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Daquin, Louis

Louis Daquin
(1908-1980)
Réalisateur
français

Né à Calais, Louis Daquin passe son enfance
dans une famille de la petite bourgeoisie commerçante. Promis à une
carrière commerciale, il écrit des pièces de théâtre et se passionne pour
le cinéma. À partir de 1933, il est assistant réalisateur de Pierre
Chenal, d’Abel Gance, d’Albert Valentin et
surtout de Jean Grémillon. En 1941, il
adhère au Parti communiste français et réalise l’année suivante Nous les
gosses, qui dépeint son époque avec une justesse rare, tout en exaltant
l’esprit de solidarité. Après une fantaisie policière, Madame et le mort
(1942), et une subtile adaptation de Simenon, le Voyageur de la Toussaint
(1942), il sort des studios pour réaliser en décors réels Premier de
cordée (1943), d’après le roman de Frison-Roche.

En 1944, Daquin, responsable syndical, fonde une coopérative qui
produit des films à sujet politique. Mais Patrie (1945) et les Frères
Bouqinquant (1947) déçoivent. Avec la collaboration de Wladimir Pozner, il
réalise le Point du jour, un film sur la vie des mineurs tourné
principalement en décors réels à Lenset à Liévin, mêlant acteurs
chevronnés (René Lefèvre, Gaston Modot), débutants (Jean Dessailly, Loleh
Bellon, Michel Piccoli), et authentiques mineurs.

Jusqu’à son dernier film, la Foire aux cancres (1963), ses options
politiques ont gêné sa carrière française. Il a tourné en Autriche Bel-Ami
(1954), d’après Maupassant, et en Roumanie, les Chardons du Baragan
(1957), d’après Panait Istrati. Il a laissé deux livres de réflexions
parfois amères, le Cinéma, notre métier (1960) et On ne tait pas ses
silences (1980).

Daquin, Louis

Louis Daquin
(1908-1980)
Réalisateur
français

Né à Calais, Louis Daquin passe son enfance
dans une famille de la petite bourgeoisie commerçante. Promis à une
carrière commerciale, il écrit des pièces de théâtre et se passionne pour
le cinéma. À partir de 1933, il est assistant réalisateur de Pierre
Chenal, d’Abel Gance, d’Albert Valentin et
surtout de Jean Grémillon. En 1941, il
adhère au Parti communiste français et réalise l’année suivante Nous les
gosses, qui dépeint son époque avec une justesse rare, tout en exaltant
l’esprit de solidarité. Après une fantaisie policière, Madame et le mort
(1942), et une subtile adaptation de Simenon, le Voyageur de la Toussaint
(1942), il sort des studios pour réaliser en décors réels Premier de
cordée (1943), d’après le roman de Frison-Roche.

En 1944, Daquin, responsable syndical, fonde une coopérative qui
produit des films à sujet politique. Mais Patrie (1945) et les Frères
Bouqinquant (1947) déçoivent. Avec la collaboration de Wladimir Pozner, il
réalise le Point du jour, un film sur la vie des mineurs tourné
principalement en décors réels à Lenset à Liévin, mêlant acteurs
chevronnés (René Lefèvre, Gaston Modot), débutants (Jean Dessailly, Loleh
Bellon, Michel Piccoli), et authentiques mineurs.

Jusqu’à son dernier film, la Foire aux cancres (1963), ses options
politiques ont gêné sa carrière française. Il a tourné en Autriche Bel-Ami
(1954), d’après Maupassant, et en Roumanie, les Chardons du Baragan
(1957), d’après Panait Istrati. Il a laissé deux livres de réflexions
parfois amères, le Cinéma, notre métier (1960) et On ne tait pas ses
silences (1980).

Dassin, Jules

Jules Dassin
(1911- )
Cinéaste américain
remarqué par Hollywood grâce à son travail à Broadway, qui dut s'établir
en Europe à cause du maccarthysme

Metteur en scène d'une rare énergie, obsédé
par la violence, il a réalisé notamment Nazi Agent (1942) et les Démons de
la Liberté (Brute Force, 1947), avant de livrer ses meilleurs films : la
Cité sans voiles (The Naked City, 1948), entièrement tourné en extérieurs,
les Bas-fonds de Frisco (Thieves Highway, 1949) et les Forbans de la nuit
(Night and the City, 1950). En Europe, il tourna principalement en Grèce,
souvent en compagnie de son épouse Melina Mercouri : Celui qui doit mourir
(1956), Jamais le dimanche (1960) et Phaedra (1962). Il retrouva un
nouveau souffle aux États-Unis où il revint en 1968 pour six autres
films.

Daves, Delmer

Delmer Daves
(1904-1977)
Scénariste et
cinéaste américain

Né à San Francisco, Delmer Daves visite
longuement l'Europe et les États-Unis après ses études de droit, se
passionne pour la civilisation indienne et les sciences naturelles, puis
devient assistant réalisateur, scénariste et comédien à la fin de l’époque
du muet. Il travaille alors avec James Cruze, Busby Berkeley, Frank Borzage et Léo McCarey,
avant de passer à la réalisation.

Il s'illustre dès lors dans le film de guerre avec Destination Tokyo
(1943), The Pride of the Marines (1945), Horizons en flammes (Task Force,
1949) et Diables au soleil (Kings Go Forth, 1958), dans le thriller avec
Ombres sur Paris (To The Victor, 1948) et triomphe dans le film noir avec
la Maison rouge (The Red House, 1947) et les Passagers de la nuit (Dark
Passage, 1947).

Il signe également une comédie musicale, Hollywood Canteen (1944), une
comédie intitulée A Kiss in the Dark (1949), et des films d'aventures
exotiques comme l'Oiseau de paradis (Bird of Paradise, 1951) et le Trésor
du Guatemala (Treasure of the Golden Condor, 1953). Il réalise encore un
péplum, les Gladiateurs (Demetrius and the Gladiator, 1954), des films
sociaux comme Return of the Texan (1952), la Montagne des neuf Spencer
(Spencer's Mountain, 1963) et Youngblood Hawke (1963), et des mélodrames
comme Ne me quitte jamais (Never Let Me Go, 1953), Ils n'ont que vingt ans
(Summer Place, 1960), la Soif de la jeunesse (Parrish, 1961), Susan Slade
(1961), Rome Adventures (1962) et The Battle of the Villa Florita
(1964).

Il se distingue tout spécialement dans le western, genre dans lequel il
débute par une généreuse dénonciation du racisme, la Flèche brisée (Broken
Arrow, 1950), puis l'Homme de nulle part (Jubal, 1956), la Dernière
Caravane (The Last Wagon, 1956), 3 h 10 pour Yuma (3.10 to Yuma, 1957),
Cow Boy (1958), l'Or du Hollandais (The Badlanders, 1958) et la Colline
des potences (The Hanging Tree, 1959).

Malgré la diversité des genres que le cinéaste a abordés, l’oeuvre de
Delmer Daves est marquée par une grande cohérence, notamment dans sa
fidélité aux valeurs de la compassion, de la connaissance et du respect,
dans sa dénonciation du racisme, de la barbarie et de l’hypocrisie en
général, ainsi que par un regard particulièrement réaliste et humain porté
sur les personnages. De façon assez inhabituelle à Hollywood, Delmer Daves
a pu exercer un contrôle poussé sur ses propres films, dont il a souvent
été le scénariste, et parfois le producteur.

À la fois lyriques et réalistes, les films de Delmer Daves sont ceux
d’un grand créateur de formes - son usage de la grue et des panoramiques
est remarquable -, d’un coloriste inspiré et d’un talentueux architecte
des signes.

Davies, Terence

Davies Terence
(1945- )
Cinéaste
britannique

Né à Liverpool, Davies quitte l’école dès
l’âge de quinze ans et travaille plusieurs années comme employé de bureau.
Tournés avec un budget dérisoire, ses trois premiers courts métrages en
noir et blanc et en 16 mm ont été regroupés sous le nom de The Terence
Davies Trilogy. The Children (1976), Madonna and Child (1980) et enfin
Death and Transfiguration (1983) parlent de l’enfance d’un jeune garçon,
catholique homosexuel, grandissant à Liverpool. Lyrique et angoissé, ce
récit économe bascule continuellement du présent au passé, de la mémoire à
l’imagination.

Ses longs métrages, Distant Voices, Still Life (1988) et The Long Day
Closes (1992) sont également des reconstructions autobiographiques de ses
jeunes années à Liverpool. Distant Voices, Still Life est la chronique
d’une famille en crise où une mère et son fils endurent les sévices d’un
père brutal. Servie par une très suggestive bande-son constituée de
chansons populaires de l’époque, elle communique une impression
profondément oppressante de la vie au sein d’une famille modeste des
années cinquante. Comme pour compenser la brutalité de Distant Voices,
Still Lifes, The Long Day Closes (en Technicolor) met en scène un jeune
garçon solitaire et anxieux pour qui le cinéma apparaît comme une promesse
d’espoir et de bonheur face à la misère affective et intellectuelle de son
milieu. Dans ces deux films, la place de la parole et du langage est
réduite au profit des chansons et des émissions radiophoniques de
l’époque. Dans ce cinéma du chuchotement et du murmure, musiques et
chansons finissent par incarner les sentiments que la famille n’est pas en
mesure d’exprimer. Des souvenirs, la référence à des peintures ou à des
photographies, disent aussi la dureté de cet univers et suscitent un
sentiment d’étouffement.

Adaptation d’une nouvelle de John Kennedy Toole, The Neon Bible (1995)
relate l’éveil intellectuel et affectif d’un jeune garçon accablé par une
mère dépressive et que vient sortir de sa torpeur une tante excentrique
(interprétée par l’actrice Gena Rowlands). Là encore, la mise en scène de
tableaux (le Nighthawks d’Edward Hopper par exemple), de photographies ou
la référence à de vieux films américains viennent hanter des images
élégantes et glacées.

De Palma, Brian

Brian De Palma
(1940- )
Cinéaste américain
fasciné par Alfred Hitchcock, qui traite
principalement des thèmes de l’innocence et de la culpabilité et fait
montre d’une constante fascination pour le voyeurisme et pour le
surnaturel

Brian De Palma est né à Newark, dans le New
Jersey. Après quelques films expérimentaux, il fut révélé au public et à
la critique internationale par deux longs-métrages qui posaient les bases
d’un expressionnisme moderne : Soeurs de sang (Sisters, 1973), sur le
rapport entre deux soeurs siamoises et Phantom of the Paradise, (1974),
variation fantastique sur le pouvoir dans les milieux du rock librement
inspirée du Fantôme de l’Opéra de Gaston Leroux. Il se fit le spécialiste
des thrillers horrifiques, des intrigues excessives et des personnages
hors du commun : Obsession (1976, inspiré du Vertigo d’Hitchcock), Carrie au bal du
diable (Carrie, 1976, d’après un roman de Stephen King), Furie (The Fury,
1978), Pulsions (Dressed to kill, 1980), Blow Out (1981, dont le titre
fait référence au Blow Up d’Antonioni).

Palma, Phantom of the
Paradise
Ce deuxième long métrage de Brian De Palma, une relecture
très libre du Fantôme de l'Opéra de Gaston Leroux et du mythe de Faust, au
découpage frénétique et à l'esthétique « disco», fut un film culte des
années soixante-dix.

Il réalisa ensuite avec panache, voire avec emphase, des remakes comme
Scarface (d’après le film d’Howard Hawks, 1983) avec Al
Pacino, et des traitements cinématographiques de séries télévisées très
populaires : les Incorruptibles (The Untouchables, 1987), avec Kevin
Costner, puis Mission : impossible (1996), avec Tom Cruise. Parmi ses
autres réalisations figurent encore l’Impasse (Carlito’s Way, 1993) et le
Bûcher des vanités (1990), adaptation du roman de Tom Wolfe.

Al Pacino dans Scarface (1983) de
Brian De Palma.

Tony Montana (Al Pacino), petit truand d'origine cubaine, entre au
service d'un caïd de la drogue, Frank Lopez (Robert Loggia). Ambitieux,
prêt à tout, il élimine son patron avant d'épouser sa femme (Michelle
Pfeiffer). Refusant un jour de massacrer une famille, il est à son tour
menacé de mort. Adapté d'un célèbre film d'Howard Hawks (Scarface, Shame of
the Nation, 1931), le long-métrage de Brian De Palma doit beaucoup à son
interprète principal, Al Pacino, littéralement transfiguré par ce
personnage de gangster psychopathe.

Souvent grandiloquent dans sa recherche d’effets et dans ses surcharges
thématiques, Brian De Palma a séduit le public et la critique en faisant
montre d’un grand sens de l’image.

De Santis, Giuseppe

Giuseppe De Santis
(1917-1997)
Cinéaste et
scénariste italien

Né à Fondi (petite ville du Latium, près de
Latina, dans les Marais-Pontins), Giuseppe De Santis étudie la philosophie
à Rome et écrit des nouvelles. Un ami le fait rentrer à la revue Cinema,
dirigée par Vittorio Mussolini, neveu du Duce, où il entre en relation
avec Carlo Lizzani, Michelangelo Antonioni et Luchino Visconti avec lequel il
participe à l’écriture et à la réalisation des Amants diaboliques
(Ossessione, 1943). Il travaille également avec Rossellini et entre dans la
Résistance comme membre du Parti communiste italien. En 1945, il coordonne
avec Mario Serandrei un film collectif, Jour de gloire (Giorni di gloria),
film de montage sur la Résistance et réalise son premier film en 1946,
Chasse tragique (Caccia tragica), dans une veine lyrique et
symbolique.

De Santis, Riz amer
Silvana
Mangano, à ses débuts au cinéma, dans une scène du film de Giuseppe De
Santis Riz amer (1948), où elle interprète le rôle d'une ouvrière agricole
aux côtés de Vittorio Gassman. Situé dans les rizières de Vercelli, le
film traite de passions, de sentiments et de questions sociales, de
l'histoire du peuple et en même temps du destin des individus. Silvana
Mangano et Vittorio Gassman anticipent ici un duo de personnages que l'on
retrouvera bien souvent au cinéma : la belle et l'escroc maladroit.

De Sica, Vittorio

Vittorio De Sica
(1901-1974)
Réalisateur
et acteur italien

Né à Sora, Vittorio De Sica passe son enfance
à Naples et à Rome. Il étudie d’abord la comptabilité, puis joue au
théâtre dans des revues dirigées par Mario Mattoli, avant d’apparaître
dans des films muets comme la Belleza del mondo (1926) de Mario
Almirante.

À l’époque du parlant, De Sica devient une vedette et interprète des
comédies sentimentales populaires comme les Hommes, quels mufles (gli
Uomini… che mascalzoni, 1932) et Je donnerai un million (Darò un milione,
1935) de Mario Camerini, et des films
commerciaux Ces garçons (Questi ragazzi, 1937) de Mario Mattoli ou
Châteaux en l'air (Castelli in aria, 1938) d’Augusto Genina.

De Sica, le Voleur de
bicyclette
Le Voleur de bicyclette (Ladri di Biciclette, 1948), de
Vittorio De Sica, apparaît comme le film le plus emblématique du
néo-réalisme. Un chômeur (Lamberto Maggiorani), dans l'Italie
d'après-guerre, a trouvé un travail lié à la possession d'une bicyclette.
Il s'en procure une, mais on la lui vole ; il se lance alors avec son
jeune fils à la recherche du voleur.

Devenu l’incarnation du séducteur italien, il fait une carrière
internationale avec Madame de… (1953) de Max Ophuls, l'Adieu aux armes (A
Farewell to Arms, 1958) de Charles Vidor, Austerlitz (1958) d’Abel Gance, l'Ange pourpre (The
Angel Wore Red, 1961) de Nunnaly Johnson, Vive Henri IV, Vive l'amour
(1964) de Claude Autant-Lara et triomphe en
Italie avec Pain, Amour et Fantaisie (Pane, amore e fantasia, 1953) de Luigi Comencini, la Belle
Meunière (la Bella Mugnaia, 1955) de Mario Camerini et le Général
Della Rovere (il Generale Della Rovere, 1959) de Roberto Rossellini.

De Sica, le Jardin des
Finzi-Contini
Une scène du film le Jardin des Finzi-Contini (1970)
que Vittorio De Sica tira du roman de Giorgio Bassani. L'acteur Lino
Capolicchio, aux côtés de l'actrice Dominique Sanda, interprète le
personnage auquel le romancier s'est lui-même identifié.

Avec Rose scarlatte (1940), De Sica fait ses débuts de réalisateur. Il
commence à développer un style personnel dès les Enfants nous regardent (I
bambini ci guardano, 1943). Dans la décennie suivante, il réalise quatre
films phares du néoréalisme avec la complicité du scénariste Cesare
Zavattini : Sciuscia (Scuscià, 1946), qui remporte l'oscar du meilleur
film étranger, le Voleur de bicyclette (Ladri di Biciclette, 1948), qui
gagne la même récompense et connaît un succès international, Miracle à
Milan (Miracolo a Milano, 1951) et Umberto D. (1952). Films sociaux et
humanistes d'une grande qualité artistique, ces oeuvres font de De Sica
l’un des principaux cinéastes de son temps.

Sophia Loren dans la Ciociara (1961),
de Vittorio De Sica.
Cesira (Sophia Loren), une jeune veuve, fuit
Rome et ses bombardements en compagnie de sa fille, Rosetta (Eleanora
Brown) pour se réfugier dans son village natal, situé dans une région
montagneuse nommée la Ciociara. Adaptée du roman la Ciociara d'Alberto
Moravia par Cesare Zavattini, Vittorio De Sica filme cette histoire avec
un grand sens des détails de la vie quotidienne, magnifiés par la
splendeur de paysages désolés. S'il reste fidèle au credo néoréaliste, il
n'en offre pas moins à Sophia Loren un rôle à sa mesure de future star,
qu'un prix d'interprétation à Cannes et un oscar à Hollywood
récompenseront.

Il réalise ensuite une vingtaine de films courageux et généreux, parmi
lesquels il faut surtout retenir Station terminus (Stazione termini,
1953), l'Or de Naples (l'Oro di Napoli, 1954), le Toit (il Tetto, 1956),
la Ciociara (1960), Hier, Aujourd'hui et Demain, (Ieri, oggi, domani,
1963), nouvel oscar du meilleur film étranger, Mariage à l'italienne
(Matrimonio all'italiana, 1964), et le très beau Jardin des Finzi Contini
(il Giardino dei Finzi Contini, 1970), son quatrième oscar. Il a terminé
sa carrière de cinéaste avec le Voyage (il Viaggio, 1974).

Debord, Guy

Guy Debord
(1931-1994)
Ecrivain et
cinéaste français, figure importante de l’avant-garde après la Seconde
Guerre mondiale. Cofondateur de l’Internationale Situationniste, il a
contribué, par son analyse de la société moderne, à l’émergence des
événements de mai 1968

Comme beaucoup de jeunes de sa génération,
Debord est très tôt attiré par les avant-gardes artistiques. Séduit dans
un premier temps par le surréalisme, il juge le groupe de Breton obsolète
et se tourne un temps vers le lettrisme d’Isidore Isou. Il rompt avec ce
dernier pour fonder, avec Gil. J. Wolman, l’Internationale Lettriste, en
1952, prélude «artistico-politique» au situationnisme. Fortement inspiré
par Hegel, Debord veut faire table rase du passé et cherche à construire
une nouvelle culture qui mêle l’art et la vie. Il expose ses conceptions
dans les revues Potlach et les Lèvres nues (1954-1958) et participe en
1957, avec plusieurs artistes issus notamment du mouvement Cobra, à la
fondation de l’Internationale Situationniste, dont il sera l’un des
principaux animateurs et dont il dirigera l’organe éponyme (Internationale
Situationniste, 1958-1969). En 1967, il publie la Société du spectacle,
essai dans lequel, s’inspirant de la pensée de Marx et de certains de ses
successeurs, dont Lukács, il condamne les dérives de la société de
consommation où la représentation passe avant la réalité, aliénant l’être
dans une comédie capitaliste tragique. Ce livre trouvera un écho favorable
dans les milieux estudiantins les plus radicaux à la veille de Mai 68,
mais les ambitions de Debord resteront lettre morte après l’échec de
l’Internationale Situationniste (dissoute en 1972), qu’il considère
récupérée par «le spectaculaire». Il se retire alors de la scène
culturelle pour ne pas tomber dans les pièges qu’il dénonçait. Dans ses
Commentaires sur la société du spectacle (1988), il revient sur ses
conceptions, mais vingt ans après l’effervescence d’une «révolution
culturelle» qu’il aura contribué à provoquer, il ne trouve plus de
véritable public. Il met fin à ses jours en 1994. Guy Debord a également
réalisé quelques films à faible diffusion, dont l’adaptation de son essai
la Société du spectacle en 1973.

Delannoy, Jean

Jean Delannoy
(1908- )
Cinéaste français,
dont le nom fut synonyme de «qualité française» et qui a réalisé ses films
les plus significatifs sous un patronage littéraire

Réalisateur de plusieurs mélodrames, il
avait déjà connu le succès, notamment avec Pontcarral, colonel d'Empire
(1943), lorsqu'il put réaliser l'Éternel Retour (1943), avec la
collaboration de Jean Cocteau. Plus tard, ce
dernier adapta pour lui la Princesse de Clèves (1961). Au classicisme un
peu froid de la Symphonie pastorale (1946), des Jeux sont faits (d'après
Sartre, 1947) ou de Maigret tend un piège (1958) ont succédé nombre de
films académiques, voire pesants, et qui ont conduit leur réalisateur vers
la télévision à partir de 1976, puis à tourner une trilogie purement
hagiographique : Bernadette (1988), la Passion de Bernadette (1990) et
Marie de Nazareth (1995).

Delvaux, André

André Delvaux
(1926- )
Cinéaste
belge

Cinéaste révélé par des films oniriques et
mystérieux, qui a élargi son champ d'action à d'ambitieuses adaptations
d'œuvres littéraires tout en conduisant une réflexion originale sur les
singularités de son pays.

Né à Heverlee, André Delvaux étudie la philosophie à l'université de
Bruxelles et le solfège au conservatoire. Familier de la Cinémathèque
royale, il débute dans le cinéma en accompagnant au piano des projections
de films muets. Après quelques courts métrages et une série de
documentaires sur des cinéastes (Jean Rouch, Federico Fellini) destinés à la
télévision belge, il tourne ses deux premiers films de fiction, qui jouent
sur différents niveaux de réalité : l'Homme au crâne rasé (De man die zijn
haar kort liet knippen, 1966) et Un soir, un train (avec Yves Montand et
Anouk Aimée, 1968). Il approfondit son univers avec deux films plus
intimistes : Rendez-vous à Bray (avec Anna Karina et Matthieu Carrière,
d'après le Roi Cophetua, une nouvelle de Julien Gracq, 1971) et Belle
(1973), tandis que Benvenuta (avec Fanny Ardant et Vittorio Gassman,
d'après un roman de Suzanne Lilar, 1983) souligne sa fascination pour les
jeux de miroir.

Delvaux (André), Un soir, un
train
Ce film au climat fantastique subtil, parfaitement réalisé et
interprété, a démontré que le réalisme magique de Delvaux pouvait toucher
un large public.

André Delvaux s'est aussi interrogé sur la Belgique, sur son histoire
(Femme entre chien et loup/Een vrouw tussen trond en wolf, 1979) et sur sa
culture (Babel Opera, 1985). Son dernier film est l'adaptation du livre de
Marguerite Yourcenar, l'Œuvre au noir (1988), avec Gian Maria Volonté et
Sami Frey.

DeMille, Cecil B.

Cecil Blount
DeMille
(1881-1959)
Producteur et réalisateur
américain

Né à Ashfield (Massachusetts), Cecil Blount
DeMille est le fils du dramaturge Henry DeMille et le frère cadet du
metteur en scène et scénariste William DeMille, si bien que le théâtre
fait, dès son enfance, partie intégrante de sa vie quotidienne. Par la
suite il devient lui aussi comédien après avoir suivi des cours d’art
dramatique.

En 1912, il rencontre Jesse Lasky, un producteur de spectacles musicaux
et ils créent ensemble la Jesse Lasky Feature Play Company, avant de
s'associer avec Samuel Goldwyn et Arthur Friend pour faire du cinéma. Ils
recherchent alors un emplacement pour créer un studio et sont les premiers
à s'installer en Californie, à Hollywood.

UN PIONNIER D’HOLLYWOOD

Il réalise en 1914 son premier film, le Mari de l'Indienne (The
Squawman), un western plein de sympathie pour les Indiens, dont il fera
ensuite deux remakes Un coeur en exil (The Squawman, 1918) et The Squawman
(1931). Son frère William rejoint alors le groupe, suivi par d’autres
réalisateurs et «l'usine à rêves» de Hollywood se développe.

Tout en supervisant le travail de ses collaborateurs, il laisse libre
cours à sa créativité. Ses premiers films sont des comédies comme
Brewster's Millions (1914), Chimmie Fadden, (1915), Chimmie Fadden Out
West (1915), The Dream Girl (1916), des westerns comme The Virginian
(1914), l'Appel du Nord (The Call of The North, 1914), la Rose du ranch
(Rose of the Rancho, 1914), The Girl of The Golden West (1914), The
Warrens of Virginia (1915), des mélodrames d'aventures comme The Master
Mind (1914), The Man of the Box (1914), What's his Name (1914), The Man
from Home (1914), The Unafraid (1915), The Captive (1915), The Wild Goose
Chase (1915), l'Arabe (The Arab, 1915), Kindling (1915), Maria Rosa
(1915), Tentations (Temptation, 1915), The Golden Chase (1916), la Piste
du pin solitaire (The Trail of the Lonesome Pine, 1915) et le Coeur de
Nora Flynn (The Heart of Nora Flynn, 1915).

Il entreprend aussi des oeuvres plus ambitieuses comme Carmen (1915),
d'après Prosper Mérimée, et Forfaiture (The Cheat, 1916), un mélodrame
très noir qui révèle l'acteur japonais Sessue Hayakawa, et Jeanne d'Arc
(Joan The Woman, 1916).

Il dirige ensuite Mary Pickford dans un autre mélodrame, la Bête
enchaînée (A Romance of Redwoods, 1917) et réalise un film de propagande
anti-allemande, la Petite Américaine (The Little American, 1917). Il
évoque aussi la guerre des Espagnols contre les Aztèques dans les
Conquérants (The Woman God Forgot, 1917), réalise un western intitulé Nan
Of Music Mountain (1917) et de nouveau des mélodrames traitant de
problèmes moraux, souvent teintés de symbolisme sexuel : le Talisman (The
Devil-Stone, 1917), le Rachat suprême (The Whispering Chorus, 1918), Old
Wives For New (1918) et l'Illusion du bonheur (We Can't Have Everything,
1918).

Après un nouveau film de propagande contre l'Allemagne Till I Come Back
to You (1918), il entame une collaboration féconde avec la comédienne
Gloria Swanson. Ils tournent ensemble Après la pluie, le beau temps (Don't
Change Your Wife, 1919), For Betters, For Worses (1919), l'Admirable
Crichton (Male and Female, 1919), la Proie pour l'ombre (Why Change Your
Wife, 1919), Something To Think About (1920), le Coeur nous trompe (The
Affairs of Anatol, 1921) et Faut-il se l'avouer? (Don't Tell Everything,
1921).

Après le Fruit défendu (Forbidden Fruit, 1921), le Paradis d'un fou
(Fool's Paradise, 1922), le Détour (Saturday Night, 1921), le Réquisitoire
(Manslaughter, 1922) et la Rançon d'un trône (Adam's Rib, 1923), il entame
un cycle de superproductions colossales dont une première version des Dix
Commandements (The Ten Commandments, 1923), l'Empreinte du passé (The Road
to Yesterday, 1925), les Bateliers de la Volga (The Volga Boatman, 1926)
et le Roi des rois (The King of Kings, 1927), tout en tournant plusieurs
mélodrames comme Triomphe (Triumph, 1924), le Tourbillon des âmes (Feet of
Clay, 1924), le Lit d'or (The Golden Bed, 1925), Chicago (1928) et les
Damnés (The Goldless Girl, 1928).

UNE GRANDE FIGURE DU PARLANT

Le passage du muet au parlant ne gêne guère DeMille, qui continue à se
distinguer par son fastueux sens du spectacle. Il poursuit parallèlement
ses réflexions sur des thèmes sociaux et moraux comme l'union libre, la
barbarie, le christianisme, l'idéalisme américain et même la délinquance
juvénile, comme dans Triomphe de la jeunesse (This Day and Age, 1933).

Les Dix Commandements (The Ten
Commandments, 1956) de Cecil B. DeMille

Porté sur la démesure, il donne une dimension grandiose à des
mélodrames comme Dynamite (1929), Forgotten Commandments (1932) et Four
Frightened People (1934), son seul échec commercial, et même à une comédie
musicale comme Madame Satan (Madam Satan, 1930). Il se spécialise
d’ailleurs assez vite dans la fresque historique à très grand spectacle,
avec le Signe de la Croix (The Sign of The Cross, 1932), Cléopâtre
(Cleopatra, 1934), les Croisades (The Crusadeers, 1935), les Flibustiers
(The Buccaneer, 1937) et Land of Liberty (1939).

Il tourne aussi d'excellents westerns : Une aventure de Buffalo Bill
(The Plainsman, 1936), avec Gary Cooper et Pacific-Express (Union-Pacific,
1939), avec Barbara Stanwyck.

Le Technicolor correspond parfaitement à son goût de l’épique et du
grandiose et lui inspire, dans divers genres, de grands films populaires
somptueusement mis en couleurs, comme les Tuniques écarlates (North West
Mounted Police, 1940), les Naufragés des mers du Sud (Reap The Wild Wind,
1941), les Conquérants du Nouveau Monde (Unconquered, 1946) (dont Gary
Cooper est encore la vedette après avoir participé à l'Odyssée du docteur
Wassel (Story of Doctor Wassel, 1944), film de propagande anti-japonaise
et contribution de DeMille à l’effort de guerre), Samson et Dalila (Samson
and Delilah, 1949), Sous le plus grand chapiteau du Monde (The Greatest
Show on Earth, 1953), et enfin sa deuxième version des Dix Commandements
(The Ten Commandments, 1956)

Malade, il interrompt ses activités après le succès mondial des Dix
Commandements. Il retournera néanmoins sur les plateaux pour superviser la
mise en scène d’un remake en couleurs de ses Boucaniers (The Buccaneer,
1958), dont son gendre Anthony Quinn signe la mise en scène.

Souvent contesté pour ses positions politiques fort réactionnaires à
l’époque du maccarthysme, DeMille est cependant reconnu par la plupart des
historiens et des cinéastes comme un père fondateur de Hollywood, mais
aussi comme un créateur de génie, dont les mises en scènes colossales
témoignent aussi d’un sens subtil de l’émotion.

Extrêmement célèbre à son époque, il est l’un des rares metteurs en
scène à avoir joué son propre rôle dans les films d’autres réalisateurs.
On le voit ainsi dans Hollywood (1923) de James Cruze, Free and Easy
(1930) de Edward Sedgwick, Au pays du rythme (Star-Spangled Rythm, 1942)
et Hollywood en folie (Variety Girl, 1947) de George Marshall, Boulevard
du crépuscule (Sunset Boulevard, 1950) de Billy Wilder, le Fils de Visage
pâle (Son of Paleface, 1952) de Frank Tashlin et l'Homme qui n'a
jamais ri (The Buster Keaton Story, 1956) de
Sidney Sheldon.

Il a publié une autobiographie, The Autobiography of Cecil B. DeMille
(1959).

Demy, Jacques

Jacques Demy
(1931-1990)
Cinéaste français
dont l’oeuvre se compose de contes de fées et de films chantés, au
croisement de la comédie musicale, de la romance et de
l’onirisme

Né à Pontchâteau, Jacques Demy étudia à l’école
des beaux-arts de Nantes avant de se tourner vers le cinéma d’animation.
Son premier film fut réalisé aux débuts de la Nouvelle Vague, avec
laquelle il tranchait, pourtant, par un mélange original de réalisme et
d’optimisme romanesque : Lola (1961), avec Anouk Aimée dans le rôle-titre.
Après la Baie des Anges (1963), un film sous-estimé faisant pourtant
preuve d’une grande rigueur psychologique et narrative, il réalisa deux
célèbres films aux dialogues chantés : les Parapluies de Cherbourg (palme
d’or au festival de Cannes en 1964) et les Demoiselles de Rochefort
(1967). Il bénéficia pour ces films de la participation du compositeur
Michel Legrand, qui avait collaboré à ses précédents films, et de
l’interprétation de sa comédienne fétiche, Catherine Deneuve.

Demy, Lola
La tendresse et la
mélancolie souriante de Demy imprègnent chaque plan de ce film aussi doux
et profond que le regard d'Anouk Aimée.

Plus tard, de retour à Nantes, il réalisa un autre film musical, Une
chambre en ville (1982), sur une musique de Michel Colombier, dont
l’intrigue se déroule sur fond de conflits sociaux. Il a également tourné
Peau-d’Âne (1970), le Joueur de flûte (The Pied Piper, 1972, réalisé en
Grande-Bretagne), un conte philosophique mettant en scène un homme
«enceint», l’Événement le plus important depuis que l’Homme a marché sur
la Lune (1973), une production japonaise en forme de roman-feuilleton,
Lady Oscar (1979), et une nouvelle tentative de film musical autour d’Yves
Montand, Trois Places pour le 26 (1988).

Nino Castelnuovo et Catherine Deneuve
dans les Parapluies de Cherbourg (1964) de Jacques Demy.

Premier long métrage chanté de Jacques Demy, les Parapluies de
Cherbourg met en scène les amours contrariées d'un garagiste et de la
fille d'une marchande de parapluies. La grâce de Catherine Deneuve — dont
ce fut, après le Vice et la Vertu de Roger Vadim en 1962, le second
film important — et la musique légère et entêtante de Michel Legrand
donnèrent à la comédie musicale (palme d'or au festival de Cannes en 1964)
une indéniable dimension poétique. Catherine Deneuve tourna à nouveau sous
la direction du réalisateur dans les Demoiselles de Rochefort (1967), dans
Peau-d'Âne (1970) et dans l'Événement le plus important depuis que l'homme
a marché sur la Lune (1973).

Son épouse Agnès Varda lui a consacré peu
après sa mort le film biographique Jacquot de Nantes (1991) ainsi que Les
demoiselles ont eu vingt-cinq ans (1993).

Depardon, Raymond

Raymond Depardon
(1942- )
Photographe et
cinéaste français

Il livra dans chaque reportage un
témoignage singulier, empreint d’une vision personnelle du monde.

Né à Villefranche-sur-Saône, issu d’un milieu rural, Raymond Depardon
se tourna très jeune vers la photographie de reportage. Après une première
série de clichés sur l’opération SOS-Sahara publiée par Paris-Match en
1960, il rejoignit l’agence Dalmas, dont il devint rapidement l’un des
grands reporters. Il fonda l’agence Gamma avec Gilles Caron en 1967 et
reçut dix ans plus tard le prix Pulitzer. Son premier livre, Tchad, parut
en 1978; cette année-là, il rejoignit l’agence Magnum.

Photographe, mais également réalisateur, Depardon aime à se plonger à
la manière d’un ethnologue dans le milieu qu’il prend pour sujet, que ce
soit un commissariat parisien, un asile psychiatrique ou un groupe de
rebelles tchadiens. Correspondance new-yorkaise (1981) fut une expérience
nouvelle, souvent éprouvante : une image par jour envoyée au journal
Libération pendant un mois (5 août 1981, New York, musée Guggenheim). Ses
longs-métrages (Reporters, 1981; Faits divers, 1983; San Clemente, 1984;
Délits fragrants, 1994; Afriques : comment ça va avec la douleur ?, 1996)
tiennent à la fois du documentaire et du cinéma d’auteur; il a d’ailleurs
abordé le film de fiction avec la Captive du désert (1990), en s’inspirant
d’une histoire vraie et en mettant en scène Sandrine Bonnaire.

Écrivain, Raymond Depardon publia en 1995 un ouvrage partiellement
autobiographique, la Ferme du Garet, qui revient sur ses origines
paysannes et mêle avec nostalgie - à la manière du Je me souviens de Perec
- le noir et blanc (Chaise d’enfant, 1956) à la couleur (la même Chaise
d’enfant, 1986). Encouragé par des commandes publiques, il approfondit son
travail sur les cultivateurs et sur leur environnement.

Depp, Johnny

Johnny Depp
(1964- )
Acteur et réalisateur
américain

Né à Owensboro (Kentucky), Johnny Depp est
d'abord musicien amateur dans un groupe de rock, puis débute au cinéma par
un petit rôle dans les Griffes de la nuit (A Nightmare on Elm Street,
1984) de Wes Craven avant de devenir une star de la télévision grâce à la
série 21, Jump Street, qui connaît un grand succès dans le monde
entier.

Il retrouve le grand écran avec John Waters pour Cry Baby (1990), puis
Tim Burton pour Edward aux mains d’argent (Edward Scissorhands, 1991). Ce
rôle de Pierrot lunaire aux doigts d'acier tranchant marque les esprits et
attire sur lui l’attention de metteurs en scène importants. Emir Kusturica
l’associe à Jerry Lewis dans Arizona Dream
(1992), Tim Burton lui offre un nouveau personnage insolite, le cinéaste
travesti d’Ed Wood (1994), Jim Jarmusch lui confie le rôle principal de
Dead Man (1994), une oraison funèbre dans un Far West dépouillé et Jeremy
Leven l’emploie aux côtés de Marlon Brando pour Don Juan de Marco (1995).
Il accepte ensuite des projets moins ambitieux, Donnie Brasco (1996) de
Mike Newell, Meurtre en suspens (Nick of Time, 1996) de John Badham, puis
finance son propre film, The Brave (1997), qui ne connaît qu’un succès
d’estime. Il repasse alors devant la caméra pour Las Vegas Parano de Terry
Gilliam (1998) où il interprète le rôle extravagant du journaliste
psychédélique Hunter Thompson.

Deray, Jacques

Jacques Deray
(1929- )
Réalisateur
français influencé par le cinéma américain, qui tourna la Piscine en
1969

Né à Lyon, Jacques Deray débuta comme acteur
dans de petits rôles au cinéma. Devenu assistant en 1953, il aborda la
réalisation en 1960 avec le Gigolo, drame psychologique interprété par
Alida Valli et Jean-Claude Brialy. Son deuxième film, Rififi à Tokyo
(1961), confirma ses qualités d’habile technicien de la mise en scène pour
films de genre, en l’occurrence policier.

Il lui fallut toutefois attendre 1969 et la Piscine pour affirmer son
talent, fait d’élégance et de précision dans les cadrages et dans la
direction d’acteurs. Ce fut en même temps le début d’une longue
collaboration avec Alain Delon, au cours de laquelle, malgré les succès
populaires, il ne donna pas le meilleur de lui-même (Borsalino, 1970;
Doucement les basses, 1971 ; Borsalino et Cie, 1974; Flic story, 1975; le
Gang, 1977; Trois Hommes à abattre, 1980; Un crime, 1993; l’Ours en
peluche, 1994).

Jacques Deray révéla ses qualités propres de cinéaste discret, capable
de servir avec émotion et efficacité des scénarios classiques, qu’une
pointe de style peut rendre plus attachants, dans des films comme Un peu
de soleil dans l’eau froide (1971) et surtout Un papillon sur l’épaule
(1978), qui offrit à Lino Ventura l’un de ses plus beaux rôles. La suite
de sa filmographie, par faiblesse des scénarios ou par manque de
conviction, ne confirma pas toujours ces réussites (le Marginal, avec
Jean-Paul Belmondo, 1983; On ne meurt que deux fois, 1985; Maladie
d’amour, 1987; les Bois noirs, 1989; Netchaiev est de retour, 1991).

Derkaoui (Mustapha)

Mustapha Derkaoui
(1941- )
Cinéaste
marocain

Né le 11 Novembre 1941 à Oujda. Il a fait des
études secondaires puis une formation au Conservatoire d'art dramatique à
Casablanca. De 1962 à 1963, il accomplit une formation de chef opérateur à
l'IDHEC (Paris), puis de 1963 à 1965, des études supérieures à l'Ecole
Nationale Supérieure du Théâtre et du Cinéma de Lodz (Pologne); il y
réalisera trois courts métrages. Son cinéma , volontiers "difficile",
caractérisé par la recherche (peu concluante) de formes narratives non
linéaires vers souvent vers l'hermétisme.

Filmographie

1963 : "Les Quatre murs", court métrage;

1966 : "Amghar", court métrage;

1967 : "Adoption", court métrage;

1968 : "Les Gens de la Cave", court métrage;

1969 : "Les Etats généraux du cinéma", court métrage;

1971 : "Un jour quelque part", court métrage;

1974 : Quatre courts métrages documentaires réalisés
pour l'Irak et l'UNESCO;

1975 : De quelques événements sans
signification, long métrage;

1976 : Les cendres du clos, court
métrage (en co-réalisation);

1982 : Les beaux jours de Shahrazade,
long métrage;

1984 : Titre provisoire, long
métrage";

1989 : Fiction Première, long métrage

Deschamps, Jérôme

Jérôme Deschamps
(1947- )
Metteur en
scène, auteur et acteur français, créateur des Deschiens

Né à Neuilly-sur-Seine, Jérôme Deschamps
collabora dans les années 1960 au groupe animé par Patrice Chéreau et Jean-Pierre
Vincent au lycée Louis-le-Grand, avant de s'inscrire à l'école de théâtre
de la rue Blanche puis au Conservatoire. Il entra ensuite comme
pensionnaire à la Comédie-Française, où il resta trois ans. C'est à
l'invitation d'Antoine Vitez qu'il créa en 1974 sa première pièce,
Baboulifiche et Papavoine. Mais c'est surtout avec la Famille Deschiens
(1979) qu'il trouva son style drolatique et inventif qui rencontra un
succès public grandissant, notamment dans le Lapin chasseur (1989), les
Pieds dans l'eau (1995) et dans la version télévisuelle de ses célèbres
Deschiens.

Jérôme Deschamps est parvenu, avec la complicité de sa femme, Macha
Makeieff, et d'un groupe d'acteurs fidèles, à créer sur scène un univers
original, à la fois comique et pathétique, banal et poétique. Fondés sur
l'observation minutieuse du quotidien, ses spectacles mettent en scène des
gens ordinaires figés dans leur histoire. La drôlerie naît moins du
langage, réduit à sa plus simple expression comme dans les films de Jacques Tati, que d'une gestuelle
parfaitement réglée, d'une succession de gags, de clowneries,
d'acrobaties, d'un défilé de personnages burlesques surgis comme par
erreur sur le plateau, en prise avec des objets qui leur échappent
constamment. Son théâtre repose sur un réalisme stylisé et révèle les
petits gestes de la vie dans leur beauté insolite. Derrière l'humour
transparaît une vision quelque peu désespérée du monde.

Deville, Michel

Michel Deville
(1931- )
Cinéaste français
révélé par une série de comédies virevoltantes, dont l’oeuvre, devenue de
plus en plus désenchantée, s’attache à dénoncer les manipulations et les
fausses apparences

Né à Boulogne-sur-Seine, Michel Deville
s’oriente très jeune vers le cinéma, assistant notamment Henri Decoin sur
plusieurs de ses productions. Après Une balle dans le canon (1958), un
film policier traditionnel réalisé en collaboration avec Charles Gérard,
il tourne ses premières comédies sur des scénarios de Nina Companeez (À
cause, à cause d’une femme, 1963; l’Appartement des filles, 1963; On a
volé la Joconde, 1966).

Contemporains de la Nouvelle Vague, ses films s’en écartent pourtant
par de constantes références à Marivaux et par une direction d’acteurs
rigoureuse (Benjamin ou les Mémoires d’un puceau, 1968; l’Ours et la
Poupée, 1970). Il aborde par la suite des univers plus ambigus : Eaux
profondes (d’après Patricia Highsmith, 1981), Péril en la demeure (d’après
René Belletto, 1985). Le Dossier 51 (1978), qui traite de la destruction
d’une personnalité par une organisation policière à des fins politiques, a
étonné par son sérieux et par sa froideur. La Petite Bande (1983), film
sans dialogues ni texte, qui raconte la fugue d’un groupe d’enfants, a
séduit par son rythme et par son élégance.

Michel Deville a également tourné le Paltoquet (1986), la Lectrice
(1988), Nuit d’été en ville (1990), Toutes peines confondues (1992), la
Divine Poursuite (1997), la Maladie de Sachs (1999).

Dieterle, William

Wilhelm Dieterle
(De son vai nom William
Dieterle)
(1893-1972)
Cinéaste américain d’origine allemande ayant
débuté comme acteur à Berlin au temps du muet, et devenu l’un des
réalisateurs les plus prolifiques des studios Warner à Hollywood

Wilhelm Dieterle est né à Ludwigshafen. Venu
du théâtre, où il avait joué notamment avec Max Reinhardt, il débuta à
l’écran en 1921 et interpréta de nombreux films, le plus souvent aux côtés
des stars de l’époque, Henny Porter et Asta Nielsen. Comédien réputé, il
fut, entre autres, le personnage principal du Cabinet des figures de cire
(Das Waschsfigurenkabinett, 1924) de Paul Leni, l’un des sommets du cinéma
expressionniste allemand.

Passé à la réalisation, il tourna neuf films (où il était également
acteur), notamment Chaînes (Geschlecht in Fesseln, 1928), puis fut engagé
aux États-Unis en 1930. Entre 1931 et 1934, il réalisa dix-sept films pour
Warner. Après le Songe d’une nuit d’été (A Midsummer Night’s Dream, 1935,
codirigé par Max Reinhardt), il tourna une série de biographies filmées
(Louis Pasteur, Florence Nightingale, Émile Zola, Benito Juarez, etc.).
Réalisateur de films de prestige, il dirigea également Charles Laughton
dans Quasimodo (The Hunchback of Notre Dame, 1939), Simone Simon dans Tous
les biens de la terre (All That Money Can Buy, sur le thème de Faust,
1941), Ginger Rogers et Joseph Cotten dans Étranges vacances (I’ll Be
Seeing You, coréalisé par George Cukor, 1944) et Jennifer
Jones dans Portait de Jennie (Portrait of Jennie, 1949).

Revenu en Allemagne en 1950, il y tourna trois films, dont les Mystères
d’Angkor (Herrin der Welt, 1960), ainsi qu’un certain nombre de téléfilms.
Longtemps sous-estimé, son talent de cinéaste a été récemment reconnu et
certains de ses films furent redécouverts, comme Kismet (1994), Blocus
(Blockade, avec Henry Fonda, 1938) ou The Last Flight (1931).

Ditvoorst, Adriaan

Adriaan Ditvoorst
(1940-1987)
Cinéaste
néerlandais

Né à Bergen op Zoom (Pays-Bas), dans
une famille catholique, il fait ses études à l'Académie néerlandaise de
cinéma et tourne son premier court métrage, Partir pour Madras (Ik kom wat
later naar Madra, 1965), l'histoire d’un conscrit qui déserte pour aller
voir sa femme qui vient d'être accidentée. Le film est primé dans
plusieurs festivals et Jean-Luc Godard déclare : «C'est
la plus belle bande-son que j'aie jamais entendue.»

Son premier long métrage, Paranoïa (1967), est l'adaptation d'une
nouvelle de l'écrivain Wilhelm Frederik Hermans et décrit une obsession
tragique qui conduit au suicide. Après un court métrage de forme
faussement documentaire, Antenna (1970), il revient à Wilhelm Frederik
Hermans pour le Photographe aveugle (De blinde fotograaf, 1972), où il
explore les troubles d'une fascination sexuelle. Par la suite, le Manteau
de l'amour (Der mantel des liefte, 1978) reçoit un mauvais accueil public
et critique. Il tourne encore quelques films, dont De Witte Waan (1983),
une oeuvre déroutante sur l'autodestruction, puis, en 1987, se suicide en
se jetant dans l'Escaut.

Le réalisateur néerlandais Thom Hoffman, qui joue le rôle principal
dans De Witte Waan lui a consacré un beau film documentaire, les Domaines
Ditvoorst (De domeineen Ditvoorst, 1992).

Dmytryk, Edward

Edward Dmytryk
(1908-1999)
Réalisateur
américain, d'origine canadienne et ukrainienne

Né à Grand Forks (Colombie britannique) dans
une famille d'immigrés ukrainiens, il débute comme garçon de courses chez
Paramount en 1923, puis devient chef monteur en 1930 avant de réaliser des
films de série B comme The Hawk (1935), Television Spy (1939), Emergency
Squad (1939), Golden Gloves (1940), Mystery Sea Raider (1940), Her First
Romance (1940), The Devil Commands (1941), Under Age (1941), Sweetheart of
The Campus (1941), The Blonde from Singapore (1941), Secrets of the Lone
Wolf (1941), Confessions of Boston Blackie (1941), Counter-espionage
(1942) et Seven Miles from Alcatraz (1942).

Il se signale ensuite par un implacable mélodrame antinazi, Hitler's
Children (1943), tout en continuant à oeuvrer dans la série B avec The
Falcon Strikes Back (1943) et Captive Wild Woman (1943).

Après un nouveau film de propagande, Face au soleil levant (Behind The
Rising Sun, 1943), il signe Tender Comrade (1944), un mélodrame
progressiste qui lui vaudra d'être accusé de communisme par la commission
des activités antiaméricaines du sénateur McCarthy, il tourne une bonne
adaptation du roman Adieu ma jolie (Farewell My Lovely) de Raymond
Chandler, Le crime vient à la fin (Murder my Sweet, 1945), signe un
intéressant film de guerre pacifiste Retour aux Philippines (Back to
Bataan, 1945) et met en scène avec brio un autre beau film noir Cornered
(1945).

Son oeuvre devient alors plus ambitieuse et il aborde des sujets
sociaux et politiques avec Till the End of Time (1946), So Well Remembered
(1947) et Feux croisés (Crossfire, 1947), un film antiraciste.

Convoqué devant la commission des activités antiaméricaines, il refuse
de témoigner. Interdit de travail dans son pays, il part pour la
Grande-Bretagne où il tourne un film sur les travailleurs immigrés
italiens, Donnez-nous aujourd'hui (Give Us This Day, 1949) et un curieux
film à suspense policier, l'Obsédé (Obsession, The Hidden Room, 1949).

De retour aux États-Unis où il purge une peine de prison pour son refus
de témoignage, il accepte finalement, en 1951, de collaborer avec la
commission d'enquête contre le communisme et dénonce plusieurs personnes.
Il obtient en conséquence le droit de travailler à nouveau pour les
studios américains et réalise Mutinerie à bord (Mutiny, 1952), l'Homme à
l'affût (The Sniper, 1952), Eight Iron Men (1952), le Jongleur (The
Juggler, 1953), avant de renouer avec le succès avec Ouragan sur le Caine
(The Caine Mutiny, 1954), avec Humphrey Bogart dans le rôle du capitaine
Quegg, et la Lance brisée (The Broken Lance, 1954), un western aux
résonances psychologiques interprété par Spencer Tracy.

Après Vivre un grand amour (The End of the Affair, 1954), le
Rendez-vous de Hong Kong (Soldiers of Fortune, 1955), la Main gauche du
seigneur (The Left Hand of God, 1955), encore avec Humphrey Bogart, la
Neige en deuil (The Mountain, 1956), où il retrouve Spencer Tracy, et
l'échec d'une superproduction avec Elizabeth Taylor et Montgomery Clift
l'Arbre de vie (Raintree Country, 1957), il triomphe avec un film de
guerre interprété par Marlon Brando, Montgomery Clift et Dean Martin, le
Bal des maudits (The Young Lions, 1958), puis se surpasse dans un
magnifique western avec Henry Fonda et Anthony Quinn, l'Homme aux colts
d'or (Warlock, 1959), avant de commettre un mauvais remake de l'Ange Bleu
(The Blue Angel, 1956).

Il réalise encore l'intéressant la Rue chaude (Walk on the Wild Side,
1962) et un mélodrame réussi, les Ambitieux (The Carpetbaggers, 1963). Par
la suite, et jusqu’à la fin de sa carrière, son talent ne cesse de
décliner avec Miracle à Cupertino (Where Love Has Gone, 1964), Mirage
(1965), un thriller avec Gregory Peck, Alvarez Kelly (1966), un western
qui réunit Richard Widmark et William Holden, une fresque de guerre
intitulée Bataille pour Anzio (Anzio, 1968), un «nouveau western» avec
Brigitte Bardot, Shalako (1968), Barbe Bleue (Bluebeard, 1973) avec Richard Burton, et une médiocre
coproduction anglo-italienne, la Guerre des otages (The Human Factor,
1975).

Doillon, Jacques

Jacques Doillon
(1944- )
Cinéaste français
dont l’oeuvre, souvent audacieuse par les thèmes traités, témoigne d’une
grande finesse psychologique; il tourna principalement des films
intimistes, à petit budget, et employa indifféremment acteurs réputés et
comédiens non professionnels

Né à Paris, Jacques Doillon s’orienta vers
le montage cinématographique avant d’aborder la réalisation. Ses deux
premiers films, marqués par l’esprit de Mai 68, connurent un grand
retentissement : l’An 01 (1972), série de sketches écrits en collaboration
avec le dessinateur Gébé, et les Doigts dans la tête (1974), chronique
douce-amère de la jeunesse des années 1970.

Après une adaptation décevante du roman autobiographique de Joseph
Joffo Un sac de billes (1975), il tourna une série de huis clos où il fit
preuve d’un grand sens de l’observation et montra un intérêt soutenu pour
les situations psychologiques délicates et pour les problèmes de
communication : la Femme qui pleure (1978), la Drôlesse (1979), la Pirate
(1984), la Tentation d’Isabelle (1985), la Puritaine (1986), l’Amoureuse
(1987), Du fond du coeur (ou Germaine et Benjamin, 1994). Simple et
pudique, il excella à mettre en scène enfants et adolescents (la Vie de
famille, 1984; la Fille de quinze ans, 1989; le Petit Criminel, 1990; le
Jeune Werther, 1993; Ponette, 1996).

Donen, Stanley

Stanley Donen
(1924- )
Cinéaste américain,
ancien danseur révélé à Broadway et appelé à Hollywood, en 1943, à
l’initiative de son ami Gene Kelly

Danseur puis chorégraphe dans les studios de
la MGM, coréalisateur avec G. Kelly de Un jour à New York
(On the Town, 1949) et de Chantons sous la pluie (Singin’ in the Rain,
1952) - énorme succès et classique du genre - il réalisa plusieurs autres
comédies musicales dont Donnez-lui une chance (Give a girl a Break, 1953),
les Sept Femmes de Barberousse (Seven Brides for Seven Brothers, 1954),
Drôle de frimousse (Funny Face, 1957). Il s’orienta ensuite vers la
comédie pure, où s’affirma son élégance et son talent dans la direction
d’acteurs réputés : Indiscret (Indiscreet, 1958), Charade (Charade, 1963),
Voyage à deux (Two for the Road, 1967).

Gene Kelly dans Chantons sous la
pluie (Singin' in the Rain), réalisé en 1952 par Gene Kelly et Stanley
Donen
Évocation de l'âge d'or du cinéma muet, le film est sans
doute l'une des plus célèbres comédies musicales du monde. Amoureux de
Kathy Selden (Debbie Reynolds), Don Lockwood (Gene Kelly) chante sa joie de
vivre sans se soucier de la pluie torrentielle qui s'abat sur lui : son
allégresse laissera plus d'un spectateur euphorique.

Doniol-Valcroze, Jacques

Jacques
Doniol-Valcroze
(1920-1989)
Critique, comédien et cinéaste
français

Né à Paris, Jacques Doniol-Valcroze écrit (au
lendemain de la Libération) des critiques de films remarquées, qu’il signe
de son nom ou sous le pseudonyme d’Étienne Loinod. Il collabore à
Cinémonde, à la Revue du cinéma, à France Observateur et à l'Express.
Cofondateur des Cahiers du cinéma, il en assure longtemps la rédaction en
chef, puis la direction; il y défend, entre autres, les oeuvres de Michelangelo Antonioni, d’Elia Kazan, d’Ingmar Bergman et de Luis Buñuel. Il organise
parallèlement, avec Jean Cocteau, le Festival du film
maudit à Biarritz et Objectif 49.

Scénariste, il écrit pour Pierre Chevalier le scénario de Vous pigez
(1956), et pour son ami Pierre Kast ceux du Bel Âge
(1958) et de Vacances portugaises (1962). Excellent comédien, il apparaît
dans Orphée (1950) de Jean Cocteau, le Coup du berger
(1956) et Out One (1970) de Jacques Rivette, l'Immortelle
(1960) et le Jeu avec le feu (1975) d’Alain Robbe-Grillet, Je t'aime,
je t'aime (1968) d’Alain Resnais, l'Amour, c'est
gai, l'amour, c'est triste (1968) de Jean-Daniel Pollet, le Voyou
(1970) de Claude Lelouch, la Dérobade (1979) de Daniel Duval,
et Location (1979) de Noël Simsolo.

Réalisateur de courts métrages ironiques et raffinés, il signe Bonjour
Monsieur la Bruyère (1957), l'oeil du maître (1957) et les Surmenés
(1958). Il illustre ensuite avec élégance une certaine tendance de la
Nouvelle Vague en signant de jolies comédies libertines interprétées par
son épouse Françoise Brion, l'Eau à la bouche (1959, musique de Serge
Gainsbourg) et le Coeur Battant (1962), qu’il enchaîne avec un film
politique sur l'OAS, la Dénonciation (1962), avant de réaliser une oeuvre
moderne, ambitieuse et passionnante, le Viol (1967).

Un mélodrame, la Maison des Bories (1970), lui fait connaître un grand
succès public, après lequel il tourne encore l'Homme au cerveau greffé
(1972) et la Femme fatale (1974), avant de réaliser Nick chasseur de têtes
(1987) pour la télévision.

Membre fondateur de la Société des réalisateurs de films (SRF) et de la
Quinzaine des réalisateurs du Festival de Cannes, Jacques Doniol-Valcroze
est également l'auteur de deux romans, les Portes du baptistère (1955) et
les Fiancées de l'Empire (1981).

Donskoï, Mark Semenovitch

Mark Donskoï
(1901-1981)
Cinéaste
soviétique

L’un des plus originaux parmi les cinéastes
soviétiques est né à Odessa, où son père était ouvrier (la date exacte de
sa naissance est inconnue à une ou deux années près). En 1917, la
révolution lui «permet de faire des études», comme il le dira plus tard.
Après deux années de médecine pendant lesquelles il songe à devenir
psychiatre, il opte pour la littérature tout en cultivant le piano et la
composition musicale. Joueur de football, il restera longtemps dirigeant
de la Fédération soviétique de ce sport. D’une de ses nouvelles, il tire
en 1925 un scénario qu’il porte, à Moscou, à Viktor Chlovski. Celui-ci
l’introduit auprès d’Eisenstein, dont il devient
l’élève et, bientôt, l’assistant.

À partir de 1927, il réalise quelques films muets, aujourd’hui perdus,
et, en 1934, son premier vrai film : Le Chant du bonheur. Sa grande
admiration est, à l’époque, Gorki; il rencontre le vieil écrivain, qui lui
objecte : «Il n’est pas bon de dresser des monuments à un vivant.»
Toutefois, Donskoï s’attelle à la réalisation de sa «trilogie» adaptée de
Gorki : L’Enfance de Gorki (1938), En gagnant mon pain (1939), Mes
Universités (1940). Le succès est immense : prix Staline en 1941; Donskoï
achève Les Romantiques alors que les troupes hitlériennes approchent de
Moscou : par miracle, cinq copies mutilées de ce film (1 700 sur 2 900
mètres) seront sauvées. Replié en Turkménie, Donskoï y dirige Et l’acier
fut trempé (1941) puis Arc-en-ciel (1943). Le premier de ces films est un
remarquable exemple de propagande patriotique transfigurée en ballets
presque abstraits de combattants; le second, dont le sujet convient mieux
au tempérament romantique du cinéaste, exalte la résistance à l’occupant
avec autant de poésie que d’intensité dramatique.

En 1945, Donskoï adhère au Parti communiste. Titulaire de deux autres
prix Staline, fêté à Venise, il voit La Loi de la grande terre (1948)
brutalement interrompu par ordre du dictateur. Il est déplacé d’office de
Moscou à Kiev, où il ne mettra en scène qu’un documentaire, jusqu’en
1954.

Il réalise alors un vieux projet, La Mère, d’après Gorki, puis Le
Cheval qui pleure (1956), sans doute son chef-d’oeuvre (et son premier
film en couleurs). En 1958, il est le délégué du cinéma soviétique à
l’Exposition internationale de Bruxelles, et renoue avec l’Occident des
contacts jusqu’alors épistolaires et fragmentaires. Il réalisera encore
Thomas Gordeiev (1959) qui, sans égaler Le Cheval qui pleure, en conserve
la force essentielle, Bonjour les enfants (1962) et Le Coeur d’une mère
(1965), présenté hors concours à Cannes l’année suivante, émouvant premier
volet d’un diptyque consacré à la mère de Lénine, dont apparemment la
seconde partie n’a jamais été réalisée.

Beaucoup moins théoricien que les «grands» du cinéma soviétique,
suspect au pouvoir à plus d’un titre (il est d’origine juive), Donskoï a
su mêler dans son oeuvre la tendresse et la colère, l’émotion et le
sérieux, en évitant toujours le prêche didactique et les sentiments
plaqués. Si certaines parties de la trilogie ont vieilli, d’autres
annoncent plastiquement les réussites de la guerre et de l’après-guerre
(auxquelles il faut ajouter Varvara, 1946). À la fois chantre de la nature
et interprète des combats des hommes, Donskoï use parfois des comparaisons
eisensteiniennes, mais il sacrifie les effets de montage au mouvement
«spontané» de sa caméra : sa calligraphie - ainsi qu’une excellente
direction d’interprètes - est le reflet d’un amour panthéiste de la vie,
perçue selon l’expression d’un de ses personnages, comme «une suite de
tourbillons» jamais gratuits, jamais non plus réduits par le réalisme.

Dovjenko, Alexandre Petrovich

Alexandre Dovjenko
(1894-1956)
Cinéaste
ukrainien

Fils de paysans ukrainiens, Dovjenko
appartient à la première génération du cinéma soviétique, celle d’Eisenstein, de Poudovkine, de Donskoï. Théoricien, esthéticien
avant d’être réalisateur, il a traité comme ses émules les thèmes
fondamentaux de l’art engagé : la révolution et la collectivisation. La
Terre (Zemlia, 1929-1930), probablement son chef-d’oeuvre, constitue une
manière de synthèse de sa personnalité et de son style. Foncièrement
lyrique, ce poème filmique célèbre tout à la fois la communion de l’homme
avec la nature et la rencontre privilégiée d’un tempérament avec les
idéaux marxistes : «Ce que Dovjenko exprime avec une franchise brutale,
simpliste mais passionnée, c’est le sentiment de participer à une
prodigieuse aventure collective, d’être une partie d’un tout, de
s’identifier à l’ordre nouveau, expression supérieure d’un grand ordre
naturel» (L. Marcorelles). S’il se soucie peu de psychologie individuelle
- ses héros sont monolithiques -, il a le coeur et le style épiques; son
rythme a l’enthousiasme de l’espérance, sa plastique est d’un visionnaire
inspiré, et sa vitalité se manifeste dans l’humour parfois breughélien qui
traverse et rafraîchit son souffle héroïque. Dovjenko passa sans
difficulté du muet au parlant - Chostakovitch notamment lui prêta son
concours - et du noir et blanc à la couleur.

«Ivan» (1932), d’Alexandre
Dovjenko

La Montagne au trésor (Zvenigora, 1928) forme une sorte de geste
légendaire de l’Ukraine, des Vikings au communisme; L’Arsenal (1929),
Aerograd (1935), Chtchors (1939) chantent la lutte finale qui doit faire
aboutir l’âge d’or du socialisme, évoqué dans Mitchourine (La Vie en
fleur, 1949) ainsi que dans Le Poème de la mer; interrompu par la mort de
l’auteur, celui-ci fut achevé par sa femme, qui fut aussi sa
collaboratrice, Youlia Solntzeva.

Dréville, Jean

Jean Dréville
(1906-1997)
Critique et
cinéaste français

Né à Vitry-sur-Seine, Jean Dréville est le
fils d'un ingénieur des mines, également homme de lettres, poète et
journaliste. Il devient dessinateur, photographe, puis critique de cinéma
et dirige les revues Cinégraphie et On tourne, avant de passer à la
réalisation de films.

Il débute avec un reportage original sur le tournage d'un film de
Marcel L’Herbier, Autour de l'Argent (1928), puis réalise le premier film
sur pellicule panchromatique, Quand les épis se courbent (1929). Après
quelques courts métrages, il signe un vaudeville, Pomme d'amour (1932), un
film illustrant une chanson, À la Varennes (1932), et adapte trois oeuvres
de Roger Ferdinand : Trois pour cent (1933), Un homme en or (1934), et
Touche à tout (1934).

Réalisateur éclectique et bon artisan, il tourne des mélodrames comme
les Petites Alliées (1936), Troïka sur la piste blanche (1937), les Nuits
blanches de Saint-Petersbourg (1937) et Maman Colibri (1937), des films à
costumes comme le Joueur d'échecs (1938), des comédies comme Annette et la
dame blonde (1941) ou des films réalistes comme les Roquevillard (1943).
Son adaptation des Affaires sont les affaires (1942) d’Octave Mirbeau,
interprétée par Charles Vanel et Robert le Vigan, est exemplaire.

À la fin de la Seconde Guerre mondiale, Dréville entame avec la Cage
aux rossignols (1944) une longue collaboration avec le comédien et
scénariste Noël-Noël, qu’il retrouve dans
les Casse-pieds (1948), dans un sketch des Sept péchés capitaux (1951),
dans À pied, à cheval et en spoutnik (1958) et dans la Sentinelle endormie
(1965).

Parmi ses meilleurs films, il faut citer Copie conforme (1946), où
Louis Jouvet tient un double rôle, la Bataille de l'eau lourde (1947), une
fresque réaliste sur la Résistance norvégienne, Horizons sans fin (1952),
qui retrace la vie de l'aviatrice Hélène Boucher, la Reine Margot (1954),
une illustration brillante du roman d'Alexandre Dumas, avec Jeanne Moreau
pour la première fois en vedette, les Suspects (1956), l’un des rares
films sur la guerre d'Algérie tourné durant les événements eux-mêmes,
Normandie Niemen (1959), produit avec l'Union soviétique, et La Fayette
(1961), une spectaculaire superproduction internationale réalisée en 70
mm.

À partir de 1968, Jean Dréville a surtout travaillé pour la télévision,
notamment avec Noël-Noël dans le Voyageur des
siècles (1971).

Dreyer, Carl Theodor

Carl Dreyer
(1889-1968)
Cinéaste et
scénariste danois

Auteur d’une oeuvre à la dimension dramatique
et métaphysique. Son oeuvre, construite sur la fascination des visages et
de leur langage, est composée d’une vingtaine de films et de seulement
quatorze longs métrages. Elle se partage entre le muet et le parlant, et
compte parmi les plus marquantes de l’histoire du cinéma. Par sa technique
originale et la dimension spirituelle de ses films, il a influencé toute
une génération de cinéastes, en particulier - et différemment - Ingmar Bergman et Jean-Luc Godard.

Après avoir débuté comme journaliste, Dreyer fut engagé à la Nordisk
Film, compagnie de production danoise, en tant que scénariste en 1912. Il
écrivit alors une quarantaine de scénarios. Marqué par Intolérance de Griffith, son premier film, le
Président, voit le jour en 1919. En 1920 sort Pages arrachées au livre de
Satan, film malicieux et amer qui dépeint en quelques traits l’action de
Satan dans l’histoire du monde. Dès lors, Dreyer travailla dans plusieurs
pays et tourna des films en Norvège, au Danemark, en France et en Suède.
Influencé par l’oeuvre de Victor Sjöström, Dreyer, dans la
Quatrième Alliance de Dame Marguerite (ou la Veuve du pasteur, 1920),
attacha un soin particulier au cadrage et au rythme de l’action qui devint
caractéristique de son style de la maturité. Le Maître du logis (1925)
témoigne de l’humour féroce de Dreyer, qui apparaît peu dans ses autres
films : il y présente un tyran domestique et une femme oppressée et
soumise. On peut y voir en germe la critique de la bourgeoisie et le refus
de l’intolérance qui s’exprimeront dans plusieurs de ses films, et
notamment Gertrud.

Le poète et acteur français Antonin
Artaud dans La passion de Jeanne d’Arc (1928), film du réalisateur danois
Carl Dreyer, d’après Joseph Delteil

Dans la Passion de Jeanne d’Arc (1928), interprétée notamment par
l’actrice Renée Falconetti dans le rôle de Jeanne d’Arc et par Antonin
Artaud dans le rôle d’un moine, Dreyer, qui signait là l’un de ses
chefs-d’oeuvre, mit l’accent sur la composition décentrée et sur les
propriétés graphiques du plan cinématographique, jouant de cadrages très
serrés sur des visages expressifs, tendus et douloureux, qui firent de ce
film muet, selon le mot de Paul Claudel, un «film qui crie vers la
parole».

Vampyr (Vampire, l’étrange aventure de David Gray, 1932), tourné en
France, son premier film sonore et seul film «fantastique», suivant un
procédé inverse, attirait l’attention vers la caméra par l’utilisation de
l’espace hors champ. L’espace et le temps furent systématiquement mis en
exergue dans les films dramatiques que Dreyer réalisa à la fin de sa
carrière. Dans Dies Irae (Jour de colère, 1943), Dreyer met en scène un
injuste procès en sorcellerie et dénonce l’intolérance de son temps (le
Danemark est alors occupé par l’Allemagne nazie). Dies Irae est aussi un
superbe film sur l’amour impossible. Pendant la guerre, Dreyer refusera de
tourner un film antisémite pour l’Allemagne nazie, l’adaptation de Pan, de
Knut Hamsun.

Falconetti dans le rôle principal de «La
Passion de Jeanne d’Arc» (1928), film muet du réalisateur danois Carl
Dreyer (1889-1968), d’après Joseph Delteil

De 1949 à sa mort, il travailla à un projet de film réaliste sur
Jésus-Christ, Jésus juif. Avec Ordet (la Parole, ou, plus exactement, «le
Verbe», 1955), d’après l’oeuvre du pasteur et dramaturge Kaj Munk, Dreyer
atteignit les sommets mystiques de son oeuvre, démontrant le pouvoir de
résurrection (au propre comme au figuré) de la parole, et la puissance de
la foi, à travers l’étrange relation qui s’instaure dans une famille entre
un fou et un enfant, lors de la mort de la mère de celui-ci. Les grands
thèmes de Dreyer : l’amour, l’idéalisation de la femme et la mort sont
présents. Techniquement, il élabora pour ce film un système de travelling
qui, associé aux longues prises de vue, réussit à rendre compte de la
durée de l’action et mit l’accent sur les différents plans pour faire
ressortir l’entité spatio-temporelle.

Carl Theodor Dreyer (1889-1968), sur le tournage
de la «Passion de Jeanne d’Arc» (1928)

Falconetti dans le rôle principal de «La Passion de Jeanne d’Arc»
(1928), film muet du réalisateur danois Carl Dreyer (1889-1968), d’après
Joseph Delteil

Dans Gertrud (Gertrude, 1964), il retrouve le thème de l’amour
impossible, qu’une femme mariée découvre après avoir sacrifié sa vie au
faux bonheur de son couple. Dreyer utilisa pour ce film de longues prises
de vues, présenta ses personnages de face, utilisa des symétries composées
et la présence de l’espace hors champ par le jeu d’un miroir, cela afin de
produire des effets archaïsants. Derrière une apparence feutrée, ce film,
comme tous les films de Dreyer, est d’une grande violence de sentiments et
dévoile un être de douleur habité par une forte dimension spirituelle. À
la fin de sa vie, pour vivre, Dreyer fut contraint de diriger une salle de
cinéma à Copenhague. Il reçut le Lion d’Or au Festival du film de Venise
en 1955.

Les notes que Dreyer prit sur ses films ont été rassemblées dans
Dreyer in Double Reflection (1973).

Dulac, Germaine

Germaine Dulac
(De son vrai nom Germaine
Saisset-Schneider)
(1882-1942)
Cinéaste et théoricienne du
cinéma

Née à Amiens, jeune femme de bonne famille,
elle se passionne pour le journalisme et le féminisme et collabore à la
Fronde, journal féministe fondé par Marguerite Durand. En 1915, elle se
tourne vers le cinéma et réalise, grâce à l’argent de son mari, les Soeurs
ennemies, mélodrame historique. Les films suivants (Geo le mystérieux,
1916 ; Venus Victrix, 1916 ; Dans l’ouragan de la vie, 1916) ne témoignent
guère en faveur du talent de leur réalisatrice. En 1917, sur le tournage
d’Âmes de fous, son cinquième film, elle fait la rencontre d’un cinéaste
et critique dont l’influence sera déterminante : Louis Delluc. Dulac se
lance alors dans le cinéma d’avant-garde. Les recherches esthétiques
prennent le pas sur l’exposition du récit et le jeu des acteurs.
Représentante de ce qu’on appelle parfois le cinéma « impressionniste »,
elle multiplie les déformations de l’image, les flous et surimpressions,
les mouvements virtuoses de la caméra et les effets de montage, pour
réaliser un cinéma d’art qui tienne son rang parmi les autres formes
artistiques. La Fête espagnole (1919), la Mort du soleil (1921), la
Souriante Madame Beudet (1923) ou le Diable dans la ville (1924) sont des
exemples accomplis de ce style esthétisant.

En 1927, elle réalise la Coquille et le Clergyman, sur un scénario
d’Antonin Artaud. Artaud et les surréalistes détesteront ce film, jugé
profondément vain, et cette polémique entravera durablement la carrière de
Dulac. Elle réalise cependant encore quelques courts-métrages, qu’elle
définit dans ses écrits comme du «cinéma pur», de la «musique visuelle».
Il s’agit d’adaptations de poèmes de Baudelaire (l’Invitation au voyage,
1927) ou de courtes pièces musicales (Disque 927, 1928), voire de poésie
scientifique (Germination d’un haricot, 1928).

Dulac ne s’étant pas adaptée pas à la révolution du parlant, elle
abandonne la réalisation et devient directrice des actualités chez Pathé
puis à la Gaumont.

Duras, Marguerite

Marguerite Duras
(1914-1996)
Ecrivain,
dramaturge et cinéaste française

UNE JEUNESSE
DOULOUREUSE

Née à Gia Dinh (Indochine), Marguerite Duras (Marguerite Donnadieu pour
l’état civil) grandit sur les bords du Mékong, où ses parents sont
enseignants. Son père meurt. Sa mère se ruine dans l’achat de terrains
incultivables et sombre alors dans une sorte de folie. Elle évoque cette
partie de sa vie - enfance et adolescence - dans plusieurs de ses romans :
Un barrage contre le Pacifique (1950) et l’Amant (1984). En 1932, elle
s’installe à Paris pour achever des études de droit, de mathématiques et
de sciences politiques, puis adhère au Parti communiste et se marie avec
Robert Antelme. Pendant l’Occupation, elle publie ses premiers romans :
les Impudents (1943) et la Vie tranquille (1944), tout en faisant partie
d’un réseau de résistance. Elle racontera cette période de sa vie, ainsi
que l’histoire de son mari rescapé des camps de concentration, dans la
Douleur (1985).

NOUVEAU ROMAN

Après la guerre, elle continue sa production littéraire dans une
écriture assez classique : Un barrage contre le Pacifique et le Marin de
Gibraltar (1952), puis inaugure un nouveau style avec les Petits Chevaux
de Tarquinia (1953) et les Chantiers (1954), dont l’écriture elliptique,
simplifiée, objective et musicale la rapproche des essais et des
recherches du Nouveau Roman. Toujours engagée politiquement, elle signe le
Manifeste des 121 (qui proclame le droit à l’insoumission des appelés
français en Algérie), s’engage dans le mouvement de Mai 68 et milite dans
les mouvements féministes. Elle collabore à quelques journaux, écrit
d’autres romans, dont le Ravissement de Lol V. Stein (1964), le
Vice-Consul (1965), Détruire, dit-elle (1969), l’Amour (1971), Son nom de
Venise dans Calcutta désert (1976), l’Été 80 (1980), la Douleur (1985) et
des pièces de théâtre, comme la Musica (1965), Des journées entières sous
les arbres (1973) ou Savannah Bay (1983).

UN STYLE PERSONNEL

Que ce soit dans ses romans, dans ses textes autobiographiques ou dans
ses pièces de théâtre, Marguerite Duras cultive une écriture de l’absence
visant au dépouillement et dont les principaux thèmes sont l’amour et la
mort, ou plus précisément la recherche de l’amour absolu, qui est aussi un
désir de mort. Elle abandonne les obligations de la psychologie
traditionnelle, la présence continue du narrateur omniscient, les
exigences d'une logique «séquentielle» et la «motivation» des faits. Il ne
subsiste alors que le texte, à la limite du silence, que cette quête du
«mot trou où tous les autres auraient été enterrés», et, en définitive, du
possible de l’écriture. Dépeignant le même personnage à travers une
pluralité d’identités (Vera Baxter, Lol V. Stein, Aurélia Steiner),
décrivant toujours des lieux vacants, elle compense cette écriture de
l’absence par un travail sur les genres. Ainsi, elle reprend souvent le
même récit sous la forme théâtrale, cinématographique et romanesque, avec
un constant souci d’épuration et de justesse dans l’expression. L’exemple
le plus frappant en est le cycle amorcé par le Ravissement de Lol V.
Stein, car l’anecdote de ce roman est prolongée ou modulée par de nombreux
ouvrages, tels que le Vice-Consul et son double cinématographique India
Song (1973, 1975 pour la réalisation filmique), mais aussi par l’Amour ou
Son nom de Venise dans Calcutta désert. Son style connaît pourtant une
mutation avec l’Amant (1984), qui lui vaut le prix Goncourt et une gloire
internationale, mais qu’elle adapte à nouveau sur le plan romanesque dans
l’Amant de la Chine du Nord (1991), en réponse à l’adaptation
cinématographique de Jean-Jacques Annaud, l’Amant
(1991), qu’elle désapprouve.

LE CINÉMA

Il existe en effet un lien fort entre le cinéma et ses oeuvres. En
1958, René Clément adapte et réalise Un
barrage contre le Pacifique, avec une distribution internationale, et, un
an plus tard, Peter Brook tire un film de
Moderato cantabile, joué par Jeanne Moreau et Jean-Paul Belmondo. C’est sa
collaboration de scénariste avec Alain Resnais pour Hiroshima mon
amour qui attire sur elle l’attention du grand public. Elle écrit ensuite
le scénario de Une aussi longue absence (1960) pour Henri Colpi, tandis
que Tony Richardson transpose sans grand brio son Marin de Gilbraltar en
1967. Après avoir réalisé en collaboration avec Paul Seban la Musica
(1966), elle signe seule Détruire, dit-elle (1969), puis Jaune le soleil
(1971) et Nathalie Granger (1972), dont elle tire ensuite un roman. Elle
réalise encore la Femme du Gange (1973) et connaît un succès d’estime avec
India Song (1975), puis tourne Baxter, Vera Baxter (1977) et adapte pour
la télévision sa pièce Des journées entières sous les arbres (1977), avant
d’étonner le festival de Cannes avec le Camion (1977), un film atypique et
distancié, sans trame linéaire ni narration apparente, dont elle est
l’interprète avec Gérard Depardieu. Ses derniers films sont Navire Night
(1979), Aurélia Steiner (1980), Agatha, l’Homme atlantique (1981),
Dialogue de Rome (1983) et les Enfants (1984).

Marguerite Duras, photographiée
ici en 1961

Dutt, Guru

Guru Dutt
(1925-1964)
Acteur et cinéaste
indien

Né à Bangalore dans une famille d'artistes,
Guru Dutt Shiv Shankar Padukone, dit Guru Dutt, apprend très jeune la
danse, la chorégraphie, la mise en scène de théâtre, l'art du maquillage
et le métier de comédien.

À l’âge de vingt ans, il devient assistant réalisateur de cinéma, puis
débute dans la mise en scène avec le Jeu (Baazi, 1951), un mélodrame
policier qui connaît un grand succès. À la fois producteur, interprète et
réalisateur, il choisit de se consacrer au cinéma musical populaire, dont
il transcende les schémas routiniers par des mises en scène d’une qualité
exceptionnelle et d’une rare sensibilité. Dans cette optique, il réalise
coup sur coup le Filet (Jaal, 1952), puis le Faucon (Baaz, 1953), De part
en part (Aar Paar, 1954) et Monsieur et Madame 55 (Mr. and Mrs. 55,
1955).

Créateur indépendant désormais célèbre dans son pays, il s'oriente vers
des productions de plus en plus novatrices - inspirées à la fois par les
films américains et par le cinéma d’art et d’essai européen - tout en
conservant la thématique et les séquences musicales des mélodrames indiens
traditionnels. Dans les années cinquante, il donne Remous (Sailaab, 1956),
l’Assoiffé (Pyaasa, 1957) et Fleurs de papier (Kaagaz Ke Phool, 1959) qui,
après avoir connu un échec commercial, se rangent aujourd’hui parmi les
chefs-d’oeuvre du cinéma indien. Ces mélodrames fiévreux célébrant l’amour
et l’art, fustigeant la bassesse et l’injustice, mais débordants d’amour
et de compassion envers les petites gens, les prostituées et les parias de
la société indienne, comportent notamment des scènes musicales d’une
beauté incomparable.

Découragé par l’incompréhension du public, Guru Dutt se contente par la
suite de jouer dans des films médiocres et de produire, d’écrire et
d’interpréter des oeuvres dont il confie la réalisation à d'autres
cinéastes, tels la Lune du quatorzième jour (Chaudhvin ka chand, 1960) de
Sadiq et le Maître, la Maîtresse et l'Esclave (Sahib bibi aür Ghulam,
1962) d’Abrar Alvi, qui est à nouveau un échec.

Après avoir commencé quelques tournages qu’il ne parvient pas à mener à
leur terme, Guru Dutt a sombré dans la dépression et s’est suicidé. Après
sa mort, il est devenu peu à peu une référence majeure du cinéma indien et
est apparu comme le précurseur des recherches de Satyajit Ray, en raison de la
qualité de son oeuvre - très appréciée des cinéphiles occidentaux - mais
aussi pour avoir tenté d’instaurer la notion d'auteur dans le cinéma de
son pays.

Duvivier, Julien

Julien Duvivier
(1896-1987)
Réalisateur
français

Né à Lille, commence ses études dans un
collège de jésuites de la capitale lilloise, et les achève à Paris. Son
ami Pierre Bertin le pousse alors à devenir comédien de théâtre. Julien
Duvivier entre ensuite à l'Odéon, où le metteur en scène André Antoine lui conseille de
s’orienter vers le cinéma.

Fernandel et Gino Cervi dans le Petit
Monde de don Camillo (1952) de Julien Duvivier.
Le film, qui met en
scène le conflit opposant le brave curé d'un petit village italien et son
maire, Peppone, connut un immense succès populaire et donna lieu à de
nombreuses suites (le Retour de don Camillo, Julien Duvivier, 1953; la
Grande Bagarre de don Camillo, Carmine Gallone, 1955; Don
Camillo en Russie, Luigi Comencini, 1965).

Il travaille d'abord sur les productions de la Société des gens de
lettres, devient ensuite l'assistant de Louis Feuillade chez Gaumont, écrit des scénarios et
réalise son premier film, un western intitulé Hacelmada ou le Prix du sang
(1919), avec Séverin-Mars dans le rôle principal. Il tourne ensuite la
Réincarnation de Serge Renaudier (1920) et connaît son premier grand
succès public avec les Roquevillards (1922).

Très tôt, il se distingue en choisissant de traiter des sujets
ambitieux, comme l’opposition entre science et religion dans Credo ou la
Tragédie de Lourdes (1924), ou l’histoire du cinéma dans la Machine à
refaire la vie (1924).

De cette période muette, les historiens du cinéma retiennent surtout sa
première version de Poil de Carotte (1925) de Jules Renard, une fresque
religieuse sur un anarchiste ramené à la foi par son père, l'Agonie de
Jérusalem (1926), une évocation de Thérèse de Lisieux, la Vie miraculeuse
de Thérèse Martin (1929) et une adaptation d'un roman d’Émile Zola, Au
Bonheur des Dames (1930), oeuvre qui annonce le pessimisme de la plupart
de ses oeuvres futures.

L'arrivée du parlant ne lui pose aucun problème, et il devient l'un des
grands metteurs en scène français des années trente. Son collègue Jean Renoir le surnomme alors
«l'architecte».

Il entreprend d'abord une adaptation du roman d’Irène Nemiroswki, David
Golder (1931), film dans lequel Harry Baur est admirable. Il retrouve ce
comédien pour l’intéressant Cinq Gentlemen maudits (1932), et réalise
ensuite un film parlant, tout à la fois français et allemand, Allo,
Berlin? Ici Paris! (1932). Il signe une nouvelle version, parlante, de
Poil de carotte (1932), puis adapte le roman de Georges Simenon : la Tête
d'un autre (1933), avec Harry Baur dans le rôle du commissaire
Maigret.

Duvivier entame, peu après, une collaboration fructueuse avec Jean
Gabin dans Maria Chapdelaine (1934), réalisé au Canada, Golgotha (1935) et
la Bandera (1935). Il donne également un beau rôle à Maurice Chevalier
dans l'Homme du jour (1936).

À cette époque, il est l’un des rares cinéastes français à tourner à
l'étranger : le Golem (1936) à Prague et Toute la ville danse (The Great
Waltz, 1939) à Hollywood. Il signe un film-témoignage sur le Front
populaire, la Belle Équipe (1936), avec Jean Gabin, et retrouve ce dernier
pour Pépé le Moko (1937), dont le succès est international. Pionnier du
film à sketches avec Un carnet de bal (1937), il tourne ensuite des films
d'une extrême noirceur, la Fin du jour (1939), un remake de la Charrette
fantôme (1939) et Untel père et fils (1940). Son goût du sordide s'y
affirme avec une rage hautaine.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, il réalise de bons films à sketches
à Hollywood : Lydia (1941, un remake de Carnet de bal), Six Destins (Tales
of Manhattan, 1942), Obsessions (Flesh and Fantasy, 1943), puis tourne
l'Imposteur (The Impostor, 1943), avec Jean Gabin en vedette. De retour en
France à la Libération, il transpose au cinéma les Fiançailles de Monsieur
Hire de Georges Simenon dans Panique (1946), puis hésite un temps entre
une carrière américaine, avec Anna Karénine (1948) et Black Jack (1950),
et une carrière française avec Au royaume des cieux (1949). Mais il finit
par rester en Europe où il cumule les expérimentations, comme Sous le ciel
de Paris (1951) et la Fête à Henriette (1952), et les succès commerciaux,
comme le Petit Monde de Don Camillo (1952) et le Retour de Don Camillo
(1953).

Aimant aborder tous les genres, il s’adonne au film à thèse avec
l'Affaire Maurizius (1954), au lyrisme avec Marianne de ma jeunesse
(1955), retrouve Jean Gabin pour une oeuvre au sordide absolu, Voici le
temps des assassins (1956), réalise une parodie de film policier avec
l'Homme à l'imperméable (1957), revient aux grandes adaptations
littéraires en dirigeant Gérard Philipe dans Pot-Bouille (1957), d'après
le roman d’Émile Zola, et Brigitte Bardot dans la Femme et le Pantin
(1959), d'après le roman de Pierre Louÿs. Il filme également une pièce de
théâtre à succès, Marie-Octobre (1959).

Réfractaire à la Nouvelle Vague, il tourne en Allemagne la Grande Vie
(Das Kunsteidene Mädchen, 1960), avant d'employer Jean-Pierre Léaud dans
une adaptation d'un roman de Robert Sabatier, Boulevard (1960).

Duvivier réalise ensuite l’une des rares adaptations réussies de John
Dickson Carr, la Chambre ardente (1962), tourne un film à sketches, le
Diable et les Dix Commandements (1960), puis deux films policiers, Chair
de poule (1963), d’après le roman de James Hadley Chase, Tirez la
chevillette, et Diaboliquement vôtre (1967), son dernier film, interprété
par Alain Delon.

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