au statut d’art. A. Gace fut, avec Louis Delluc et Marcel
L’Herbier, un pionnier du cinéma français : il inventa de nouvelles
techniques, comme l’utilisation d’un traîneau ou d’un cheval pour porter
la caméra, la multiplication des plans surimpressions, les ruptures de
séquences rapides, et le triple écran (précurseur de l’écran large). A.
Gance prédit également l’avènement du cinéma parlant. En 1926, il acheva
son film le plus célèbre, Napoléon, au sujet duquel il confia à son équipe
de techniciens et d’acteurs : «Il va nous permettre d’entrer dans le
temple des arts par la gigantesque porte de l’Histoire.» Ce film, sonorisé
en 1934, et modifié par A. Gance lui-même en 1971, fut redécouvert en
1980. Sa présentation, sur l’initiative de Francis Ford Coppola, reçut un triomphe à New York,
Londres, Rome et Paris. Parmi les dernières réalisations d’A. Gance, on
peut citer la Tour de Nesle (1954) et Austerlitz (1960), films qui ne
connurent guère de succès. Durant les dernières années de sa vie, il
sombra dans l’oubli. Malgré l’ultime triomphe de son Napoléon et un césar
d’honneur en 1980, sa mort passa pratiquement inaperçue.

Albert Dieudonné dans Napoléon (1927)
d'Abel Gance.
Tourné entre 1925 et 1926, mais projeté pour la
première fois en 1927, le long-métrage d'Abel Gance est l'un des plus
grands chefs-d'oeuvre du cinéma français. Le réalisateur en proposa une
version sonorisée en 1934, puis un nouveau montage en 1970. En 1981, à
l'initiative de Francis Ford Coppola, le Britannique Kevin Brownlow
entreprit une reconstitution quasi intégrale du film, d'une durée de plus
de cinq heures. Cette dernière version, distribuée à New York en 1981,
puis à Londres et à Paris en 1983, connut un succès considérable.

Garrel, Philippe

Philippe Garrel
(1948- )
Cinéaste
français

Né à Boulogne-Billancourt dans une famille de
marionnettistes et de comédiens, il quitte le lycée à treize ans, réalise
un premier essai cinématographique à quatorze ans (Une plume pour Carole,
1962), suit des cours de peinture au musée des Arts Décoratifs, tourne un
court métrage (les Enfants désaccordés, 1964), puis un autre (Droit de
visite, 1965), remarqué par François Truffaut. Il entre à
l’ORTF pour réaliser une émission sur une jeune fille de la bourgeoisie
(Anémone, 1966), qui déplaît aux producteurs et n’est pas diffusée. Après
avoir subtilisé une copie du film, il la projette dans un cinéma du
Quartier latin et entame un procès contre la télévision d’État.

Passionné par les livres d’André Breton, les films de Jean-Luc Godard et la beat
generation, il réalise son premier long métrage (Marie pour mémoire,
1967), qui obtient le grand prix du festival d’Hyères l’année suivante et
lui vaut la reconnaissance des Cahiers du cinéma et l’amitié de Henri
Langlois. Après les événements de Mai 68 et sa participation au film
militant Actua 1 (1968), il part en Bavière pour réaliser en quinze jours
un film muet expérimental et poétique (le Révélateur, 1968), avec
Bernadette Lafont et Laurent Terzieff. Aidé ensuite par la mécène Sylvina
Boissonas, il signe la Concentration (1968), joué par Zouzou et
Jean-Pierre Léaud; puis le Lit de la Vierge (1969), avec Pierre Clémenti et la Cicatrice
intérieure (1970), un poème visuel aux images inoubliables. Considéré
alors comme le Rimbaud du cinéma, il tente diverses expériences : Athanor
(1942), les Hautes Solitudes (1974), Un ange passe (1975), le Berceau de
cristal (1975), Voyage au pays des morts (1976) et le Bleu des origines
(1978), autant d’essais inclassables qui le mettent en marge du système et
ne voient le jour que grâce aux aides apportées par des amis comme Henri
Langlois ou Paolo Branco. Considérés comme des productions underground,
uniquement montrés dans des festivals ou des salles de cinéma
indépendantes, ces films marquent néanmoins profondément tout le cinéma de
cette époque.

Sans trahir ses conceptions artistiques et tout en restant fidèle
width="330" à son style, il prend une autre direction avec l’Enfant secret
(1979-1982), film autobiographique passant sans cesse du réel à la fiction
et qui obtient le prix Jean-Vigo en 1982. L’INA produit alors Liberté la
nuit (1983). Il participe ensuite au film collectif Paris vu par, 20 ans
après - avec un court métrage intitulé Rue Fontaine (1984) - et tourne
Elle a passé tant d’heures sous les sunlights (1984), une somme de ses
recherches qu’il dédie à son ami le cinéaste Jean Eustache.

Après quelques années de silence, c’est la télévision qui le ramène à
la création en lui commandant un essai sur les jeunes cinéastes (les
Ministères de l’art, 1988), puis les Films de l’Atalante produisent les
Baisers de secours (1988) et J’entends plus la guitare (1990), consacré
par le lion d’argent au festival de Venise de 1991. Enfin reconnu comme
l’un des plus importants cinéastes français depuis la Nouvelle Vague,
Garrel tourne encore la Naissance de l’amour (1993) et le Coeur fantôme
(1996).

Germi, Pietro

Pietro Germi
(1914-1974)
Cinéaste et
acteur italien, connu à la fois pour ses premiers films néoréalistes et
pour ses comédies sociales

Né à Gênes, Pietro Germi suivit à Rome les
cours de mise en scène et d'interprétation du Centre expérimental de
cinématographie. D'abord tenté par une carrière d'acteur, il se tourna
rapidement vers la réalisation. Il tourna son premier film, le Témoin (il
Testimone), en 1946, sous la direction d'Alessandro Blasetti dont il fut
un temps l'assistant. Représentative de l'évolution du cinéma italien de
l'après-guerre jusqu'aux années 1970, l'oeuvre de P. Germi, soit dix-huit
films au total pour la plupart tournés en Sicile, se divise en deux
périodes distinctes. De 1946 à 1958, ses réalisations où dominent les
thèmes sociaux, comme la corruption dans Au nom de la loi (In nome della
legge, 1949), ou l'émigration dans le Chemin de l'espérance (il Cammino
della speranza, 1950) relèvent essentiellement du néoréalisme. Au début
des années 1960, après le film charnière que fut Meurtre à l'italienne (Un
maledetto imbroglio,width="330"réalisa des comédies de moeurs qui
assurèrent sa célébrité : Divorce à l'italienne (Divorzio all'italiana,
1961) - pour lequel il reçut l'oscar du meilleur scénario -, Séduite et
abandonnée (Sedotta e abbandonata, 1964) ou encore Ces messieurs dames
(Signore e signori, 1965), constituent une sorte de tétralogie sur la
médiocrité des passions humaines. P. Germi fut, par ailleurs, acteur dans
plusieurs de ses propres films, mais également sous la direction de Mario Soldati et de Damiano
Damiani.

Germi, Divorce à
l'italienne
Le film Divorce à l'italienne (1961) de Pietro Germi
est une satire perçante des moeurs et des thèmes brûlants de l'Italie de
l'époque, comme l'impunité du «délit d'honneur» et l'indissolubilité du
mariage. Ici la femme du baron Fefè Cefalù est engloutie par les sables
mouvants, selon les rêves de son époux, Marcello Mastroianni. La femme est
interprétée par Daniela Rocca, tandis que l'autre rôle féminin était
confié à Stefania Sandrelli dans l'une de ses premières apparitions.
Figurant parmi les maîtres du néoréalisme, Germi commença sa carrière de
réalisateur, et d'acteur, avec des oeuvres sociopolitiques pour évoluer
vers les comédies de moeurs.

Gilliam, Terry

Terry Gilliam
(1940- )
Cinéaste et
animateur américain

Né à Minneapolis (Minnesota), Terry Gilliam
vit à Los Angeles à partir de l’âge de treize ans et entre à l’Occidental
College de Pasadena où il débute comme dessinateur et caricaturiste du
journal de l’établissement. En 1962, il part à New York et devient
rédacteur en chef adjoint de Help, revue dirigée par Harvey Kurtzmann, le
fondateur du célèbre journal satirique Mad. Il s’oriente ensuite vers
l’animation. En 1965, il voyage en Europe et demeure quelque temps à Paris
où il collabore au journal de bandes dessinées Pilote.

En 1967, il s’installe à Londres, écrit pour la télévision, et devient
en 1969 l’un des membres fondateurs du groupe iconoclaste Monty Python. Il
cosigne avec Terry Jones Monty Python, Sacré Graal ! (Monty Python and the
Holy Grail, 1974), puis met en scène Jabberwocky (1974) et Bandits,
Bandits (Time Bandits, 1981). Il retrouve les Monty Python pour réaliser
la spectaculaire séquence d’ouverture de Monty Python, le Sens de la vie
(The Meaning of Life, 1982) de Terry Jones et réalise ensuite un
chef-d’oeuvre, Brazil (1983) - fable fantastique grinçante sur
l’aliénation et le totalitarisme -, pour lequel il invente des truquages
magnifiques. Il tourne encore les Aventures du baron de Munchhausen (The
Adventures of Baron Munchhausen, 1988) et Fisher King, le Roi-pêcheur (The
Fisher King, 1991), dans lesquels il approfondit ses recherches plastiques
et narrwidth="330"

Ses films suivants sont l’Armée des douze singes (Twelve Monkeys,
1995), avec Bruce Willis - une adaptation du court métrage de
science-fiction français la Jetée (1962) de Chris Marker - et Las Vegas
Parano (Fear and Loathing in Las Vegas, 1998) - une adaptation acide et
burlesque de l’oeuvre de Hunter S. Thompson, journaliste vedette de la
contre-culture et du mouvement psychédélique américain des années
soixante-dix.

Girod, Francis

Francis Girod
(1944- )
Comédien,
producteur et cinéaste français

Né à Semblançay dans l’Indre-et-Loire, il est
d’abord journaliste au Nouvel Observateur, assistant réalisateur, écrivain
(Manuel de la pensée yé-yé, 1966), comédien, puis producteur avant de
réaliser le Trio infernal (1974), dans lequel Romy Schneider et Michel
Piccoli surprennent et séduisent le grand public dans des rôles
provocants. Mais son film suivant, René la Canne (1976), déconcerte par sa
volonté burlesque. L’anticolonialiste l’État sauvage (1978), d’après le
roman de Georges Conchon, lui fait retrouver le public et il obtient
ensuite un succès mondial avec la Banquière (1980).

Soucieux de ne pas s’enfermer dans un style et un genre, il passe du
film policier (le Grand Frère, 1982, avec Gérard Depardieu) à la chronique
politique (le Bon plaisir, 1984), du film noir (Descente aux enfers, 1986,
d’après le roman de David Goodis) à la comédie sur la jeunesse (l’Enfance
de l’art, 1988), revient au film en costumes avec Lacenaire (1990),
réalise un film policier, Délit mineur (1993), enchaîne avec un thriller
inquiétant, Passage à l’acte (1996) puis réaliste un pamphlet contre les
révisionnistes, Terminale (1998).

Longtemps président de la Société des réalisateurs français, il est
aussi professeur au Conservatoire national supérieur d’art dramatique
depuis 1983.

Godard, Jean-Luc

Jean-Luc Godard
(1930- )
Réalisateur
français d'origine suisse

Né à Paris, Jean-Luc Godard est issu d’une
famille protestante de la bourgeoisie suisse et fait sa scolarité à Nyon
(Vaud), puis au lycée Buffon à Paris. Entré à la Sorbonne en 1949 pour y
étudier l'ethnologie, il fréquente surtout les salles de cinéma, la
cinémathèque de l'avenue de Messine et le ciné-club du Quartier latin.

JEUNESSE D'UN CRITIQUE

Cinéphile passionné et admirateur de la peinture, de la littérature et
de la musique, il se lie d'amitié avec André Bazin, Éric Rohmer, François Truffaut et Jacques Rivette.

Son estime pour Henri Langlois et Roberto Rossellini l’incite à
devenir réalisateur, mais il commence par la critique de cinéma, d'abord
sous le pseudonyme de Hans Lucas, dans la Gazette du cinéma puis aux
Cahiers du cinéma ainsi que pour le journal Arts. Il y défend les films
d’Alexandre Astruc, Robert Bresson, Ingmar Bergman, Samuel Fuller, Alfred Hitchcock, Fritz Lang, Joseph Mankiewicz, Anthony Mann, Nicholas Ray, Jean Renoir, Jean Rouch, Douglas Sirk et Frank Tashlin. Son approche de la
critique mêle l’ironie et la provocation à de grandes qualités littéraires
et lui vaut d’emblée une réputation d'inclassable.

Parallèlement à cette activité journalistique, il exerce divers métiers
: cameraman pour la télévision zurichoise, livreur pour une librairie ou
assistant monteur.

LE TEMPS DU COURT MÉTRAGE

En 1954, il travaille comme manoeuvre sur le chantier d'un barrage en
Suisse et investit son salaire dans la réalisation d’un documentaire en 35
mm sur ce chantier : Opération béton (1954). Il s’essaye ensuite à la
fiction avec Une femme coquette (1955), avant d'être financé par Pierre
Braunberger pour deux courts sujets, Tous les garçons s'appellent Patrick
(1957), avec Jean-Claude Brialy en vedette, et Charlotte et son Jules
(1958), avec Jean-Paul Belmondo. Il réutilise aussi du matériau filmé par
François Truffaut pour en faire
un documentaire intitulé Histoire d'eau (1958).

Ces essais annoncent déjà le style très personnel qu'il va développer
par la suite, marqué par le goût de la citation, l’importance de la
bande-son, les ellipses et les collages.

NOUVELLE VAGUE

Partant d'un synopsis de François Truffaut et parrainé par
Claude Chabrol, il tourne À bout
de souffle (1959) grâce au producteur Georges de Beauregard. Le film
devient le manifeste de la Nouvelle Vague et fait de Jean-Paul Belmondo
une vedette. Le tournage clandestin de certaines scènes sur les
Champs-Élysées, les prises de vue de Raoul Coutard, souvent en lumière
naturelle, le montage délibérément non linéaire, l’association de la
fiction et du documentaire et surtout la liberté et l'insolence du ton ont
fait de cette oeuvre un grand tournant du cinéma moderne.

Godard, À bout de
souffle
Voleur recherché par la police, Michel Poicard (Jean-Paul
Belmondo) se réfugie chez une jeune Américaine, Patricia (Jean Seberg),
dont il tombe amoureux. Celle-ci sera forcée de le dénoncer. Réalisé par
Jean-Luc Godard sur une idée de François Truffaut, le film
demeure le plus emblématique de la Nouvelle Vague.

Son film suivant, le Petit Soldat (1960) révèle la comédienne Anna
Karina et s’interroge sur l'OAS, mais il est interdit pendant trois ans
par la censure. Il tourne alors Une femme est une femme (1961), son
premier film en CinémaScope et en couleurs, une réflexion mélancolique et
pleine d'humour sur le langage cinématographique, en forme de comédie
musicale.

Il détourne ensuite l'acteur Eddie Constantine de ses emplois de dur à
cuire pour la Paresse (1961), un sketch des Sept Péchés capitaux, puis
réalise une oeuvre puissante et juste sur la prostitution, Vivre sa vie
(1962), dont la facture met à nouveau en cause les limites entre cinéma de
fiction et cinéma documentaire.

Ses oeuvres suivantes déclenchent toujours des polémiques, que ce soit
son sketch de science fiction le Nouveau Monde pour le film collectif
Rogopag (1962), sa fable brechtienne contre la guerre, les Carabiniers
(1963), son sketch le Grand Escroc (1963) pour les Plus Belles
Escroqueries du monde ou son admirable adaptation du roman d'Alberto
Moravia le Mépris (1963), dont Michel Piccoli est la vedette aux côtés de
Brigitte Bardot et du réalisateur Fritz Lang.

NOUVELLES VOIES

Au fil des années, Godard se distingue de plus en plus par sa capacité
à déconstruire avec audace et radicalisme les genres et les normes
cinématographiques, n'hésitant pas à commenter lui-même son film sur la
bande-son, comme dans le « film noir» Bande à part (1964) ou à faire une
oeuvre pratiquement abstraite de politique-fiction, Made in USA
(1966).

Il agit de même avec la comédie dans Montparnasse-Levallois (1966), un
sketch de Paris vu par, avec la science-fiction dans Alphaville (1965) et
Anticipation (1966), sketch du Plus vieux métier du monde, et avec le film
social dans Une femme mariée (1964), Masculin féminin (1966), Deux ou
trois choses que je sais d'elle (1966) et Loin du Viêt nam (1966).

Au cours de cette période, il signe Pierrot le fou (1965), un
flamboyant road-movie avec Jean-Paul Belmondo et Anna Karina, dont la
forme moderne, poétique et révolutionnaire va marquer définitivement
l'histoire du cinéma.

ENGAGEMENT POLITIQUE

Observateur assidu des mouvements d'idées de son époque, il engage à
nouveau un travail entre documentaire et fiction avec la Chinoise (1967),
Week-end (1967) et le sketch l'Aller et retour des enfants prodiges (1967)
dans Vangelo 70. On peut voir dans ces oeuvres une annonce des événements
de Mai 68, pendant lesquels il signe un puissant manifeste contestataire,
le Gai Savoir (1968), avant de s'engager davantage dans le militantisme
avec Ciné Tracts (1968), Un film comme les autres (1968), One plus One
(Sympathy for the Devil, 1968), où il mêle le documentaire sur
l'enregistrement d'un album des Rolling Stones avec des séquences de
discours révolutionnaires, et enfin British Sounds (1969), réalisé avec
Jean-Henri Roger.

En 1969, il fonde avec Jean-Pierre Gorin le groupe Dziga Vertov, signataire de
Pravda (1969), Vent d'est (1969), Luttes en Italie (1969), Vladimir et
Rosa (1971). Tout va bien (1972) est le seul film de cette époque qu’il a
réalisé avec des vedettes, Yves Montand et Jane Fonda, et le seul aussi à
avoir été diffusé en circuit officiel.

EXPÉRIMENTATION ET RÉSISTANCE

Après un grave accident qui l'immobilise pendant de longs mois, il
s'installe à Grenoble et reprend ses travaux avec sa compagne Anne-Marie
Miéville pour interroger la société française à la façon d’un ethnologue
avec Numéro deux (1975) et Comment ça va (1975), puis il travaille pour la
télévision avec des séries didactiques autant qu'expérimentales : Six fois
deux (Sur et sous la communication, 1976) et France tour détour deux
enfants (1977-1978).

RETOUR AU CINÉMA

En 1979, les producteurs Alain Sarde et Marin Karmitz l’incitent à
revenir au cinéma en 35 mm. pour Sauve qui peut (la vie), avec Jacques
Dutronc, Isabelle Huppert et Nathalie Baye en vedettes, puis Passion
(1981) qui sont tous deux présentés avec succès en compétition officielle
au festival de Cannes.

Les thèmes de la prostitution, de l'art, de la violence et de la folie
se conjuguent à nouveau dans son oeuvre, servis par un admirable regard
poétique. Il joue l’un des rôles principaux de son Prénom Carmen (1982),
qui obtient le lion d'or au festival de Venise, puis interroge le sacré et
le profane avec une étonnante modernité dans Je vous salue Marie (1983),
avant de donner un beau rôle à Johnny Hallyday dans Détective (1985).

Il détourne ensuite, pour la télévision française, un roman policier en
réflexion sur le destin du cinéma dans Grandeur et décadence d'un petit
commerce de cinéma (1986), puis interprète un personnage burlesque dans le
décapant Soigne ta droite (1987), dirige Woody Allen dans son seul film
américain, King Lear (1987), et réalise des films publicitaires et
industriels sans renoncer ni à sa manière ni à ses idées, que ce soit avec
Puissance de la parole (1988) commandé par France Télécom ou avec le
Rapport Darty (1989). Il donne enfin l’un de ses plus beaux rôles à Alain
Delon dans l’énigmatique Nouvelle Vague (1990), aux côtés de Domiziana
Giordano.

AU-DELÀ DES ÉTOILES

Pendant les dix années qui suivent, il interroge le cinéma dans ses
Histoire(s) du cinéma (1988-1998) et dans 2 × 50 ans de cinéma français
(1996), tout en réalisant d'autres films sans concessions comme Allemagne
neuf zéro (1991) sur la chute du mur de Berlin, Les enfants jouent à la
Russie (1993) sur le cinéma des pays de l'Est, Hélas pour moi (1993) sur
l'existence de Dieu avec Gérard Depardieu en vedette, JLG / JLG un film
autobiographique, avant de signer un pamphlet sur le cinéma et la guerre
dans les Balkans, Forever Mozart (1996).

Bien que souvent contesté, voire détesté, cet inlassable questionneur
du langage cinématographique est incontestablement l’un des auteurs les
plus inventifs et les plus importants de l'histoire du cinéma.

Entretien avec Jean-Luc Godard

Dans cet entretien, accordé en 1961 aux Cahiers du Cinéma auxquels il
collaborait depuis les années cinquante, Jean-Luc Godard explique comment
l’exercice de la critique cinématographique, et plus généralement de
l’écriture, a été déterminant dans l’approche et dans la pratique du
cinéma qu’ont défendues les réalisateurs de la Nouvelle Vague.

Nous nous considérions tous, aux Cahiers, comme de futurs metteurs en
scène. Fréquenter les ciné-clubs et la cinémathèque, c'était déjà penser
cinéma et penser au cinéma. Écrire, c'était déjà faire du cinéma, car,
entre écrire et tourner, il y a une différence quantitative, non
qualitative. Le seul critique qui l'ait été complètement, c'est André
Bazin. Les autres, Sadoul, Balzasz ou Pasinetti, sont des historiens ou
des sociologues, pas des critiques.

En tant que critique je me considérais déjà comme cinéaste. Aujourd'hui
je me considère toujours comme critique, et, en un sens, je le suis plus
encore qu'avant. Au lieu de faire une critique, je fais un film, quitte à
y introduire la dimension critique. Je me considère comme un essayiste, je
fais des essais en forme de romans ou des romans en forme d'essais :
simplement, je les filme au lieu de les écrire. Si le cinéma devait
disparaître, je me ferais une raison : je passerais à la télévision, et si
la télévision devait disparaître, je reviendrais au papier et au crayon.
Pour moi, la continuité est très grande entre toutes les façons de
s'exprimer. Tout fait bloc. La question est de savoir prendre ce bloc par
le côté qui vous convient le mieux.

Je pense aussi qu'on peut très bien devenir cinéaste sans passer par la
critique. Il s'est trouvé que, pour nous, les choses se sont passées comme
je l'ai dit mais ce n'est pas une règle. D'ailleurs Rivette, Rohmer, faisaient des films en 16
mm. Mais si la critique était le premier échelon d'une vocation, elle
n'était pas pour autant un moyen. On dit : ils se sont servis de la
critique ! Non : nous pensions cinéma, et, à un certain moment, nous avons
éprouvé le besoin d'approfondir cette pensée.

La critique nous a appris à aimer à la fois Rouch et Eisenstein. Nous lui devons de ne
pas exclure tel aspect du cinéma au nom d'un autre aspect du cinéma. Nous
lui devons aussi de faire des films avec une plus grande distance et de
savoir que, si telle chose a déjà été faite, il est inutile de la refaire.
Un jeune écrivain qui écrit aujourd'hui sait que Molière et Shakespeare
existent. Nous, nous sommes les premiers cinéastes à savoir que Griffith existe. Même Carné, Delluc ou René Clair, quand ils ont fait
leurs premiers films, n'avaient aucune vraie formation critique ou
historique. Même Renoir en avait peu. Il est vrai
que lui avait du génie.

Source : Jean-Luc Godard par Jean-Luc
Godard, éditions Belfond, coll. « Cahiers du Cinéma», Paris
1968.

Les principaux films de Godard

1959

À bout de
souffle

1960

Le Petit
Soldat

1961

Une femme est
une femme

1962

Vivre sa
vie

1963

Les
Carabiniers

1963

Le
Mépris

1964

Bande à
part

1964

Une femme
mariée

1965

Alphaville

1965

Pierrot le
Fou

1966

Masculin-Féminin

1966

Made in
USA

1966

Deux ou Trois
Choses que je sais d'elle

1967

La
Chinoise

1967

Week-end

1968

Le Gai
Savoir

1968

Ciné-Tracts

1968

One Plus
One

1972

Tout va
bien

1979

Sauve qui peut
(la vie)

1981

Passion

1982

Prénom
Carmen

1983

Je vous salue
Marie

1984

Détective

1987

Soigne ta
droite

1987

King
Lear

1990

Nouvelle
Vague

1991

Allemagne neuf
zéro

1993

Les enfants
jouent à la Russie

1993

Hélas pour
moi

1994

JLG/JLG

1996

For Ever
Mozart

Godbout, Jacques

Jacques Godbout
(1933- )
Romancier,
cinéaste, journaliste et éditeur québécois

Né à Montréal, détenteur d'une maîtrise ès
arts de l'université de Montréal (1954), il enseigne le français pendant
trois ans à l'université d'Addis-Abeba en Éthiopie. Il entre à l'Office
national du film du Canada en 1958, à titre de traducteur puis de
scénariste et de réalisateur. Il participe à la fondation de la revue
Liberté (1959) et du Mouvement laïque de la langue française et devient en
1977 président-fondateur de l'Union des écrivains québécois.

Observateur de la société québécoise et nord-américaine, Jacques
Godbout sait proposer une réflexion à travers ses films et ses livres. Son
travail de cinéaste touche à différents genres explorant de nouvelles
idées, les nouvelles valeurs, la politique nationale et internationale.
Prolifique et soucieux de rigueur intellectuelle, il réalise plusieurs
documentaires et quelques films de fiction comme les populaires Kid
sentiment (1967), IXE-13 (1971), la Gammick (1974). Son expérience de
journaliste l'incite à réaliser plusieurs films à thèmes politique et
historique tels que Feu l'objectivité (1979), Distorsions (1981), le
Mouton noir (1992) et le Sort de l'Amérique (1997).

Son abondante oeuvre littéraire (prix David, 1985) aborde des sujets
parallèles à ceux de ses films avec un ton parfois humoristique et une
égale recherche dans l'écriture. Il commence sa carrière littéraire par la
publication de poèmes, Carton-pâte (1956), les Pavés secs (1958), Le choix
est un commencement (1959) et C'est la chaude loi des hommes (1960).

Son premier roman, l'Aquarium, paru en 1962, lui apporte une
reconnaissance officielle consacrée par l'obtention du prix France-Canada,
en 1962. Suivent, le Couteau sur la table (1965), prix de l'Académie
française, Salut Galarneau ! (1967), prix du Gouverneur général du Canada,
D'Amour P.Q. (1972), les Têtes à Papineau (1981), le Temps des Galarneau
(1993) et des essais tels que l'Écran du bonheur (1990) et l'Idée d'un
pays (1998).

Figure importante du Québec, ce cinéaste-écrivain a réussi avec brio à
mener simultanément ses deux carrières, posant, par les mots et les
images, le problème de l'identité du peuple québécois et de sa dualité
linguistique. Le thème de l'américanité lui inspire le film Comme en
Californie (1987) et le roman Une histoire américaine (1987). Dans cette
même ligne, il produira, en 1988, Alias Will James, inspiré de la vie d'un
Canadien français devenu un prolifique auteur américain, passionné par la
vie du Far West.

Goretta, Claude

Claude Goretta
(1929- )
Cinéaste suisse,
l’un des principaux représentants, avec Alain Tanner et Michel Soutter, de la Nouvelle
Vague suisse francophone révélée aux environs de 1970

Né à Genève, Claude Goretta s’orienta très
jeune vers le cinéma, réalisant, en compagnie d’Alain Tanner, un documentaire sur
Londres en 1957. Il travailla de façon régulière pour la télévision suisse
romande, et tourna à quarante ans son premier film de fiction, le Fou
(1970), avec François Simon (le fils de Michel Simon).

Dans l’Invitation (avec Michel Robin et Jean-Luc Bideau, 1972), son
long-métrage le plus célèbre, il décrivit le dévoilement progressif des
rêves et des rancoeurs d’un petit groupe d’individus conviés à une fête.
Installé en France, il réalisa ensuite des films décrivant des êtres
ordinaires étouffés par la société : Pas si méchant que ça (avec Gérard
Depardieu, 1974), la Dentellière, adaptation fidèle du roman de Pascal
Lainé (avec Isabelle Huppert, 1977), la Provinciale (avec Nathalie Baye,
1981), la Mort de Mario Ricci (qui valut à Gian-Maria Volontè le prix
d’interprétation au festival de Cannes en 1983).

Réalisé en 1987 d’après un roman de Charles Ferdinand Ramuz, Si le
soleil ne revenait pas offrit à Charles Vanel l’une de ses dernières
compositions.

Graham, Dan

Dan Graham
(1942- )
Artiste multimédia
américain dont les oeuvres assurent une pensée critique

Critique, poète, photographe, cinéaste (Body
Press), vidéaste, performer, Dan Graham témoigne par la multitude de ses
domaines d’intervention de l’identité plurielle de l’artiste contemporain.
Ainsi, dans les années soixante, après des débuts de galeriste à New York,
Dan Graham introduit directement ses oeuvres (Scheme, Schema, Figurative)
dans les pages de revues spécialisées - ou non : presse féminine, rock,
etc., dans le but avoué de critiquer les relations de dépendance
économique entre l’art et les médias écrits.

C’est cette dimension critique qui unifie les différentes productions
de cet artiste dont on connaît aussi les écrits théoriques : My Position,
écrits sur mes oeuvres et Rock My Religion. Ainsi, les relations au
spectateur sont problématisées dès 1975 avec son installation Two Viewing
Rooms : les spectateurs occupent deux salles séparées par des miroirs sans
tain et se regardent s’observer. Cette attention à la perception du public
est le sujet de la vidéo tirée de cette expérience, ou encore mobilise sa
pièce Performance/Audience/Mirror Video (1977), dans laquelle Dan Graham
fait part aux spectateurs de l’image qu’il a d’eux (il s’adresse face au
public), alors qu’eux-mêmes se voient dans un miroir placé derrière
l’artiste. Ce dispositif leur permet de comparer le regard de l’artiste
sur eux avec le spectacle de leur propre image réfléchie.

Le miroir, surface privilégiée par l’artiste (Way Mirror and Hedge
Labyrinth, 1989), sera réutilisé pour les Pavillons des années
quatre-vingt-dix, à savoir des constructions en plein air entre la
sculpture monumentale et l’architecture (Pavillon avec double triangle
pour Hambourg, 1992). Il s’agit donc d’exposer le monde (l’environnement)
qui vient se réfléchir sur les parois.

L’oeuvre, dès lors, est là pour montrer ce qui l’entoure : le monde
auquel appartient, de fait, le spectateur.

Grangier, Gilles

Gilles Grangier
(1911-1996)
Réalisateur
français.

Né à Paris, Gilles Grangier entre en 1934
dans la profession cinématographique par la porte étroite de la
figuration. Puis il apprend le métier aux postes d'assistant-régisseur, de
régisseur et, enfin, d'assistant-réalisateur. Pendant le tournage de Sur
le plancher des vaches (1939), où il assiste Pierre-Jean Ducis, il se lie
d'amitié avec le comédien Noël-Noël grâce auquel il signe
son premier film, Adémaï bandit d'honneur (1943).

Artisan modeste, Grangier n'affiche pas d'autre ambition, en trente ans
de carrière, que celle de distraire. Il réalise près de cinquante films
dont beaucoup connaissent des succès publics. Parmi ces films figurent des
comédies légères comme Histoire de chanter (1947), Au p'tit zouave (1950),
le Plus Joli Péché du monde (1950) et l'Amour madame (1952). Grangier
réalise également des drames de moeurs dans lesquels il manifeste un sens
aigu de l'observation des milieux socioprofessionnels - comme celui des
mariniers dans la Vierge du Rhin (1953) ou des routiers dans Gas-oil
(1955) - et il porte une attention particulière aux faits et gestes de la
vie en province, notamment à Sens (Danger de mort, 1947) ou à La Rochelle
(le Sang à la tête, 1956).

Les grandes vedettes que choisit Grangier et dont il a gagné l'amitié
et la confiance, contribuent à l'audience de nombre de ses films. Bourvil
en tourne trois sous sa direction et Fernandel cinq. La Cuisine au beurre
(1963), qui réunit ces deux acteurs, est un triomphe. Jean Gabin, dont il
est le cinéaste favori, tourne douze films avec Grangier parmi lesquels Le
rouge est mis (1957), Archimède le clochard (1959), les Vieux de la
vieille (1960), le Gentleman d'Epsom (1962) et surtout le Désordre et la
nuit (1958), film noir considéré comme le meilleur de son auteur.

Granier-Deferre, Pierre

Pierre Granier-Deferre
(1927- )
Cinéaste
français

Cinéaste français prolifique longtemps
considéré comme un simple réalisateur commercial, mais que plusieurs
adaptations de livres de Simenon et quelques sujets originaux des années
1980 ont permis de réévaluer. Artisan consciencieux, il n'a jamais
revendiqué le statut d'auteur. Quelques adaptations, dont le Chat (1971),
la Veuve Couderc (1972), d'après Simenon (qui seront suivies de l'Étoile
du nord, en 1982) lui apportent une certaine reconnaissance
professionnelle et critique. Il a fait preuve plus récemment d'un gôut
prononcé pour des situations ambiguës aux ressorts psychologiques moins
traditionnels : Une Étrange affaire (1981), l'Ami de Vincent (1983), Cours
privé (1986), Archipel (1993).

Greenaway,
Peter

Peter Greenaway
(1942-
)
Artiste et réalisateur britannique, à qui l’on doit notamment
"Meurtre dans un jardin anglais"

Il étudia la peinture au Walthamstow College of
Art avant de se lancer dans la réalisation de films. Greenaway travailla
tout d’abord pour le Central Office of Information sur de petits films
documentaires et publicitaires avant de s’attaquer à des courts métrages
expérimentaux et des documentaires d’une plus grande technicité (Train,
1966; Tree, 1966; Intervals, 1969; Erosion, 1971, etc.). Ses deux premiers
longs métrages, The Falls (1980) et Meurtre dans un jardin anglais (The
Draughtsman’s Contract, 1982), furent financés par le British Film
Institute, tandis que ses derniers films reçurent le soutien d’organismes
internationaux.

Greenaway, le Cuisinier, le Voleur,
sa Femme et son Amant
Michael Gambon et Helen Mirren dans le
Cuisinier, le Voleur, sa Femme et son Amant (The Cook, the Thief, His
Wife, and Her Lover, 1989) de Peter Greenaway.

Un voleur, découvrant que sa
femme le trompe avec un bibliothécaire, supprime celui-ci; sa femme, pour
se venger, demande au cuisinier d'un grand restaurant de lui servir le
corps de son amant, dont se régalera le voleur avant d'être assassiné à
son tour. D'une grande richesse formelle (les décors sont de Ben Van Os et
de Jan Roelfs, les costumes de Jean-Paul Gaultier), le film choqua par son
sujet mais permit à Greenaway d'apparaître, sept ans après Meurtre dans un
jardin anglais (The Draughtsman's Contract), comme l'un des réalisateurs
les plus imaginatifs du cinéma britannique.

Le maniérisme ostentatoire et la froide objectivité de l’oeuvre de
Greenaway lui ont souvent valu d’être considéré comme un misanthrope,
lui-même préférant parler de ses films comme des «concetti» (concepts). Le
soin méticuleux de la mise en scène, les travellings interminables et
l’imaginaire parfois impénétrable de ses films ne font qu’accentuer leur
caractère extravagant. Les puzzles, le jeu et les allusions apparemment
métaphoriques qui les ponctuent font qu’ils attirent généralement un
public d’artistes. Toutefois, le Cuisinier, le voleur, sa femme et son
amant (The Cook, the Thief, His Wife and Her Lover, 1989) connut un
véritable succès commercial, notamment aux États-Unis.

Dans Meurtre dans un jardin anglais, un peintre paysagiste de la fin du
XVIIIe siècle accepte de réaliser une douzaine de dessins d’une propriété
à la campagne à condition de bénéficier des faveurs de la femme du
propriétaire. Lorsque le mari est retrouvé mort, les dessins sont
considérés comme une piste permettant de reconstituer les événements qui
ont pu entraîner cette mort. Dans tous les longs métrages de Greenaway, il
existe autant de moyens de sortir du labyrinthe que de personnes dans le
public et, plutôt que de révéler ses secrets, le film suggère, à la
manière d’un roman policier, que la «vérité» est une construction et que
chacun d’entre nous crée sa propre réalité. L’élégance visuelle,
l’opulence des costumes et le talent de Michael Nyman étoffent ce film.
Sans toutefois ignorer quelques remarquables performances d’acteurs, il
semble que dans ses films suivants, Greenaway se soit attaché davantage à
la forme qu’aux personnages. Z.O.O. (A Zed and Two Noughts, 1985), le
Ventre de l’architecte (The Belly of an Architect, 1987), Drowning by
Numbers (1988), Prospero’s Books (1991) et The Baby of Mâcon (1993) sont
marqués par la thématique du nombre et la recherche plastique. La
puissance du rythme et des allusions artistiques dominent particulièrement
dans Prospero’s Books, qui mêle les références au classicisme, au baroque
et à l’art contemporain. Greenaway a été un des premiers cinéastes à
utiliser les possibilités cinématographiques de l’image de synthèse.

Grémillon, Jean

Jean Grémillon
(1901-1959)
Réalisateur
français à l’oeuvre inégale, qui fit longtemps figure de cinéaste maudit,
et qui se partagea entre documentaires et films de fiction

Né à Bayeux, dans le Calvados, Jean
Grémillon entreprit des études musicales avant de se tourner vers le
documentaire (la Vie des travailleurs italiens en France, 1926). Lié à
Charles Dullin, il signa grâce à ce dernier son premier long-métrage,
Maldonne, en 1927, puis réalisa Gardiens de phare (1929) sur un scénario
de Jacques Feyder. Il fréquenta
l’avant-garde artistique des années 1930 (notamment le groupe surréaliste)
et se lia d’amitié avec André Masson, à qui il consacra deux ans avant sa
mort son dernier court-métrage (André Masson et les quatre éléments,
1957). Après divers travaux alimentaires (Pour un sou d’amour, 1932 ; la
Valse royale, 1935), il tourna Gueule d’amour (1937), l’un des premiers
films consacrés au mythe de Jean Gabin. Sa carrière dans le film de
fiction ne fut cependant pas à la hauteur de ses ambitions, malgré
l’Étrange Monsieur Victor (avec Raimu, 1938) et surtout Remorques (sur des
dialogues de Jacques Prévert, 1941), dont le tournage fut interrompu par
la guerre. Sous l’Occupation allemande, il réalisa Lumière d’été (avec
Madeleine Renaud, 1943) et Le ciel est à vous (avec Charles Vanel, 1943),
deux films qui rencontrèrent un très grand succès. Après son documentaire
le 6 Juin à l’aube (1946), sa production se limita presque exclusivement à
des courts-métrages et à des films sur l’art.

Griffith, D. W.

D. W. Griffith
(1875-1948)
Réalisateur
américain

Né à Floydsfork (Kentucky), fils d'un
officier sudiste, David Wark Griffith exerce divers métiers avant de
s’orienter vers le théâtre comme acteur, puis vers l’écriture de scénarios
pour le cinéma naissant.

Il débute comme réalisateur à la Biograph avec The Adventures of Dollie
(1908) et tourne plus de quatre cent cinquante courts métrages en six ans.
Ce sont des adaptations de romans, The Suicide Club (1909), des
mélodrames, Tragic Love (1909), des westerns, The Battle (1911), des
comédies, The New York Hat (1912), des reconstitutions historiques, The
Battle at Elderbush Gulch (1914), des péplums, Judith de Béthulie (1914),
et même une préfiguration du film noir, The Musketeers of Pig Alley
(1912). Inventant sans cesse en matière de découpage, de cadrage,
d'éclairage et de montage, David W. Griffith crée peu à peu un art qui ne
doit plus rien au théâtre.

Griffith, Naissance d'une
nation
Influencé par certains films italiens de l'époque, à la fois
très longs et très spectaculaires, David Wark Griffith a posé avec
Naissance d'une nation (The Birth of a Nation, 1915) les bases du cinéma
hollywoodien. Séquences guerrières, nostalgie du vieux Sud, luxe et
diversité des décors et des scènes dramatiques lui ont assuré un succès
extraordinaire. Certains passages explicitement racistes à l'égard des
Noirs lui ayant été reprochés dès la sortie du film, Griffith fit taire
les critiques avec son long-métrage suivant, Intolérance (1916).

Il acquiert une audience internationale avec ses longs métrages, comme
The Battle of the Sexes (1914), la Conscience vengeresse (The Avenging
Conscience, 1914), et surtout la Naissance d'une nation (The Birth of a
Nation, 1915), épopée de trois heures qui retrace la guerre de Sécession,
l'assassinat de Lincoln et les débuts du Ku Klux Klan. Le succès de ce
film est immense et permet le tournage d'Intolérance (1916), fresque en
quatre parties se déroulant à différentes époques.

Il tourne ensuite le patriotique les Coeurs du monde (Hearts of the
World, 1918) pour soutenir l'effort de guerre américain.

Ayant fondé avec Charlie Chaplin, Douglas Fairbanks et Mary Pickford
la maison de production indépendante United Artists, il tourne librement
de sublimes mélodrames comme le Lys brisé (Broken Blossoms, 1918), le
Pauvre Amour (True Heart Suzie, 1919), À travers l'orage (Way Down East,
1920), la Rue des rêves (Dream Street, 1921), Isn't Life Wonderful?
(1924), les Deux Orphelines (Orphans of the Storm, 1922) et des films
historiques comme Pour l'indépendance (America, 1924).

Entré à la Paramount en 1925, il tourne les Chagrins de Satan (The
Sorrows of Satan, 1926), mais s’adapte mal aux contraintes du parlant.
Ainsi, ses films suivants, la Révolte des esclaves (Abraham Lincoln, 1930)
et The Struggle (1931), sont des échecs.

Ayant cessé de tourner, il termine sa carrière comme conseiller
technique sur Tumak, fils de la jungle (One Million BC, 1940) de Hal
Roach.

Grimault, Paul

Paul Grimault
(1905-1994)
Réalisateur de
dessins animés français

Né à Neuilly-sur-Seine, Paul Grimault se
forme comme dessinateur et décorateur. Employé dans une agence de
publicité, il fait la rencontre du scénariste Jean Aurenche et de Pierre
et Jacques Prévert, avec lesquels il participe aux expériences théâtrales
du groupe Octobre.

Après avoir réalisé avec Jean Aurenche un dessin animé publicitaire
original, la Table tournante (1932), il fait de la figuration dans
l'Atalante (1934) de Jean Vigo et le Crime de Monsieur
Lange (1935) de Jean Renoir, puis réalise un
essai d'animation inachevé, intitulé Monsieur Pipe fait de la peinture
(1936). Peu après, il tourne en CinémaScope et en couleurs Phénomènes
électriques (1937) pour l'Exposition internationale des Arts et Techniques
de Paris, élabore le Messager de la lumière (1938) et commence Go chez les
oiseaux (1939), dont le tournage est interrompu par la guerre.

Le Roi et l'Oiseau, dessin animé de
Paul Grimault
Librement adapté d'un conte d'Andersen par Jacques
Prévert, le film, réalisé en 1950, fut distribué en 1953, sous un titre
(la Princesse et le Ramoneur) et suivant un découpage que l'auteur
désavoua. Plus de vingt-cinq ans plus tard, Grimault en présenta une
version largement remaniée, qui connut un succès critique considérable et
fut couronnée par le prix Louis-Delluc en 1980.

Il réalise ensuite les Passagers de la grande Ourse (1941),
l'Épouvantail (1943) et le Voleur de paratonnerres (1946) avec Jean
Aurenche, et la Flûte magique (1946) avec Roger Leenhardt. En 1947, il
entame une fructueuse collaboration avec son ami Jacques Prévert, d'où
sont issus le Petit Soldat (1947), puis la Bergère et le Ramoneur (1952),
un long métrage poétique qui sort dans une version mutilée par le
distributeur. Des années plus tard, Grimault rachète son film, le
reconstitue et le complète avec l'aide de Prévert avant de le distribuer à
nouveau sous le titre le Roi et l'Oiseau (1980). Cette nouvelle version a
remporté un très grand succès, et le film fait désormais partie des
classiques du film pour enfants.

Entre-temps, Grimault a réalisé plusieurs courts métrages, comme Enrico
cuisinier (1956), la Faim dans le monde (1957), le Diamant ! (1969) et le
Chien mélomane (1973). Par la suite, en collaboration avec Jacques Demy, qui fut son
assistant, réalisé la Table tournante (1988), un film de montage qui
embrasse toute sa carrière. Il a également publié un recueil de souvenirs
intitulé Traits de mémoires (1991).

Guazzoni, Enrico

Enrico Guazzoni
(1876-1949)
Cinéaste
italien connu pour ses épopées historiques

Enrico Guazzoni naquit à Rome et commença
par étudier la peinture aux Beaux-Arts. Entré en 1907 à la Cines comme
conseiller artistique, il réalisa son premier film Messalina, en 1909.
Avec son premier grand chef-d'oeuvre Quo vadis?, dont l'action se passe
sous le règne de Néron, il jette, en 1912, les principes d'un genre, le
film historique, qui valut bientôt au cinéma italien une réputation
internationale. À l'instar de Giovanni Pastrone, il devint, dès
lors, l'un des principaux cinéastes de l'époque du muet, enchaînant des
réalisations historiques toutes remarquables par la qualité et
l'importance de leur distribution ainsi que par la richesse des costumes
et des décors. Parmi ses succès, on peut citer Marc Antoine et Cléopâtre
(Marcantonio e Cleopatra, 1913) et Caius Julius Caesar (1913). Ses films,
où se déroulent de nombreuses et spectaculaires scènes de combats,
inspirèrent, par la suite, de nombreux réalisateurs de films historiques.
La seconde version - plus longue - de Messalina, tournée en 1923,
comportait une course de chariots qui fut reprise d'abord par Fred Niblo
dans son Ben Hur (1926), puis dans la version sonore qu'en réalisa William Wyler, en 1959. E.
Guazzoni réalisa de nombreux autres films, de 1929 à 1942, qui n'eurent
cependant pas, loin s'en faut, le génie de ses mises en scène des années
1910.

Guitry, Sacha

Sacha Guitry
(1885-1957)
Dramaturge,
dessinateur, scénariste et réalisateur français

Né à Saint-Pétersbourg, Alexandre Guitry, dit
Sacha Guitry, est le fils du comédien Lucien Guitry. Il passe une partie
de son enfance en compagnie de ce dernier à la cour du tsar de Russie.
Rentré en France, il s’oriente à son tour vers le théâtre, où il apparaît
sous le pseudonyme de Lorcey. Il réalise aussi des caricatures et des
dessins, puis, reprenant son nom de Guitry, commence à écrire des pièces
qu'il interprète parfois et qui connaissent un succès immédiat.

L'HOMME DE THÉÂTRE

Sacha Guitry est l'auteur de 139 pièces — des drames, des comédies ou
des spectacles musicaux — très représentatives d’un certain «esprit
français», caustique et sophistiqué. Jouées dans les théâtres de
boulevard, elles amusent par leurs mots d'auteur et par la cocasserie des
situations. La finesse des intrigues, le sens de la cadence et l’amour
sincère du théâtre et des comédiens dont elles témoignent en font des
oeuvres souvent brillantes et toujours actuelles.

Belle époque et années folles

Auteur précoce, Guitry débute à dix-sept ans avec le Page (1902), suivi
de Yves le fou (1903) et le K.W.T.Z. (1905). Il obtient son premier
triomphe avec Nono (1905). Dans son abondante production antérieure à la
Première Guerre mondiale, il faut aussi retenir Chez les Zouaques (1906),
la Clef (1907), le Scandale de Monte-Carlo (1908), un opéra bouffe sur une
musique de Tiarko Richepin : Tell Père, Tell fils (1909), le Veilleur de
nuit (1911) qu'il crée aux cotés de Harry Baur, Un beau mariage (1909), la
Prise de Berg-op-Zoom (1912), la Pèlerine écossaise (1914) et Deux
couverts (1914), commandé par la Comédie Française.

Durant la guerre, il crée encore une poignée de chefs-d'oeuvre :
Faisons un rêve (1916), Jean de La Fontaine (1916), Un soir quand on est
seul (1917), l'Illusionniste (1917) et Debureau (1918).

Après l'armistice et dans les années vingt, il écrit entre autres
Pasteur (1919), Mon père avait raison (1919) qu'il interprète avec son
père, Béranger (1920), Comment on écrit l'histoire (1920), le Comédien
(1921), le Blanc et le Noir (1921), des comédies musicales comme l'Amour
masqué, sur une musique d’André Messager et Mozart (1925) sur une musique
de Reynaldo Hahn, puis Désiré (1927) et Un miracle (1927), créé par Pierre
Fresnay.

Souvent inspirées par l'histoire et les grands hommes, ses oeuvres sont
empreintes d’une certaine cruauté dans leur description des moeurs
bourgeoises et des rapports de classe. En pleine possession de son art,
Guitry maîtrise alors parfaitement la technique du rire et de l’émotion et
atteint une grande pureté formelle.

Le roi du théâtre à Paris

Pendant les années trente, ses pièces obtiennent à Paris des succès
continuels. Parmi les plus grands, on peut citer Frans Hals ou
l'Admiration (1931), un opéra bouffe mis en musique par Louis Beydts : la
S.A.D.M.P. (1931), le Voyage de Tchong-Li (1932), une comédie musicale sur
une partition de Reynaldo Hahn : O mon bel inconnu (1933), le Nouveau
Testament (1934), Quand jouons-nous la comédie? (1935), le Mot de
Cambronne (1936) et Quadrille (1937).

L'Occupation et ses conséquences

Bien qu'il ne semble pas s’être véritablement compromis avec l'occupant
ni le régime de Vichy, Guitry passe aux yeux de beaucoup pour un
collaborationniste. On lui reproche d’avoir continué sa carrière au
théâtre et d’avoir dirigé un ouvrage patriotique, De Jeanne d'Arc à
Philippe Pétain. Parmi les pièces qu’il a créées sous l’Occupation, on
doit surtout retenir N'écoutez pas Mesdames (1942). À la Libération, il
est aussitôt interpellé, accusé de collusion avec l'ennemi, exclu de
l'académie Goncourt et conspué par la presse. Bien qu’il ait été
rapidement disculpé, la rumeur persistera et il en souffrira toute sa
vie.

Les dernières pièces

Après guerre, ses apparitions au théâtre se font plus rares. Il
interprète néanmoins ses dernières créations : le Diable boiteux (1948),
Aux deux colombes (1948), Tu m'as sauvé la vie (1949), avec Fernandel
comme partenaire, et Palsambleu (1953).

L'HOMME DE CINÉMA

Guitry, homme de dialogue par excellence, est à l’origine fort peu
intéressé par le cinéma muet. Pendant la Première Guerre mondiale,
patriote et mondain, il réalise néanmoins un film de propagande culturelle
intitulé Ceux de chez nous (1915), où l’on peut voir les célébrités de son
temps et dont il commente les projections avec sa verve coutumière. Plus
tard, il écrit et interprète avec Yvonne Printemps Un roman d'amour et
d'aventures (1918) réalisé par René Hervil et Louis Mercanton, mais se
désintéresse ensuite de cet art.

À l'arrivée du parlant, après avoir laissé Robert Florey adapter sa
pièce le Blanc et le Noir (1931) pour l'écran, il donne une conférence au
titre significatif : «Pour le théâtre et contre le cinéma» (1932).
Pourtant, ne craignant pas de se contredire, il réalise peu après Pasteur
(1935) d'après sa propre pièce, puis écrit et réalise Bonne chance (1935),
un film formellement très inventif.

Du théâtre au cinéma

Dans les années trente, il adapte pour l’écran un certain nombre de ses
pièces à succès : le Nouveau Testament (1936), Mon père avait raison
(1936), Faisons un rêve (1937), le Mot de Cambronne (1937), Désiré (1937)
et Quadrille (1938), donnant à ces adaptations, qui vont bien au-delà du
simple théâtre filmé, un rythme extraordinaire et une esthétique
épurée.

Mais il se distingue encore davantage avec ses films aux scénarios
originaux comme le Roman d'un tricheur (1936), oeuvre entièrement
commentée en voix off, d'une drôlerie et d’une inventivité rares, les
Perles de la couronne (1937), premier film européen parlé en trois
langues, qui confronte de façon époustouflante le passé et le présent,
Remontons les Champs-Élysées (1938), une amusante promenade historique le
long de la célèbre avenue, et enfin Ils étaient neuf célibataires (1939),
une magistrale comédie grinçante.

Drames cinématographiques

Pendant l'Occupation, il réalise le Destin fabuleux de Désiré Clary
(1942), puis tourne Donne-moi tes yeux (1943), un mélodrame sur la cécité
qui est également un témoignage quasi documentaire sur cette époque
difficile, et enfin la biographie tragique de la Malibran (1943), sans
doute un des meilleurs films sur la vie d'une cantatrice.

Fresques et amertume

Après ses mésaventures à la Libération, il revient au cinéma pour
adapter à nouveau ses propres pièces : le Comédien (1948), le Diable
boiteux (1948), où il se délecte dans le rôle de Talleyrand, Aux deux
colombes (1949), dont le générique est une amusante explication de la
manière dont on fait un film en studio, Tu m'as sauvé la vie (1950) et
Debureau (1951). Il signe aussi Toa (1949), une farce où le théâtre et le
cinéma se rencontrent de façon stupéfiante, le Trésor de Cantenac (1950),
dans lequel on a pu voir son testament cinématographique, Je l'ai été
trois fois (1952); puis un diptyque avec Michel Simon : la Poison (1951)
et la Vie d'un honnête homme (1953) qui témoignent avec un humour très
noir de son pessimisme et de son amertume.

Enfin, trois ambitieuses fresques historiques, Si Versailles m'était
conté (1953), Napoléon (1954) et Si Paris m'était conté (1956), lui valent
une réhabilitation générale et des félicitations officielles. Sa carrière
se clôt peu après sur deux films à l’humour noir corrosif, Assassins et
voleurs (1957) et Les trois font la paire (1957).

Güney, Yilmaz

Yilmaz Güney
(1937-1984)
Cinéaste turc
d'origine kurde

Il fut un acteur célèbre dans son pays avant
de passer à la réalisation, et dont la carrière fut interrompue par les
séjours en prison que lui valut son opposition au régime. Vedette
populaire, il a tourné dans une quarantaine de films avant de devenir
scénariste et réalisateur en 1968. Ses films ont un contenu social et sa
volonté de démonstration et de dénonciation n'étouffe jamais le discours
cinématographique. Après un séjour en prison sous le régime militaire, il
réalisa un film important l'Ami ou Camarade (Arkadas, 1974). Mêlé à une
sombre affaire criminelle, il put diriger depuis sa cellule des films
achevés ou mis en scène par ses collaborateurs, dont le Troupeau (Sürii,
1978) et Yol (1982) qui fut récompensé à Cannes et diffusé dans le monde
entier. Évadé de Turquie, c'est en France qu'il a tourné son dernier film,
le Mur (Duvar, 1983).

Guy-Blaché, Alice

Alice Guy-Blaché
(De son vrai nom Alice
Guy)
(1873-1968)
Cinéaste et productrice française

Née à Saint-Mandé dans une famille
bourgeoise ruinée, Guy-Blaché après son mariage, débute comme secrétaire
chez Gaumont. Léon Gaumont lui confie ensuite l’écriture et la mise en
scène de la Fée aux choux, vraisemblablement en 1896, quelques semaines
avant les débuts de Georges Méliès. Devenue
réalisatrice et directrice de production, elle dirige, de 1897 à 1905,
environ deux cents films de genres divers : le comique polisson avec J’ai
un hanneton dans mon pantalon, la fresque religieuse avec la Vie du
Christ, la féerie avec Faust et Méphisto, et la Fève enchantée, le
burlesque avec la Première cigarette, le film à trucages avec le Cake-Walk
de la pendule, le mélodrame enfantin avec Rapt d’enfants par les
romanichels et les Petits Coupeurs de bois vert, et le film d’aventures
avec le Crime de la rue du Temple. Dès 1900, elle réalise également des
«phonoscènes», films sonorisés à l’aide du phonographe (Carmen, chansons
de Dranem). En 1907, année de son mariage avec Herbert Blaché, elle tourne
Mireille, dans des décors naturels de Provence.

Découvreuse de talents, Alice Guy-Blaché engage Victorin Jasset, futur
réalisateur de serials à succès, pour la seconder et fait également
débuter Louis Feuillade, qui lui succède
lorsqu’elle quitte la France en 1907 pour s’établir à New York. Elle y
fonde en 1910 la société de production Solax, liée à Gaumont, dont son
mari dirige la succursale américaine. Elle produit avec beaucoup de succès
plus de trois cents films jusqu’en 1914 et en réalise elle-même
soixante-dix. Ce sont des mélodrames (Quand les feuilles tombent), des
westerns, des policiers (Dans les égouts de New York), des opéras (Fra
Diavolo) et des films fantastiques (le Puits et le Pendule). Les Blaché se
séparent ensuite de Gaumont, mais le temps n’est plus aux producteurs
indépendants.

Après sa dernière réalisation (Tarnished Reputation, 1920), ruinée,
elle a longtemps séjourné en France avant de mourir dans l’oubli dans le
New Jersey.

Dans les années soixante-dix, féministes et historiens ont oeuvré à
faire reconnaître les mérites de cette première femme cinéaste de
l’histoire, qui a contribué, au même titre que Georges Méliès ou Ferdinand
Zecca, à l’invention du langage
cinématographique.

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