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Camerini, Mario

Mario Camerini
(1895-1981)
Réalisateur et
scénariste italien

Mario Camerini est d’abord assistant, avant
de tourner en 1923 un documentaire sur le cirque : Jolly, clown da circo.
Rails (Rotaie, 1929) est un film muet dont le doublage sonore, effectué
ultérieurement, constitue une transition avec les films parlants. Les
Hommes, quels mufles ! (gli Uomini, che mascalzoni !, 1932) annonce le ton
de son oeuvre qui, à son sommet, est une description sensible et ironique
des milieux populaires et petit-bourgeois. Par le recours aux décors
naturels, le film annonce déjà le néoréalisme (voir Italien, cinéma).

Le film Je donnerai un million (Darò un milione, 1935) marque les
débuts de sa collaboration avec l’écrivain et scénariste Cesare Zavattini,
tandis que Monsieur Max (il Signor Max, primé à Venise en 1937) offre un
rôle au futur réalisateur et chef de file du néoréalisme Vittorio De Sica. Battement de
coeur (Batticuore, 1939) est écrit en collaboration avec Leo Longanesi et
Renato Castellani.

Avec l’avènement du néoréalisme, Mario Camerini se détourne de ses
sujets de prédilection et aborde avec sensibilité et compétence des genres
aussi variés que le drame historique, le film policier ou le film
d’aventures en Technicolor - Ulysse (Ulisse, 1954), d’après Homère, avec
Kirk Douglas et Silvana Mangano.

Cameron, James

James Cameron
(de son vrai nom Ovidio
Assonitis)
(1954- )
Cinéaste américain d’origine
canadienne

Né à Kapuskasing (Ontario), James Cameron
fait des études de physique, tourne un court métrage, puis devient
conseiller en scénario sur de nombreux films, sans être crédité au
générique. Il collabore également aux effets spéciaux sur des films à
petit budget, puis débute comme réalisateur avec Piranhas II (Piranha II
The Spawning, 1982).

Il rencontre le succès avec Terminator (The Terminator, 1984), film de
science-fiction où les effets spéciaux ont la part belle et qui fait
d’Arnold Schwarzenegger une star. Cameron se voit alors confier la
réalisation d’un film à gros budget : la suite du Alien (1979) de Ridley
Scott : Aliens (1986). Il en fait une oeuvre crépusculaire dont les
qualités de style annoncent son film suivant Abyss (The Abyss, 1989),
mariage de vigueur, d’humanisme et de poésie dont l’échec commercial le
pousse à tourner Terminator 2 (Terminator 2: Judgement Day, 1991), aux
effets spéciaux sans précédent. Les combats des deux robots venus du futur
lui permettent de créer des scènes d’une étrangeté fascinante. Désormais
réputé comme réalisateur à succès d’oeuvres de science-fiction à grand
spectacle, il préfère s’orienter vers la comédie d’espionnage en
produisant et réalisant True Lies (1994), un remake de la Totale (1991),
film français de Claude Zidi. Le film surprend ses
admirateurs par son sens de l’humour aux limites du burlesque. Après cette
insolite incursion, il produit et réalise un mélodrame flamboyant aux
effets spéciaux superbes : Titanic (1997), dont le succès est immense.

Campion, Jane

Jane Campion
(1955- )
Réalisatrice et
scénariste néo-zélandaise

Née à Wellington (Nouvelle-Zélande), Jane
Campion est issue d'une famille d'artistes. Anthropologue de formation,
elle suit les cours du Sydney College of the Arts - où elle réalise son
premier court métrage, Tissues (comédie grinçante sur un père accusé de
mauvais traitements à l'égard d'un enfant) au début des années
quatre-vingt -, puis ceux de la Film, Television and Radio School de
Sydney, en Australie.

La Leçon de piano (The Piano, 1993)
de Jane Campion
Pianiste muette, mère d'une petite fille, Ada
(Holly Hunter) accepte de se marier avec un inconnu et emmène tous ses
biens dans une petite ville de Nouvelle-Zélande. Mais son époux refuse de
garder son piano. Leur voisin récupère l'instrument abandonné sur la
plage. Pour le récupérer - pièce par pièce -, Ada doit se plier au bon
vouloir de ce dernier. Le film reçut la palme d'or au festival de Cannes
en 1993.

En 1986, elle obtient la palme d’or du court métrage à Cannes avec son
film Peels. En 1989, elle réalise un long métrage, Sweetie, film à
l’humour noir accueilli de façon mitigée par les spectateurs, où elle
revient sur le thème des mésententes familiales. Le film suivant, Un ange
à ma table (An Angel at my Table, 1990), d'après la biographie de
l'écrivain néo-zélandais Janet Frame, aborde le thème de la folie. La
Leçon de piano (The Piano, 1993, production franco-australienne), remporte
la même année la palme d'or au Festival de Cannes. L'histoire d'Ada, une
jeune femme muette envoyée, avec son enfant, en Nouvelle-Zélande à
l'époque de la colonisation pour épouser un homme qu'elle ne connaît pas,
est née du désir de Jeanne Campion de réaliser un film narratif sur
l'histoire de son pays.

En 1996, Jane Campion réalise une adaptation d’une oeuvre d’Henry
James, Portrait de femme, puis, en 1999, Holy Smoke, film d’un libertinage
cru, mais aussi film contemplatif, sur un scénario qu’elle a écrit avec sa
soeur Anna Campion.

Capra, Frank

Frank Capra
(1887-1991)
Réalisateur
américain

Né à Palerme (Sicile) dans une famille de
paysans pauvres et illettrés, Frank Capra arrive aux États-Unis à l’âge de
six ans. En 1918, il est diplômé comme ingénieur chimiste. Après avoir
travaillé dans un laboratoire de cinéma, il est engagé comme «gagman» chez
Hal Roach puis chez le maître de la comédie burlesque, Mack Sennett. En trois films,
Plein les bottes (Tramp, Tramp, Tramp, 1926), l’Athlète incomplet (The
Strong Man, 1926) et Sa première culotte (Long Pants, 1927), Frank Capra
élabore le registre comique du personnage d’Harry Langdon (dont le cinéaste
compare l’innocence à celle du Brave Soldat Chvéik de l’écrivain tchèque
Jaroslav Hašek).

Embauché par Harry Cohn à la Columbia, il peaufine son style qui
culmine avec la réussite de New York-Miami (It Happened One Night, 1934) :
une forme de comédie burlesque et bavarde au rythme effréné (ou «screwball
comedy»). Frank Capra inaugure ensuite le cycle de comédies sociales et
idéalistes auquel on associe volontiers son nom : l’Extravagant M. Deeds
(Mr. Deeds Goes to Town, 1936), Vous ne l’emporterez pas avec vous (You
Can’t Take it with You, 1938), Monsieur Smith au Sénat (Mr. Smith Goes to
Washington, 1939), l’Homme de la rue (Meet John Doe, 1941), autant de
films dont les thèmes et la «philosophie sociale» s’annonçaient déjà dans
ses précédents films comme la Ruée (American Madness, 1932), la Femme aux
miracles (The Miracle Woman, 1931) ou The Power of the Press (1928). En
1941, il réalise un de ses films les plus célèbres, Arsenic et vieilles
dentelles (Arsenic and Old Lace) avant de diriger, pour les services
cinématographiques de l’armée, la série de propagande Pourquoi nous
combattons (Why We Fight, 1941-1945).

L'Extravagant M. Deeds

Longfellow Deeds (Gary Cooper, au centre) habite Mandrake Falls, une
petite ville paisible où il coule des jours sans histoires, apprécié de
ses pairs, jouant du tuba et écrivant des poèmes de circonstance. Un jour,
il hérite d'un oncle inconnu une fortune colossale qui le place parmi les
hommes les plus riches des États-Unis. Témoignant de la crise qui déchire
les États-Unis de 1936, Frank Capra affirme à travers cette comédie,
parfaitement rythmée, et son personnage principal, que la simplicité,
l'honnêteté et la générosité peuvent triompher de l'hypocrisie sociale, du
conformisme et de la convoitise. Le discours critique sur la société et la
démocratie américaines fonde également l'argument des deux autres comédies
les plus célèbres parmi celles qu'il tourna pour les studios de la
Columbia, Vous ne l'emporterez pas avec vous (You Can't Take It with You,
1938) et M. Smith au Sénat (Mr. Smith Goes to Washington, 1939).

Au lendemain de la guerre, Hollywood et le public américain considèrent
désormais Frank Capra comme un metteur en scène désuet, quand bien même le
cinéaste signe alors ses dernières réussites, La vie est belle (It’s A
Wonderful Life, 1946), l’Enjeu (State of the Union, 1948) ou de nouvelles
versions de ses anciens films comme Jour de chance (Riding High, 1950,
remake de Broadway Bill, 1934) ou Milliardaire pour un jour (Pocketful of
Miracles, 1961, remake de Lady For A Day, 1933).

Cinéaste favori de nombre d’acteurs (James Stewart, Gary Cooper,
Barbara Stanwyck, Jean Arthur), véritable «auteur» avant la lettre, Frank
Capra s’est efforcé de faire reconnaître, au sein d’Hollywood, le statut
créateur du metteur en scène : il est l’un des premiers réalisateurs à
avoir exigé «son nom au-dessus du titre» dans le générique de ses films —
comme le rappelle son autobiographie «My Name above the Title», publiée
avec succès en 1971 (la traduction française est publiée en 1976 sous le
titre de Hollywood Story).

Carle, Gilles

Gilles Carle
(1929-)
Cinéaste et
producteur canadien

Né à Miniwaki, au Québec, Gilles Carle se
forme à l’École des beaux-arts de Montréal avant de se tourner vers le
cinéma. Il réalise son premier long-métrage de fiction en 1965, la Vie
heureuse de Léopold Z., qui reçoit un accueil enthousiaste. Producteur de
ses propres films, il connaît ses premiers succès publics avec des oeuvres
non conformistes comme le Viol d’une jeune fille douce (1968), les Mâles
(1970) et surtout la Vraie Nature de Bernadette (1972). Sa rencontre avec
l’actrice Carole Laure l’amène à célébrer la beauté féminine et à évoluer
vers un cinéma jugé plus amer, voire désenchanté : les Corps célestes
(1973); la Tête de Normande Saint-Onge (1975); l’Ange et la Femme (1977);
Fantastica (1980).

Devenu plus soucieux de s’inscrire dans la société et dans l’histoire
québécoises, il réalise les Plouffe (1981), une «histoire de gens heureux»
qui connaît un grand succès en salle et à la télévision, puis Maria
Chapdelaine (d’après le roman de Louis Hémon, 1983) avec une nouvelle fois
Carole Laure.

Après un documentaire sur Picasso (Ô Picasso, 1986), il tourne en 1996
Pudding chômeur, une comédie dramatique, tendre et lucide, sur la
situation économique de son pays et, enfin, il signe en 1997 avec
l’historien Jacques Lacoursière, une série télévisée de treize émissions,
sous le titre Une épopée en Amérique.

Carné, Marcel

Marcel Carné
(1906-1996)
Réalisateur
français

Marcel Carné est l’un des plus grands
réalisateurs français, dont le nom demeure associé au réalisme
poétique.

Né à Paris, destiné par son père à l’ébénisterie, Marcel Carné débuta
comme journaliste et comme critique de cinéma avant d’être engagé en tant
qu’assistant opérateur par René Clair (Sous les toits de
Paris, 1930) et Jacques Feyder (le Grand Jeu,
1934). En 1929, il réalisa son premier court métrage, Nogent, Eldorado du
dimanche, un documentaire empreint de poésie sur les guinguettes des
environs de Paris. Son premier long métrage, Jenny (avec Albert Préjean,
1936), marqua le début d’une longue et brillante collaboration avec
Jacques Prévert : ils écrivirent ensemble certains des plus grands
classiques du cinéma français.

LA COLLABORATION AVEC PRÉVERT

Jacques Prévert écrivit jusqu’en 1949 la quasi-totalité des scénarios
de Marcel Carné, et Alexandre Trauner signa les décors de tous ses films
de cette période. Après Drôle de drame (avec Louis Jouvet et Michel Simon,
1937), le réalisateur tourna Quai des brumes (avec Jean Gabin et Michèle
Morgan, d’après Pierre Mac Orlan, 1938), Hôtel du Nord (avec Louis Jouvet
et Arletty, sur des dialogues d’Henri Jeanson, 1938) et Le jour
se lève (avec Jules Berry et Jean Gabin, 1939).

Louis Jouvet et Arletty dans Hôtel du
Nord (1938) de Marcel Carné.
Adapté d'un roman d'Eugène Dabit par
Henri Jeanson et par Jean
Aurenche, tourné dans un décor d'Alexandre Trauner reconstituant le quai
de Jemmapes, le film de Marcel Carné est l'un des plus grands classiques
du cinéma français. Arletty y lance sa célèbre réplique : «Atmosphère,
atmosphère ! Non mais ! Est-ce que j'ai une gueule d'atmosphère ?»

Influencé par l’esthétisme de Max Reinhardt, qui préférait mettre
l’accent sur des subtilités psychologiques plutôt que sur des drames
grandiloquents, Marcel Carné s’attacha à décrire la vie de gens ordinaires
dans leur environnement quotidien. Il s’intéressa également à
l’expressionnisme de Friedrich Wilhelm Murnau et de Josef von Sternberg, mais les
histoires sombres de ses films, atténuées par une poésie tendre,
traduisent davantage un style qui lui est propre, ce réalisme poétique
dont ses films des années 1938-1939 marquèrent l’apogée.

Jean-Louis Barrault et
Arletty
Jean-Louis Barrault a incarné à l'écran le célèbre mime
Jean-Gaspard Deburau (1796-1846), dans le film de Marcel Carné, les
Enfants du paradis (1944). Il apparaît sur cette affiche aux côtés
d'Arletty, qui interpréta le personnage de Garance.

En 1942, Carné dirigea Alain Cuny dans les Visiteurs du soir. L’action
du film, qui se situe au XVe siècle, dissimule une allusion à
la situation du moment, l’Occupation allemande. Les Enfants du paradis
(1945), fresque sur le Paris romantique des années 1840, restent une
référence pour le cinéma d’après-guerre, dans lequel les thèmes
brillamment développés sont mis en relief par une distribution
exceptionnelle : Jean-Louis Barrault (dans le rôle du mime Jean-Gaspard
Deburau), Pierre Brasseur, Arletty, Maria Casarès, etc. Après les Portes
de la nuit (1946), dans lequel Yves Montand chante «les Feuilles mortes»,
la fameuse chanson de Joseph Kosma, et la Marie du port
(1950), d’après Georges Simenon, le tandem Carné-Prévert se sépara.

DERNIÈRES OEUVRES

Les dernières réalisations de Marcel Carné connurent des succès inégaux
: Juliette ou la Clef des songes (avec Gérard Philipe, 1951), Thérèse
Raquin (avec Simone Signoret, 1953), les Tricheurs (avec Pascale Petit,
1958), Du mouron pour les petits oiseaux (d’après Albert Simonin et avec
Paul Meurisse, 1963), Trois Chambres à Manhattan (avec Annie Girardot et
Maurice Ronet, 1965). Ayant de plus en plus de difficultés à financer ses
films, il laissa inachevée sa dernière production, Mouchette, une
adaptation du roman de Georges Bernanos.

Marcel Carné a remporté le Grand Prix oecuménique au Festival du film
de Cannes en 1977, et a été fait commandeur de la Légion d’honneur et
commandeur des Arts et des Lettres. Il a publié ses mémoires, la Vie à
belles dents, en 1979.

Carné : principaux films

1929

Nogent, Eldorado
du dimanche

1936

Jenny

1937

Drôle de
drame

1938

Hôtel du
Nord

1938

Quai des
brumes

1939

Le jour se
lève

1942

Les Visiteurs du
soir

1945

Les Enfants du
paradis

1946

Les Portes de la
nuit

1950

La Marie du
port

1951

Juliette ou la
Clé des songes

1953

Thérèse
Raquin

1954

L'Air de
Paris

1956

Le Pays d'où je
viens

1958

Les
Tricheurs

1960

Terrain
vague

1965

Trois Chambres à
Manhattan

1967

Les Jeunes
Loups

1971

Les Assassins de
l'ordre

1974

La Merveilleuse
Visite

Cassavetes, John

John Cassavetes
(1929-1989)
Acteur,
réalisateur, scénariste et producteur américain qui fut célèbre pour ses
psychodrames abordant les problèmes de la vie de couple et dans lesquels
une large place était laissée à l'improvisation

À partir des années 1960, John Cassavetes
s'impose comme un réalisateur indépendant, en rupture avec Hollywood.
Disposant de peu de moyens financiers, il s'attache à montrer la vérité de
ses personnages dont il cerne au plus près les attitudes, les expressions
et les émotions.

Fils d'un homme d'affaires grec, Cassavetes s'illustra tout d'abord en
tant qu'acteur; il interpréta plus de quatre-vingts rôles à la télévision
et apparut au cinéma dans quelques films au cours des années 1950. Il
réalisa son premier long-métrage, Shadows, basé en grande partie sur
l'improvisation, en 1959. Le film, qui reçut un accueil très favorable en
Europe, lui ouvrit les portes d'Hollywood. Refusant les compromis que lui
imposait le système de l'industrie cinématographique, Cassavetes adopta un
statut d'artiste indépendant, réalisant, produisant et distribuant ses
propres films grâce à ses gains d'acteur. Sa carrière de comédien fut en
particulier marquée durant les années 1960 par les rôles qu'il tint dans À
bout portant (The Killers, 1964) de Don Siegel, les Douze Salopards (The
Dirty Dozen, 1967) de Robert Aldrich et Rosemary's Baby
(1968) de Roman Polanski. Parallèlement à
ses activités d'acteur, Cassavetes se consacra à l'écriture et à la
réalisation d'une série de drames psychologiques parmi lesquels figurent
Faces (1968), qui analyse la désintégration d'un mariage, Husbands (1970),
Ainsi va l'amour (Minnie and Moskovitz, 1971), Une femme sous influence (A
Woman under the Influence, 1974), le Bal des vauriens et Meurtre d'un
bookmaker chinois (The Killing of a Chinese Bookie, 1976). Parmi les
comédiens qui jouèrent régulièrement pour lui figuraient son épouse, Gena
Rowlands, Peter Falk, Ben Gazzara et Seymour Cassell. Cassavetes fit le
plus souvent appel à des acteurs amateurs et joua dans certains de ses
propres films.

Cassavetes, Une femme sous
influence

Dans Une femme sous influence (A Woman Under the Influence, 1974) de
John Cassavetes, Gena Rowlands interprète une femme dont le mari (Peter
Falk) est absorbé par son travail sur un chantier. Leur vie quotidienne
est un véritable psychodrame que traversent quelques instants de bonheur.
Dans ce rôle d'une épouse qui s'ennuie et souffre jusqu'à la folie, Gena
Rowlands a donné l'une de ses interprétations les plus marquantes.

Laissant la part belle à l'improvisation, les oeuvres de Cassavetes
témoignèrent d'une grande fidélité dans la restitution de la réalité des
sentiments humains et explorèrent toute la gamme des émotions, décrivant
parfois des situations paroxystiques. Le style de Cassavetes fut marqué
par l'équilibre créé entre la réalité et la fiction et par la grande
liberté laissée aux acteurs. Parmi ses derniers films en tant que
réalisateur figurent encore Opening Night (1978), Gloria (1980) et Love
Streams, qui reçut le Grand Prix du Festival de Berlin en 1984.

Cavalier, Alain

Alain Cavalier
(1931- )
Cinéaste
français

De son vrai nom Alain Fraissé, Alain
Cavalier est né à Vendôme. Il débuta dans le sillage de la Nouvelle Vague,
mais il s'en distingue toutefois par les résonances politiques du Combat
dans l'île (1962) et de l'Insoumis (avec Alain Delon dans le rôle d'un
officier de l'OAS, 1964). Après quelques tentatives plus commerciales
auxquelles l'a entraîné l'insuccès de ses premiers films (la Chamade,
d'après Françoise Sagan, avec Catherine Deneuve et Michel Piccoli, 1968),
il revient à des sujets plus personnels : le Plein de super (1976), Martin
et Lea (1979) et Un étrange voyage (1981), qui a été couronné par le prix
Louis-Delluc.

Original dans ses sources d'inspiration, pudique dans la peinture des
sentiments, il est le réalisateur de Thérèse (1986), une évocation d'une
grande sobriété de la vie de sainte Thérèse de Lisieux, où la ferveur
religieuse n'est jamais annihilée par la recherche d'une vérité
psychologique et humaine. Après une série de brefs documentaires
(Portraits) tournés sur plusieurs années pour une chaîne de télévision, il
réalise Libera me (1993), dont l'esthétique minimaliste débouche sur le
silence le plus accusateur. Puis, dans la Rencontre (1996), il livre une
oeuvre ascétique composée de brefs instants de la vie du cinéaste et de la
femme qu'il aime, filmés en vidéo sans le moindre concours technique
extérieur.

Cavani, Liliana

Liliana Cavani
(1933- )
Cinéaste
italienne

Née à Carpi (Modène), elle entreprend des
études supérieures de lettres et de linguistique à l’université de
Bologne, puis au Centre expérimental pour le cinéma (Centro sperimentale
per le cinematografia, 1961), avant de travailler pour la RAI (1962-1965)
où elle réalise des documentaires (Histoire du IIIe Reich ou la
Femme dans la Résistance) et des reportages. Puis elle tourne son premier
long métrage, Francesco d’Assisi (1966, sorti en salle en 1972). Les films
qui suivent (Galileo, 1968; les Cannibales, 1969; Milarepa, 1974) abordent
alternativement questions sociales et problèmes historiques. Portier de
nuit (1974, avec Dirk Bogarde et Charlotte Rampling) traite -
«complaisamment», a souligné une partie de la critique - des rapports
sadomasochistes entre un ancien SS et une ancienne prisonnière d’un camp
d’extermination, alors qu’Au-delà du bien et du mal (Beyond Good and Evil,
1977, avec Dominique Sanda) s’inspire très librement des rapports
tumultueux du philosophe Nietzsche et de l’écrivain et psychanalyste Lou
Andreas-Salomé. Liliana Cavani a également assuré la mise en scène d’un
grand nombre de pièces de théâtre et d’opéras lyriques.

Charlotte Rampling dans Portier de
nuit (Il Portiere di notte, 1974), de Liliana Cavani
Victime d'un
officier SS dans un camp de concentration, Lucia Atherton (Charlotte
Rampling) devient la maîtresse de son ancien bourreau (Dirk Bogarde)
devenu, depuis la fin de la guerre, portier de nuit dans un hôtel de
Vienne. À travers cette relation sadomasochiste, Liliana Cavani explore
l'ambiguïté de la nature humaine, tiraillée entre douleur et joie,
souffrance et jouissance.

Cayatte, André

André Cayatte
(de son vrai nom Ovidio
Assonitis)
(1909-1989)
Cinéaste français

Auteur de films à thèses sur les problèmes
de société, sur la justice, sur l’enseignement ou sur la délinquance.

Né à Carcassonne, André Cayatte s’orienta vers une carrière d’avocat,
puis de journaliste après des études de droit. Romancier et nouvelliste
(les Monstres, 1934), mais également dialoguiste (Caprices, Léo Joannon,
1941), il débuta comme réalisateur en adaptant des romans classiques à
l’écran (la Fausse Maîtresse, d’après Balzac, 1942; Au bonheur des dames,
d’après Zola, 1943; Pierre et Jean, d’après Maupassant, 1943), parvenant à
une certaine consécration grâce aux Amants de Vérone (1949, dialogué par
Jacques Prévert), librement inspiré de la tragédie de Shakespeare.

Le bon accueil réservé au film lui permit d’entamer une série célèbre
de plaidoyers sur les incertitudes de la justice des hommes : Justice est
faite (Lion d’or au festival de Venise en 1950), Nous sommes tous des
assassins (avec Marcel Mouloudji, 1952) et le Dossier noir (avec Bernard
Blier, 1955).

Dans un style souvent démonstratif, voire emphatique et manichéen, il a
abordé des sujets graves généralement inspirés de faits authentiques : le
Miroir à deux faces (avec Michèle Morgan et Bourvil, 1958), les Risques du
métier (avec Jacques Brel, 1967), Mourir d’aimer (avec Annie Girardot,
1971).

Chabrol, Claude

Claude Chabrol
(1930- )
Réalisateur
français

Né à Paris dans une famille bourgeoise,
Claude Chabrol passe la Seconde Guerre mondiale dans la Creuse et regagne
Paris en 1945 pour y suivre des études de pharmacie, de lettres et de
droit.

LE TEMPS DE LA NOUVELLE VAGUE

Cinéphile passionné, il fréquente le ciné-club du Quartier latin que
dirige Éric Rohmer, et se lie d'amitié
avec les futurs ténors de la Nouvelle Vague : Jacques Rivette, Jean-Luc Godard et François Truffaut. Il hante la
cinémathèque de la rue de Messine et commence à collaborer aux Cahiers du
cinéma en 1953. Partisan de la « politique des auteurs», il défend la
comédie musicale, les films de Frank Tashlin, de Richard Quine,
de Robert Aldrich et de Jean-Pierre Melville, les oeuvres
de Howard Hawks et celles d’Alfred Hitchcock, cinéaste auquel
il consacre d'ailleurs un livre coécrit avec Rohmer, Alfred Hitchcock (1957).

Décidé à faire carrière dans le cinéma, il travaille comme attaché de
presse à la 20th Century Fox, tout en écrivant des histoires policières
pour Mystère Magazine : Musique douce (1953) et le Dernier jour de la
souffrance (1957). Il entretient une longue amitié avec le romancier Paul
Gegauff, qui deviendra son scénariste attitré. En 1956, il devient
producteur avec Ajym-Films et finance des courts métrages de Jacques Rivette, Alain Cavalier et Éric Rohmer, puis des longs
métrages comme Paris nous appartient (1958-1960) de Jacques Rivette, le Signe du lion
(1959) d’Éric Rohmer, le Farceur (1960) de
Philippe de Broca, la Ligne
droite (1961) de Jacques Gaillard, ainsi que ses deux premiers films, le
Beau Serge (1958) et les Cousins (1958). Considéré comme un des chefs de
file de la Nouvelle Vague, son ton acerbe et sa rigueur formelle séduisent
le public et la critique.

Après À double tour (1959), un film policier tiré de The Key to
Nicholas Street de Stanley Ellin, il connaît une suite d'échecs
commerciaux avec les Bonnes Femmes (1960), les Godelureaux (1960), l'oeil
du malin (1961) et Ophélia (1961). En dépit du succès de son Landru
(1962), avec Charles Denner dans le rôle-titre, il ne retrouve pas tout de
suite la confiance des producteurs et doit tourner des films d'espionnage
alimentaires qui frisent la parodie : le Tigre aime la chair fraîche
(1964) et le Tigre se parfume à la dynamite (1965) qui obtiennent un vif
succès. Il signe encore un étonnant film d’espionnage parodique,
Marie-Chantal contre le docteur Kha (1965) et participe à des films à
sketches comme les Sept Péchés capitaux (1961), les Plus Belles
Escroqueries du monde (1963) et surtout "Paris vu par" (1964), véritable
manifeste d'un second souffle de la Nouvelle Vague.

UN MAÎTRE DE LA SÉRIE NOIRE PROVINCIALE

Après une oeuvre de commande sur la Résistance, la Ligne de démarcation
(1966), il signe un thriller ambitieux, le Scandale (1966), puis entame
une longue collaboration avec le producteur André Génovès, d'abord en
filmant la Route de Corinthe (1967), puis avec une série d'oeuvres
policières au ton très personnel, généralement situées dans la France
profonde : les Biches (1967), la Femme infidèle (1968), Que la bête meure
(1969), le Boucher (1969), la Rupture (1970) et Juste avant la nuit
(1970). Plusieurs films de la série ont pour vedette son épouse Stéphane
Audran.

Le succès de ces films lui permet de réaliser une adaptation du roman
d’Ellery Queen, la Décade prodigieuse (1971), sombre drame familial avec
Orson Welles en vedette, qui se solde par un échec
commercial et artistique, heureusement compensé par le succès de Docteur
Popaul (1972), avec Jean-Paul Belmondo. Chabrol revient alors à ses
grinçantes chroniques de la bourgeoisie de province avec les Noces rouges
(1973), puis adapte un roman de Jean-Patrick Manchette, Nada (1973), sur
la dérive violente d’un groupuscule gauchiste, avant de réaliser un
psychodrame écrit et interprété par Paul Gegauff, Une partie de plaisir
(1974).

La même année, il tourne les Innocents aux mains sales avec Romy
Schneider et Rod Steiger en vedette et commence à travailler pour la
télévision. La faillite de son producteur, André Génovès, l'oblige à
passer désormais d'un producteur à l'autre. Si les Magiciens (1975),
d'après Initiation au meurtre de Frédéric Dard et Folies bourgeoises
(1976) d'après le Malheur fou de Lucie Faure sont peu convaincants, Alice
ou la Dernière Fugue (1976), interprété par Sylvia Kristel, montre qu'il
n'a rien perdu de son génie.

Il adapte encore un roman d’Ed Mc Cain, les Liens du sang (Blood
Relatives, 1977) et retrouve la faveur de la critique et du public avec
Violette Nozière (1978), la première d’une belle série de collaborations
avec Isabelle Huppert.

LES ANNÉES QUATRE-VINGT ET
QUATRE-VINGT-DIX

Très pris par la télévision, il tourne moins souvent pour le cinéma,
mais le Cheval d'orgueil (1980) d’après l’historien breton Pierre
Jaquez-Hélias, les Fantômes du chapelier (1982) d'après le roman de
Georges Simenon et le Sang des autres (1984) d'après le livre de Simone de
Beauvoir sont néanmoins des films importants. En 1984, il s’associe avec
le producteur Marin Karmitz et signe Poulet au
vinaigre, puis Inspecteur Lavardin (1985), deux films policiers
interprétés par Jean Poiret. Ce sont ensuite Masques (1987) et le Cri du
hibou (1987).

Il retrouve Isabelle Huppert pour l'admirable Une affaire de femmes
(1988) et enchaîne avec Jours tranquilles à Clichy (1990) d'après Henry
Miller, et Docteur M (1990). Puis, toujours avec Isabelle Huppert, il
donne une excellente adaptation du chef-d'oeuvre de Gustave Flaubert,
Madame Bovary (1991) et confie à Marie Trintignant un beau rôle dans une
des meilleures transpositions de Georges Simenon à l'écran, Betty
(1992).

Il réalise ensuite son seul essai documentaire à ce jour, l'oeil de
Vichy (1993), un montage d’actualités cinématographiques datant de
l'Occupation, révélateur des mécanismes de la propagande vichyste.

Toujours avec le producteur Marin Karmitz, il réalise l'Enfer
(1994), d'après un scénario de Henri-Georges Clouzot, puis la Cérémonie (1995), un
âpre pamphlet social avec Isabelle Huppert, Sandrine Bonnaire et
Jean-Pierre Cassel. Son cinquantième film pour le grand écran, Rien ne va
plus (1997), est incompris par la critique et obtient un médiocre succès
auprès du public, mais Chabrol retrouve la faveur de tous avec une
incontestable réussite, Au coeur du mensonge (1999).

Chabrol, Landru
Charles Denner
et Catherine Rouvel dans Landru (1963) de Claude Chabrol.

Durant la Première Guerre mondiale, un petit homme galant et distingué
s'attire les faveurs de dames un peu mûres qui disparaissent
mystérieusement peu après. Accusé, Landru clame son innocence mais, malgré
l'absence de preuves, finit guillotiné. Dialogué par Françoise Sagan, le
film retrace avec humour l'épopée de celui qui passe pour l'un des plus
grands criminels du siècle.

Grand styliste et narrateur habile, il est aussi un bon metteur en
scène de théâtre, un talentueux réalisateur de films publicitaires et ne
dédaigne jamais de devenir acteur pour ses amis réalisateurs. Ses
apparitions dans Paris nous appartient (1958-1960) de Jacques Rivette, son grand rôle
dans le court métrage de Jean-François Detré, le Travail (1969), et son
personnage inquiétant des Voleurs de la nuit (1984) de Samuel Fuller prouvent qu'il
aurait pu faire une carrière de comédien.

Claude Chabrol est l'auteur de plusieurs livres dont Et pourtant, je
tourne (1976) et Un jardin bien à moi (1999) ; il est aussi le directeur
littéraire d'une collection consacrée au roman policier (éditions du
Seuil).

Les principaux films de Claude
Chabrol

1958

Le Beau
Serge

1958

Les
Cousins

1960

Les Bonnes
Femmes

1962

Landru

1965

Marie-Chantal
contre docteur Kha

1965

Le tigre se
parfume à la dynamite

1966

La Ligne de
démarcation

1966

Le
Scandale

1967

Les
Biches

1968

La Femme
infidèle

1969

Que la bête
meure

1969

Le
Boucher

1970

Juste avant la
nuit

1971

La Décade
prodigieuse

1972

Docteur
Popaul

1973

Les Noces
rouges

1973

Nada

1974

Une partie de
plaisir

1974

Les Innocents
aux mains sales

1975

Les
Magiciens

1976

Folies
bourgeoises

1976

Alice ou la
Dernière Fugue

1977

Les Liens de
sang

1978

Violette
Nozière

1980

Le Cheval
d'orgueil

1982

Les Fantômes du
chapelier

1984

Le Sang des
autres

1984

Poulet au
vinaigre

1985

Inspecteur
Lavardin

1987

Masques

1987

Le Cri du
hibou

1988

Une affaire de
femmes

1990

Jours
tranquilles à Clichy

1990

Docteur
M.

1991

Madame
Bovary

1992

Betty

1993

L'oeil de
Vichy

1994

L'Enfer

1995

La
Cérémonie

1997

Rien ne va
plus

1999

Au Coeur du
mensonge

Chahine, Youssef

Youssef Chahine
(1926- )
Cinéaste égyptien
qui contribua de façon éclatante à la reconnaissance internationale du
cinéma arabe

Né à Alexandrie, Youssef Chahine étudia le
cinéma en Californie. De retour en Égypte en 1950, il tourna son premier
long-métrage, Papa Amine (Baba Amin). Exploitant d'abord les filons
traditionnels, il réalisa en 1958 son premier chef-d'oeuvre, Gare centrale
(Bab al-hadid), dans lequel il interprétait le personnage principal,
annonçant son tournant autobiographique d'après 1978.

Dans l'ambiance patriotique du nassérisme, il tourna Djamila
l'Algérienne (Gamila al-gaza, 1958, sur la résistance algérienne) et
Saladin / an-Nasir Salah ad-Din (1963, sur le vainqueur des croisés). La
Terre (al-Ard), un hommage aux fellahs présenté au festival de Cannes en
1969, lui valut la consécration internationale. En 1970, il revint à sa
quête d'intériorité avec le Choix (al-Ikhtiyar), réalisé sur un scénario
de Naguib Mahfouz. Le Moineau (al-Usfur, 1973), sur la défaite de 1967,
annonca un nouveau style, en rupture avec la narration classique.

Un jour le Nil (an-Nass wa an-Nil, 1968-1972), sur la mise en service
du barrage d'Assouan, déplut aux commanditaires égyptiens et soviétiques.
En 1978, il inaugura avec Alexandrie, pourquoi ? (Iskandariyya lih ?) sa
trilogie autobiographique, qui comprend également la Mémoire (Hadduta
Misriyya, 1982) et Alexandrie encore et toujours (Iskandariyya kaman wa
kaman, 1989). En 1985, il dirigea Michel Piccoli dans une coproduction
égypto-française, Adieu Bonaparte. Les extrémistes religieux firent
interdire momentanément le film l'Émigré (al Mohager, 1994), histoire
biblique de Joseph. Le Destin (al-Massir, 1997), qui traite du
fondamentalisme et de l'intolérance, remporta le Prix spécial du
cinquantième festival de Cannes.

Chan, Jackie

Jackie Chan
(de son vrai nom Chen
Gangheng)
(1954- )
Cinéaste et acteur chinois

Né à Hong Kong, Jackie Chan passe une partie
de son enfance en Australie et revient à Hong Kong à l'âge de sept ans,
pour étudier la danse et les arts martiaux pendant plus de dix ans.

Acteur enfant, il apparaît dans de nombreux films cantonais, puis
travaille dans la florissante industrie du cinéma de Hong Kong comme
cascadeur et coordinateur des scènes de combat. Les films de Hong Kong
doivent leur succès d'alors à un genre particulier de film d'action,
souvent très violent, qui mêle les arts martiaux à des cascades
spectaculaires. Depuis la disparition prématurée en 1973 de Bruce Lee,
star internationale et moteur de la production locale, les studios
cherchent un acteur susceptible de lui succéder. C'est alors qu'en 1976,
le réalisateur Luo Wei remarque Jackie Chan et lui donne le rôle principal
dans plusieurs films, dont New Fist of Fury (1976) qui est un échec
commercial et critique.

Il faut attendre le Serpent à l'ombre de l'aigle (Si xing dio shou,
1978) de Yuen Woo-Ping pour que Jackie Chan connaisse enfin le succès.
Succès qui lui permet, suivant son goût personnel, de donner à ses
personnages une dimension humoristique dès le Maître ivre (Zui Quan,
Drunken Monkey in the Tiger's Eye, 1978).

Le vif succès de ses films en Asie du Sud-Est fait de Jackie Chan
l’acteur le mieux payé du continent, et lui permet d'écrire et de réaliser
lui-même la Hyène sans peur (Xia quan guai zhao, 1979), le Jeune Maître
(Shi di chu ma, 1980), le Seigneur Dragon (Long Shaoye, 1982), Projet A (A
jihua, 1983), Police Story (Jinsha gushi, 1985), qui lui vaut en Occident
le surnom de «Buster Keaton des arts martiaux»,
Projet A II (A jihua xu ji, 1987) et Police Story II (Jinsha gushi II,
1988).

Il réalise encore un hommage original à la comédie américaine, Mr
Canton et lady Rose (Qi ji, 1989) et entame comme acteur une carrière
américaine avec le Chinois (The Big Brawl, 1980) de Robert Clouse,
l'Équipée du Canonball (The Canonball Run, 1980) de Hal Neddham et le
Retour du Chinois (The Protector, 1985) de James Glickenhaus.

Parmi ses grands succès, on compte Crime Story (Zhong an zu, 1993) de
Kirk Wong, Jackie Chan dans le Bronx (Rumble in the Bronx, 1996) de
Stanley Tong et son premier film américain en vedette, Rush Hour (1998) de
Brent Ratner.

Chaplin, Charlie

Chaplin Charlie
(de son vrai nom Charles
Spencer Chaplin)
(1889-1977)
Acteur, réalisateur, producteur et
musicien américain d’origine britannique. Homme du cinéma muet avant tout,
Chaplin fut l’un des hommes les plus créatifs de l’histoire du
cinéma

Avec Buster Keaton et Harold Lloyd, l'acteur
britannique Charlie Chaplin est l'un des plus célèbres comiques de
l'époque du muet. Cette photo le montre sur le toit de l'hôtel Carlton à
Londres, après son retour de New York.

Né à Londres, Charles Spencer Chaplin monta sur scène dès l’enfance
dans des comédies musicales. Après une première tournée aux États-Unis, il
s’y installa en 1912. Chaplin apparut pour la première fois à l’écran en
1913 dans une production de la Keystone Film Company sous la direction de
Mack Sennett. Dans le film
Charlot est content de lui (Kid Auto Races at Venice, 1914) de Henry
Lehrman, il portait un pantalon ample, des chaussures trop grandes, un
chapeau melon et une canne en bambou. Chaplin venait de créer le
personnage mondialement célèbre de Charlot le Vagabond. Très vite, il
devint lui-même réalisateur et, reprenant le personnage de Charlot, il le
mit en scène dans plus de 70 films parmi lesquels le Vagabond (The Tramp,
1915). Successivement associé à diverses sociétés de production (la
Essanay Film Company, la Mutual Film Company et la First National Film
Company), il finit par créer son propre studio à Hollywood, en 1918.
Chaplin développa progressivement son personnage, passant du stéréotype
enjoué et bouffon à un personnage de plus en plus complexe qui, tout en
restant comique, prit une dimension mélodramatique. En 1919, il fonda avec
David W. Griffith, Douglas
Fairbanks et Mary Pickford, la société de production United Artists
Corporation, et en fut membre jusqu’en 1952. Parmi ses très nombreux
films, on peut citer le Gosse (The Kid, 1921), le Pèlerin (The Pilgrim,
1923), la Ruée vers l’or (The Gold Rush, 1925), le Cirque (The Circus,
1928), les Lumières de la ville (City Lights, 1931), les Temps modernes
(Modern Times, 1936), le Dictateur (The Great Dictator, 1939-1940),
Monsieur Verdoux (1947), Limelight (1952) et Un roi à New York (A King in
New York, 1957). Son dernier film, la Comtesse de Hong Kong (A Countess
from Hong Kong, 1967), en couleurs, reste très peu connu. Il composa en
outre la musique de la plupart de ses films.

La Ruée vers l'or

Située entre le Kid (The Kid, 1921) et les Lumières de la ville (City
Lights, 1931), la Ruée vers l'or (The Gold Rush, 1925) constitue une étape
essentielle de l'évolution du personnage de Charlot, le vagabond marginal
mais au grand coeur, et du style burlesque de Chaplin, devenu moins
frénétique. Propriétaire de ses propres studios sur Sunset Boulevard, le
cinéaste produisait ainsi son deuxième film, avec la collaboration de
United Artists, qu'il avait contribué à créer. La fameuse «danse des
petits pains» demeure une scène d'anthologie.

La Ruée vers l’or (1925)

Chaplin affina constamment son jeu d’acteur en s’inspirant du mime et
du clown, alliant une grâce acrobatique, des gestes expressifs et une
grande éloquence faciale. Son rôle de Charlot, symbole de l’individualité
triomphante contre l’adversité et la persécution, a fait de lui une sorte
de tragi-comédien. L’avènement du cinéma parlant allait à l’encontre de
son style, de l’efficacité de la pantomime dont dépendait son imagination
créative. Il ne produisit que peu de films parlants. Ses films prirent peu
à peu une dimension politique ; encore absente des Lumières de la ville,
elle fut manifeste dans les Temps modernes, diatribe contre le travail à
la chaîne. Dans ces deux premiers parlants, Charlot reste cependant
silencieux. Abandonnant par la suite le personnage du vagabond, il endossa
des rôles différents. Marquant cette transition, le Dictateur, véritable
pamphlet anti-hitlérien, utilise toutes les ressources du parlant. Chaplin
traita ses sujets en mélangeant satire et pathétique, où se révèlent son
humanisme et son amour de la liberté.

1936 Chaplin, les Temps
modernes

Le film de Charlie Chaplin impose par le rire la critique vigoureuse
d'une nouvelle forme d'aliénation ouvrière, conséquence des impératifs de
production qui ont favorisé le triomphe de la machine et de
l'automatisation des tâches dans l'industrie.

Sept ans après l’apparition du parlant, le réalisateur et acteur
américain Charlie Chaplin réalise les Temps modernes, sans aucun dialogue
et en noir et blanc. Impitoyable critique de la déshumanisation à l’ère du
travail à la chaîne et du taylorisme, le film met en scène un Charlot,
sympathique victime débrouillarde, qui résiste à l’exploitation. Cette
note d’optimisme confère à ce chef-d’oeuvre son inaltérable modernité.

Charlie Chaplin et Jackie Coogan dans
le Kid

Avec le Kid, Chaplin affirma son style personnel, qui doit autant à
l'art du burlesque qu'au romanesque social de Dickens. Le film connut un
immense succès, dû au casting judicieux de l'adorable Jackie Coogan, très
jeune artiste de music-hall repéré par Chaplin lors d'un spectacle où il
se produisait avec son père, et à un scénario émouvant dans lequel Chaplin
a certainement mis beaucoup de sa propre enfance. En effet, l'artiste a
grandi à Londres dans une atroce misère dont il a pu s'extraire grâce à
une force de caractère et un talent hors du commun.

En 1947, Chaplin fut accusé de sympathies communistes par la Commission
des activités anti-américaines. L’hostilité à son égard ne désarma pas et,
en 1952, il quitta les États-Unis pour l’Europe. Un roi à New York, tourné
en Grande-Bretagne en 1957, contient une violente condamnation de
l’obscurantisme du maccarthysme. Installé en Suisse, il ne retournera
qu’une seule fois aux États-Unis pour y recevoir un oscar récompensant sa
contribution à l’industrie cinématographique. Il fut anobli par la reine
d’Angleterre en 1975. Il mourut le 25 décembre 1977, à Corsier-sur-Vevey,
en Suisse.

Les principaux films de Chaplin

1915

Charlot dans le
parc (court-métrage)

In the
Park

1916

Charlot
machiniste (court-métrage)

Behind the
Screen

1916

Charlot patine
(court-métrage)

The
Rink

1917

L'Émigrant
(court-métrage)

The
Immigrant

1918

Une vie de
chien (court-métrage)

A Dog's
Life

1918

Charlot soldat
(court-métrage)

Shoulder
Arms

1919

Une idylle aux
champs

Sunnyside

1919

Une journée de
plaisir

A Day's
Pleasure

1921

Le
Kid

The
Kid

1922

Jour de
paie

Pay
Day

1923

Le
Pèlerin

The
Pilgrim

1923

L'Opinion
publique

A Woman of
Paris

1925

La Ruée vers
l'or

The Gold
Rush

1928

Le
Cirque

The
Circus

1931

Les Lumières de
la ville

City
Lights

1936

Les Temps
modernes

Modern
Times

1940

Le
Dictateur

The Great
Dictator

1947

Monsieur
Verdoux

Monsieur
Verdoux

1952

Les Feux de la
rampe

Limelight

1957

Un roi à New
York

A King in New
York

1967

La Comtesse de
Hong-Kong

A Countess from
Hong-Kong

Chéreau, Patrice

Patrice Chéreau
(1944-
)
Metteur en scène, directeur de théâtre et réalisateur français

Né à Lézigné, Patrice Chéreau fait ses premières
mises en scène au groupe théâtral du lycée Louis-le-Grand puis entreprend
des études d'allemand à la faculté des lettres de Paris. Il monte
l'Héritier du village de Marivaux, en 1965, et s'impose rapidement avec
ses mises en scène de pièces peu connues, ou peu jouées, telles que
l'Affaire de la rue de Lourcine de Labiche, en 1966, ou les Soldats de
Jakob Michael Reinhold Lenz, en 1967. Il dirige le théâtre de Sartrouville
jusqu'en 1969 puis, à partir de 1972, le TNP de Villeurbanne avec Roger
Planchon et Robert Gilbert. Dès lors, il forme sa propre troupe à laquelle
se joint le décorateur de théâtre Richard Peduzzi. En 1973, il monte la
Dispute de Marivaux, à laquelle il donne une dimension sadienne. De 1982 à
1990, Patrice Chéreau dirige le Théâtre des Amandiers, à Nanterre, près de
Paris. Il veux que ce lieu soit à la fois un théâtre, un cinéma et une
école. En 1983, il y présente son premier travail, les Paravents de Jean
Genet, où il utilise la salle comme une extension de la scène. Par la
suite, il fait connaître l'oeuvre de Bernard-Marie Koltès en montant,
notamment, Combat de nègres et de chiens, en 1983, et Dans la solitude des
champs de coton, en 1987. Patrice Chéreau se consacre aussi à l'opéra.
Après le succès, en 1976, de sa mise en scène de la Tétralogie de Richard
Wagner au Festival de Bayreuth, avec Pierre Boulez comme chef d'orchestre,
il est invité à mettre en scène Lulu d'Alban Berg à l'Opéra de Paris, en
1979.

Wagner, Le Crépuscule des dieux, mis
en scène par Patrice Chéreau
Le Crépuscule des dieux de Richard
Wagner, dans une mise en scène de Patrice Chéreau au festival de Bayreuth
(1978).

En 1992, il présente Wozzeck, l'opéra d'Alban Berg, puis, en 1994, Don
Giovanni de Mozart au Festival de Salzbourg. En tant que réalisateur,
Patrice Chéreau tourne la Chair de l'orchidée en 1975, adaptation libre du
thriller de James Hadley Chase, No Orchids for Miss Blandish. Mais
surtout, en 1983, il réalise l'Homme blessé, la pathétique histoire d'une
passion homosexuelle. Le film bouleverse autant qu'il scandalise. Parmi
ses autres réalisations, on trouve Judith Therpauve (1978), Hôtel de
France (1987), la Reine Margot, avec Isabelle Adjani (1994). Il a été
nommé officier des Arts et Lettres et a obtenu un molière pour sa mise en
scène de Hamlet, présenté au Festival d'Avignon en 1988.

Choukchine, Vassili Makarovitch

Vassili Choukchine
(1929-1974)
Cinéaste
soviétique

L’enfance et la jeunesse de Choukchine
sont celles de nombreux jeunes de sa génération : enfance pauvre dans un
kolkhoz de Sibérie, avec ses privations, mais aussi ses joies, qu’il a
décrites dans ses nouvelles à caractère autobiographique (Lointaines
Soirées d’hiver...). À seize ans, il travaille au kolkhoz, puis part sur
des chantiers et fait mille métiers : ouvrier, radio dans la marine,
directeur d’école... Ce n’est qu’à vingt-cinq ans qu’il entre à l’Institut
du cinéma de Moscou. Il en sort en 1960, ayant entre-temps joué dans
plusieurs films; en 1962 paraissent ses premières nouvelles. Il mène de
front diverses activités : de 1962 à 1974, cinq recueils de nouvelles,
trois romans, cinq films (dont le dernier, L’Obier rouge, a suscité des
discussions passionnées dans toute l’U.R.S.S.), nombreux rôles au cinéma.
Cette oeuvre abondante est inégale mais a toujours suscité un grand
engouement qui tient d’abord à son réalisme : elle sonne juste. Choukchine
se déclare ennemi de tout schéma (héros positif contre héros négatif), de
tout «embellissement de la réalité». Respectueux de ses lecteurs, de son
public, conscient de ses devoirs de créateur et de communiste, il veut
dire la vérité, même peu agréable.

C’est dans ses nouvelles, où il se sent plus à l’aise que dans ses
romans, que ses talents de conteur (dialogues pleins de verve, langue
riche en mots et expressions populaires, détails pris sur le vif) se
révèlent le mieux. Il s’agit le plus souvent de courtes scènes, de «choses
vues», sans sujet, prétextes à la peinture de types humains (un de ses
recueils s’intitule Caractères). Car son succès est dû aussi à son amour
pour ses personnages, qui fait de chacun d’entre eux un individu n’entrant
pas dans les catégories habituelles.

Choukchine aime les originaux (Un original, tel est le titre de ses
nouvelles) : un mécanicien qui cherche le mouvement perpétuel, un pope qui
croit à la révolution scientifique. Ses personnages font des actes
irraisonnés, ils aiment raconter des histoires. Ce sont parfois des
portraits d’artistes autodidactes : sculpteur sur bois, joueur de
balalaïka, chanteur... Ce sont presque toujours des «âmes pures». Car ces
ruraux des Habitants de la campagne (son premier recueil) croient en leur
travail, se heurtent aux indifférents, même s’ils détestent les grandes
phrases sur les devoirs d’un communiste. Cette harmonie entre l’homme
social et l’homme privé, entre l’homme et la nature ferait de la vie une
idylle (Là-bas au loin, son second recueil), s’il n’y avait les disputes
et les bagarres, l’ivresse : «Notre moujik ne connaît pas de milieu.» «Mon
âme a besoin de fête», dit, dans le dernier film de Choukchine, le voleur
Égor. Car il croit aux pulsions incontrôlées, au primat de l’instinct sur
le raisonnement.

Par cette recherche du caractère national russe, des valeurs morales
dans le monde rural, Choukchine appartient au groupe des «écrivains
paysanniers» qui ont introduit vers le milieu des années soixante des
thèmes nouveaux en remplaçant le jeune homme intellectuel de la décennie
précédente par le paysan. Son oeuvre se situe dans le courant littéraire
le plus vivant à l’heure actuelle, à côté d’écrivains comme Abramov,
Nossov, Belov surtout. comme eux, il est par toutes ses racines un paysan,
et la ville reste pour lui un monde étranger, où les liens avec les
autres, ceux d’une communauté rurale, se dissolvent. Les paysans de
Sibérie transplantés dans la ville ou bien y sont comme des géants
incongrus, ou bien sont écrasés par la ville et les petits-bourgeois qui
la peuplent. À l’inverse, le citadin est un corps étranger à la campagne,
il y apporte la discorde, la mort parfois (dans L’Envie de vivre, qui a
donné son titre au recueil de ses oeuvres publié en France). Pour les
paysans transplantés, le retour à la campagne apparaît, quand tout va
bien, comme un rêve et parfois comme le salut : ainsi dans L’Obier rouge,
le paysan Égor, devenu voleur à la ville, trouve sa rédemption en
redevenant un kolkhozien. Choukchine traduit le désarroi des millions de
paysans qui, à la ville, ont perdu les valeurs du monde patriarcal et
vivent dans un vide moral, la morale communiste n’étant souvent que
discours. Ce qu’il y a de conventionnel dans cette problématique est
transformé par l’absence de passéisme, par l’optimisme et la chaleur
humaine, car, comme chez tous les vrais écrivains russes, c’est la
confiance dans la vie qui domine.

Christensen, Benjamin

Benjamin
Christensen
(1879-1959)
Réalisateur et comédien
danois

Né à Viborg, Benjamin Christensen est
une figure originale de l’époque du cinéma muet. Il exerce d’abord les
métiers de médecin et de chanteur d’opéra, se produisant notamment dans le
Don Giovanni de Mozart en 1902. Il devient ensuite acteur de théâtre avant
de se consacrer au cinéma. Le Danemark produit alors des films policiers
dans un style français, très populaire à cette époque. Christensen réalise
l’X mystérieux (Det hemmelighedstade, 1913) et Nuit vengeresse (Haevnens,
1915), dont il est aussi l’interprète et qui annonce son oeuvre à venir,
placée sous le signe du fantastique.

C’est en Suède qu’il réalise son film le plus célèbre, la Sorcellerie à
travers les âges (Häxan, 1921), une oeuvre atypique, entre fiction et
documentaire, consacrée aux rites démoniaques, où il incarne lui-même
Satan. Cette «chronique de l’occulte» possède une force visuelle
saisissante qui évoque Goya, Bosch et Dürer. Par-delà son étonnante beauté
plastique, ce film s’attache à dénoncer l’intolérance et à analyser les
relations qui s’établissent entre démonisme et sexualité.

En 1923, Christensen part pour Berlin. Il y dirige trois longs métrages
: Unter Juden (1923); la Femme, cette inconnue (Seine Frau die Unbekannte,
1923); Die Frau mit dem schlechten Ruf (1925), et incarne sous la
direction de son compatriote Carl Dreyer le rôle d’un peintre
amoureux de son modèle masculin dans Mikael (1924).

Il émigre ensuite à Hollywood où il réalise des thrillers «gothiques»,
poursuivant ainsi son travail sur le matériau fantasmagorique : le Cirque
du Diable (Devil’s Circus, 1926); l’Idiot (Mockery, 1927), dans lequel il
dirige Lon Chaney; la Maison de la terreur (House of Horror, 1928) et
Seven Footprints to Satan (1929). À la même époque, il collabore à l’Île
mystérieuse (Mysterious Island, 1928) d’après Jules Verne. Seul le
scénariste Lucien Hubbard signera ce film dont Christensen achève la
réalisation, succédant à Maurice Tourneur et Clarence
Brown.

À la veille de la Seconde Guerre mondiale, il revient au Danemark où il
réalise des mélodrames : Enfants du divorce (Skilsmisens born, 1939);
l’Enfant (Barnet, 1940); Rentre avec moi
(Gaa med mig Hjem, 1941) et un film policier, la Femme aux gants clairs
(Damen medde Lyse handoker, 1942). L’échec de ces derniers films le
contraint à abandonner la réalisation cinématographique. De 1942 à 1959,
il est directeur de salles de cinéma.

Christian-Jaque

Christian-Jaque
(de son vrai nom Christian
Maudet)
(1904-1994)
Cinéaste français, l’un des réalisateurs les
plus productifs et les plus populaires entre 1930 et 1960

Christian-Jaque est né à Paris. D’abord
affichiste et décorateur (il travailla, entre autres, pour le cinéaste
André Hugon), il se spécialisa très vite dans la comédie, offrant
notamment à Fernandel, avec lequel il tourna six films (dont François
Ier en 1937 et Ernest le rebelle en 1938), certains de ses
rôles les plus populaires. Adapté d’un roman de Pierre Véry, les Disparus
de Saint-Agil (1938), avec Erich von Stroheim et Michel
Simon, connut un grand retentissement à la fin des années 1930 et permit à
Marcel Mouloudji de faire ses premiers pas au cinéma. Après l’Assassinat
du père Noël (avec Harry Baur, 1941) et Sortilèges (sur des dialogues de
Jacques Prévert, 1945), dans lesquels il fit apparaître sa grande maîtrise
du genre policier, il réalisa à la Libération une version très patriotique
de Boule de Suif (avec Micheline Presle, 1945). Il dirigea Gérard Philipe
à de multiples reprises, notamment dans la Chartreuse de Parme (1948),
dans Souvenirs perdus (1950) et dans un Fanfan la Tulipe très enlevé
(1952).

Marié successivement aux actrices Simone Renant, Renée Faure et Martine
Carol, il s’est mis plusieurs fois au service de cette dernière (Lucrèce
Borgia, 1953; Madame du Barry, 1954; Nana, 1955) et offrit à Brigitte
Bardot l’un de ses rôles les plus célèbres (Babette s’en va-t-en guerre,
1959).

Cimino, Michael

Michael Cimino
(1943- )
Cinéaste
américain, réalisateur de la Porte du paradis (Heaven's Gate) en
1980

Né à New York, Cimino est le fils d'un
éditeur de musique. Il étudia l'histoire de l'art à l'université Yale
avant de se tourner vers la réalisation de films publicitaires pour la
télévision.

Dans cette odyssée amère qui conduit de jeunes ouvriers américains
d'origine lituanienne jusqu'au Viêt Nam, d'où certains ne reviendront
jamais, Michael Cimino se penche sur une Amérique modeste où les jeunes
gens doivent se résigner à subir l'exploitation, l'aliénation et la
guerre.

Cimino, Voyage au bout de
l'enfer

Après avoir collaboré à divers scénarios, Cimino fit ses débuts de
réalisateur avec le Canardeur (Thunderbolt and Lightfoot, 1974), une
comédie à suspense avec Clint Eastwood et Jeff Bridges.
Son film suivant, Voyage au bout de l'enfer (The Deer Hunter, 1978), qui
traitait de la guerre du Viêt Nam, fut couronné par cinq oscars à
Hollywood, notamment ceux du meilleur film et du meilleur réalisateur.

L'excellent accueil dont bénéficia Voyage au bout de l'enfer permit à
Cimino d'entreprendre la Porte du paradis (1980), un western historique
conçu à l'échelle d'une épopée. Durant le tournage, le budget initial fit
plus que quintupler. Lorsqu'il sortit, le film fut rejeté tant par la
critique que par le public et provoqua la faillite de son studio, United
Artists. Il fallut attendre plusieurs années avant que certains critiques
y voient un véritable chef-d'oeuvre.

L'Année du dragon (The Year of the dragon), sorti en 1985, permit à son
auteur de reconquérir une partie de son public, mais ses réalisations
suivantes (The Desperate Hours, 1990; Sunchaser, 1996) ne furent que des
succès relatifs.

Cissé, Souleymane

Souleymane Cissé
(1940- )
Cinéaste
malien

Né à Bamako, il fait ses études à Dakar et, à
l’âge de vingt ans, reçoit une bourse pour poursuivre ses études dans une
école de cinéma moscovite. De retour au Mali, influencé par l’idéologie
marxiste et anticolonialiste, il tourne d’abord pour le ministère de
l’Information des documentaires à vocation sociale et pédagogique :
l’Homme et les idoles (1965), Sources d’inspiration (1966) et l’Aspirant
(1968). En 1974, il réalise son premier long-métrage de fiction. La Jeune
Fille (Den muso) est le premier film malien en langue bambara. Il sera
aussi le premier film malien censuré : cette histoire d’une jeune muette,
mère célibataire rejetée par sa famille, est perçue comme une vive attaque
des moeurs de la société traditionnelle. Les films suivants, qui en font
un cinéaste de tout premier plan en Afrique noire (voir africain, cinéma),
continuent à interroger les structures sociales de son pays comme dans
Travail (Bara, 1981) ou dans le Vent (Finyé, 1982) qui relate l’opposition
entre le pouvoir militaire et les étudiants. Yeelen (1987), que Cissé
produit avec beaucoup de difficultés, se détourne des tourments du présent
pour renouer avec les traditions africaines du récit, du conte et de
l’oralité (voir Afrique, littératures d’). L’histoire d’un jeune homme à
la recherche des pouvoirs magiques de son père donne l’occasion à Cissé de
mettre en scène la figure essentielle du griot et de construire le récit
autour de la palabre et des légendes fantastiques bambara. Dans Waati
(1995), son dernier film à ce jour, Cissé quitte le Mali pour filmer
l’Afrique entière à travers les tribulations d’une jeune femme, de
l’Afrique du Sud aux tribus touareg du Sahara. Il semble qu’il revendique
désormais un retour vers le passé et les coutumes (son héroïne est docteur
en anthropologie) - fondement indispensable à ses yeux et seul capable de
fonder une identité africaine supranationale.

Clair, René

René Clair
(de son vrai nom René
Chomette)
(1898-1981)
Réalisateur français

Né à Paris, René Clair est d’abord
journaliste, parolier, comédien et assistant auprès de J. de Baroncelli.
Puis, il tourne ses premiers films dont Entr'acte (1924), qui s'inscrit
dans le mouvement dadaïste des années 1920, sur un scénario de Francis
Picabia et une musique d'Érik Satie. Après la réalisation de films
fantastiques (le Fantôme du Moulin-Rouge, 1924 et le Voyage imaginaire,
1925), il adapte deux comédies de Labiche : Un chapeau de paille d'Italie
(1927) et les Deux Timides (1928). Avec l'arrivée du son, René Clair donne
à ses films une nouvelle dimension. Les oeuvres de cette période, Sous les
toits de Paris (1929), le Million (1930), À nous la liberté (1931),
conduisent les critiques de cinéma à le considérer comme le premier
réalisateur à avoir entièrement exploré le potentiel du parlant.

À nous la liberté (1931) de René
Clair

Dénonciation du travail à la chaîne, le film de René Clair est l'un des
premiers films parlants et chantants du cinéma français. Charlie Chaplin s'en inspira pour
tourner, cinq ans plus tard, les Temps modernes (Modern Times).

Après Quatorze Juillet (1933), une charmante comédie populaire, Clair
est amené à travailler en Angleterre, où il dirige son premier film en
anglais, Fantôme à vendre (The Ghost Goes West, 1935). Puis, pendant la
Seconde Guerre mondiale, il réside aux États-Unis, où il connaît un succès
considérable avec des films tels que Ma femme est une sorcière (I Married
a Witch, 1942) et C'est arrivé demain (It Happened Tomorrow, 1943),
poursuivant la même démarche cinématographique (truquages et associations
d'images) pour évoquer le fantastique. Après la guerre, il rentre en
France, où il réalise la Beauté du diable (1949), les Belles de nuit
(1952), les Grandes Manoeuvres (1955), Porte des Lilas (1957) et les Fêtes
galantes (1965). Clair a instillé dans ces oeuvres la maturité d'une
réflexion nouvelle, associée à la grâce et au charme des films de ses
débuts. Il a publié Réflexion faite (1953) et, en 1960, est entré à
l'Académie française.

Un jour le Nil (an-Nass wa an-Nil, 1968-1972), sur la mise en service
du barrage d'Assouan, déplut aux commanditaires égyptiens et soviétiques.
En 1978, il inaugura avec Alexandrie, pourquoi ? (Iskandariyya lih ?) sa
trilogie autobiographique, qui comprend également la Mémoire (Hadduta
Misriyya, 1982) et Alexandrie encore et toujours (Iskandariyya kaman wa
kaman, 1989). En 1985, il dirigea Michel Piccoli dans une coproduction
égypto-française, Adieu Bonaparte. Les extrémistes religieux firent
interdire momentanément le film l'Émigré (al Mohager, 1994), histoire
biblique de Joseph. Le Destin (al-Massir, 1997), qui traite du
fondamentalisme et de l'intolérance, remporta le Prix spécial du
cinquantième festival de Cannes.

Clarke, Shirley

Shirley Clarke
(1919-1997)
Cinéaste
américaine

Née à New York, fille d’un industriel juif
new-yorkais, Shirley Clarke (née Shirley Brimberg) quitte très tôt sa
famille pour suivre des cours de danse moderne auprès de Martha Graham. En
1948, elle renonce à sa carrière de danseuse, mais, toujours très attachée
à ce milieu, réalise Dance in the Sun (1953) autour des chorégraphies
avant-gardistes de Daniel Nagrin. Remarquée par la réalisatrice Maya
Deren, elle connaît ses premiers succès dans les festivals internationaux
avec Bullfight (1955), fréquente la jeune garde du cinéma documentaire
américain (Richard Leacock, D. A. Pennenbaker), et réalise dans ce cercle
une série de courts métrages pour l’exposition universelle de Bruxelles en
1958. Cette rencontre est l’occasion d’une confrontation avec le Cinéma
Vérité, pratique cinématographique avec laquelle elle entretiendra toute
sa carrière un rapport ambigu.

Son premier long métrage important, The Connection (1961), est
l’adaptation d’une pièce du dramaturge Jack Gelber et, selon les propres
termes de la cinéaste, un exercice de «faux Cinéma Vérité». Manière d’«En
attendant Godot de la drogue» (selon le cinéaste Mekas Jonas), The Connection
portraiture un groupe de jeunes drogués qui échangent leurs visions du
monde en attendant l’improbable arrivée du dealer. S’il est, à n’en pas
douter, un document réaliste sur une époque, une situation et certaines
facettes de la culture underground, le film se détache pourtant
complètement du genre documentaire au sens strict : la cinéaste s’appuie
sur un dispositif de fiction en faisant participer une fausse équipe de
tournage (constituée de vrais acteurs) aux discussions des personnages qui
improvisent à partir du texte de Jack Gelber. Accompagnée d’une polémique
avec les comités de censure new-yorkais, la sortie en salle connaît un
grand succès.

Avec Harlem Story (The Cool World, 1963), Shirley Clarke poursuit dans
la veine du semi-documentaire en filmant une bande d’adolescents noirs,
proches de la délinquance, dans leurs déambulations à travers New York. La
plupart des personnages de ses films sont amenés à jouer leur propre rôle
: là où l’on pourrait légitimement craindre une certaine fausseté dans la
représentation, le cinéma de Shirley Clarke atteint souvent une grande
justesse de ton. Au-delà, les films de Clarke donnent une image fidèle des
luttes et des conditions de vie des minorités américaines dans les années
soixante. Portrait of Jason (1966) met en scène quelques heures de la vie
d’un jeune noir prostitué homosexuel, qui, entre deux bouffées de
cigarette de marijuana, fabule sur son existence à la marge de la société,
une existence émaillée de beuveries et de rixes, de nuits d’amour et de
rêves.

Installée au Chelsea Hotel, résidence de la bohème artistique
new-yorkaise, Clarke fréquente la frange la plus radicale des artistes
new-yorkais et participe à la création du Filmmakers Distribution Center
avec Mekas Jonas et Louis Brigante en
1966. Mais c’est dans un quasi-dénuement qu’elle vit après avoir engagé
ses propres deniers dans la production de ses films, dont la rentabilité
financière est presque nulle. Écartée du cercle formé notamment par Jonas Mekas et le critique et
théoricien P. Adams Sitney lors de la création de l’Anthology Film Archive
(1972), Shirley Clarke ne trouve plus de producteurs et se tourne
désormais vers les chaînes de télévisions par câble, réalisant de nombreux
films vidéo, dont la plupart restent à découvrir, notamment Wendy and
Shirley (1973), Ornette : Made in America (1985). Shirley Clarke tient son
propre rôle dans le film d’Agnès Varda Lion’s Love (1969).
Atteinte par la maladie d’Alzheimer, elle meurt à Boston.

Clément, René

René Clément
(1942-1999)
Cinéaste
français

Révélé par ses films sur la Résistance et
qui fut l’un des réalisateurs les plus engagés dans les coproductions
européennes des années 1950.

Né à Bordeaux, René Clément entreprit des études d’architecture avant
de se tourner vers le cinéma. D’abord documentariste, il se vit confier
par les instances de la Résistance la réalisation de la Bataille du rail
(1946), un film sur les cheminots qui mêle habilement documentaire et
fiction. Conseiller technique de Jean Cocteau pour le tournage de
la Belle et la Bête (1946), il tourna la même année le Père tranquille,
nouveau film sur la Résistance avec Noël-Noël, une grande vedette de
l’époque. Réalisateur européen, il dirigea en Italie Au-delà des grilles
(le Mura di Malapaga, 1949) et Quelle joie de vivre! (Che gioia di vivere,
1961), et réalisa à Londres Monsieur Ripois (1954, avec Gérard Philipe)
sur des dialogues de Raymond Queneau. Son film le plus célèbre et son plus
grand succès populaire fut sans doute Jeux interdits (1952), qui reçut un
oscar à Hollywood et révéla Brigitte Fossey. Paris brûle-t-il, fresque
historique ambitieuse tournée en 1966 avec une distribution
internationale, fut un essai peu concluant de film à grand spectacle; en
revanche, avec Plein soleil (d’après Monsieur Ripley de Patricia
Highsmith, 1960), René Clément réalisa l’un des plus grands films
policiers français de l’après-guerre, offrant peut-être à Alain Delon son
plus beau rôle.

Clémenti, Pierre

Pierre Clémenti
(1942-1999)
Comédien et
réalisateur français, qui a incarné la modernité radicale et la
contre-culture cinématographique issue des années soixante

LES ANNÉES DE
FORMATION

Né à Paris d’un père inconnu et d’une mère corse (dont il a adopté le
patronyme), Pierre Clémenti est d'abord attiré par le théâtre. Il suit des
cours d’art dramatique à l’école du Vieux-Colombier et se produit dans des
spectacles d'avant-garde. Son élégance et sa beauté mystérieuse lui valent
d’être vite remarqué par les cinéastes. Yves Allégret l'engage pour le
Chien de pique (1960) et Michel Deville lui donne un petit
rôle de tendre voyou dans Adorable menteuse (1961). Mais c'est avec Luchino Visconti qu'il débute
vraiment dans le Guépard (Il Gattopardo, 1962). Il tourne peu par la
suite, se limitant à Cent briques et des tuiles (1964) de Pierre Grimblat,
Brigade antigang (1966) de Bernard Borderie, Un homme de trop (1967) de Costa-Gavras et Lamiel (1967) de Jean Aurel. En
revanche, le théâtre l'accapare et il participe activement aux expériences
scéniques de l’American Center de Marc'O, qui transpose d'ailleurs un de
ses spectacles, les Idoles, au cinéma (1968).

DU DANDYSME LIBERTIN À LA
CONTRE-CULTURE GAUCHISTE

Luis Buñuel l'engage pour Belle
de jour (1968) et Michel Deville lui donne la
vedette dans Benjamin ou les mémoires d’un puceau (1968). Pierre Clémenti
devient célèbre, mais tourne ouvertement le dos au cinéma commercial et
préfère s'impliquer dans des aventures âprement poétiques comme Partner
(1968) et le Conformiste (il Conformista, 1970) de Bernardo Bertolucci, Roue de
cendres (Wheel of Ashes, 1968) de Peter Emmanuel Goldman, le Lit de la
vierge (1969) et la Cicatrice intérieure (1970) de Philippe Garrel, ou encore la
Voix lactée (1969) de Luis Buñuel. On le voit également
dans Porcherie (Porcile, 1969) de Pier Paolo Pasolini, Têtes
coupées (Cabezas cortadas, 1970) de Glauber Rocha et la Pacifista
(1971) de Miklós Jancsó.

L’EXPÉRIENCE FIÉVREUSE ET
HALLUCINATOIRE DE L’UNDERGROUND

Arrêté en Italie en 1971 pour usage et détention de stupéfiants, il est
incarcéré pendant dix-sept mois. À sa libération, il écrit un livre,
Quelques messages personnels (1973) et continue de se partager entre la
radio, le théâtre et le cinéma. Il participe à des films grand public
comme l'Ironie du sort (1974) d’Édouard Molinaro, Canicule (1983) d’Yves Boisset ou Massacres (1995)
de Jean-Claude Roy, mais aussi à des oeuvres très expérimentales comme
Sweet Movie (1975) de Dušan Makavejev, le Berceau de cristal (1976) de Philippe Garrel, Zoo Zéro (1977)
d’Alain Fleisher et à des films d'auteur comme l'Affiche rouge (1976) et
la Chanson de Roland (1978) de Frank Cassenti, les Apprentis sorciers
(1977) d’Edgardo Cozarinsky, Cauchemar (1980) de Noël Simsolo, Pont du
Nord (1980) de Jacques Rivette, Quartet (1981)
de James Ivory, l'Amour des femmes (1981) de Michel Soutter, Hard to Be a God
(1990) de l'Allemand Peter Fleishman, Présumé suspect (Ipoptos Politis,
1994) du Grec Stelios Pavlidis et le Bassin de John Wayne (A Bacia de John Wayne, 1998) du Portugais
João Cesar Monteiro.

Il a également réalisé plusieurs films expérimentaux, Visa de censure
(1967), New Old (1978), À l'ombre de la canaille bleue (1988) et Soleil
(1988), qui ont été présentés à la Cinémathèque française à Paris, en mai
2000, à l’occasion d’une rétrospective du cinéma d’avant-garde en
France.

Clouzot, Henri-Georges

Henri-Georges Clouzot
(1907-1977)
Cinéaste
français

Adepte d’un réalisme souvent impitoyable,
dont les films, marqués par une grande rigueur dans la forme et le
scénario, ont souvent fait l’objet de controverses.

Né à Niort, Henri-Georges Clouzot se dirigea d’abord vers le
journalisme. Il débuta dans la mise en scène avec L’assassin habite au 21
(1942), avec Pierre Fresnay et Suzy Delair, puis réalisa en pleine
Occupation allemande un film sur la délation, le Corbeau (1943), qui donna
lieu, à la Libération en 1944, à de vives polémiques. À la suite de ce
scandale, Clouzot se vit frappé d’une suspension professionnelle
temporaire en 1945. Revenu à la réalisation, il remporta plusieurs
récompenses dans les festivals de Venise et de Cannes avec Quai des
Orfèvres (1947), Manon (1949), le Salaire de la peur (1955), films ayant
tous bénéficié d’une large audience.

Clouzot, les
Diaboliques
Christina (Véra Clouzot) et Nicole (Simone Signoret)
décident d'assassiner leur mari et amant Michel Delasalle (Paul Meurisse),
personnage abject et tyrannique. Chargé de l'enquête, l'inspecteur Fichet
(Charles Vanel) découvrira la véritable victime de cette machination
diabolique. Adapté d'un roman de Boileau-Narcejac (Celle qui n'était plus,
1952), le film d'Henri-Georges Clouzot fut couronné par le prix
Louis-Delluc 1955. Il fit l'objet d'un remake avec Isabelle Adjani et
Sharon Stone en 1996.

Cinéaste au style classique, animé par une sorte de perfectionnisme qui
le conduisait parfois à tyranniser ses acteurs, moraliste jetant un regard
souvent pessimiste sur la société, il est le réalisateur de plusieurs
autres films célèbres dont les Diaboliques (1955), le Mystère Picasso
(1956), un grand documentaire sur la méthode du peintre et sur la
naissance de quelques-uns de ses tableaux, et la Vérité (1960), où
Brigitte Bardot a trouvé son meilleur rôle dramatique. En 1994, avec
l’Enfer, Claude Chabrol a repris le
scénario d’un film que Clouzot n’avait pu achever trente ans plus tôt.

Poe (Edgar), le Corbeau
Le
Corbeau est la description sans fard de la France des années trente,
description qui n'épargne personne au point de conclure à la culpabilité
de tout le monde. Henri-Georges Clouzot est un cinéaste d'une remarquable
efficacité et doué d'un réel talent quand il s'agit d'installer une
atmosphère, de créer un monde et de maîtriser ses effets.

Cocteau, Jean

Jean Cocteau
(1889-1963)
Ecrivain,
dessinateur et cinéaste français

Né à Maisons-Laffitte, Jean Cocteau est issu
d’une famille de bourgeois fortunés, cultivés et musiciens. Son père vit
de ses rentes, aime dessiner et peindre, mais en 1898, s’imaginant ruiné,
il se suicide. L’enfant s’en trouve profondément affecté. Il fait des
études médiocres, échoue au baccalauréat, mais se sent très tôt attiré par
la littérature. Sa famille l’encourage dans ce sens.

C’est en 1909, âgé de vingt ans, qu’il publie son premier recueil de
poèmes, la Lampe d’Aladin, suivi en 1910 du Prince frivole, tous deux
désavoués plus tard. En cette même année 1910, il découvre les Ballets
russes, se lie à Diaghilev (qui lui « déniaisa l’esprit») et donne son
premier essai au théâtre, Portrait surnaturel de Dorian Gray. Puis il
écrit le livret d’un ballet (la Patience de Pénélope), des poésies (la
Danse de Sophocle, 1911), dessine les affiches pour les Ballets russes et
donne un argument chorégraphique, le Dieu bleu (1912), dansé par Nijinski.
Ébloui par le Sacre du printemps (1913) d’Igor Stravinski, il décide de se
ranger du côté des modernes.

Au moment de la déclaration de la Première Guerre mondiale, il donne
des textes et des dessins patriotiques dans le Mot, et, en 1915, le pilote
Roland Garros l’initie à l’acrobatie aérienne, expérience qui inspirera
son poème le Cap de Bonne-Espérance (1919). Mais auparavant, en 1916, il
devient convoyeur de la Croix-Rouge et intègre clandestinement un
bataillon de fusiliers marins. De retour du front, où son imposture est
découverte, il rencontre Picasso, se lie avec le musicien Erik Satie,
fréquente Apollinaire, Reverdy, Cendrars et Jacob. C’est alors qu’il écrit
l’Ode à Picasso (1916), dans un style d’avant-garde.

PROVOCATION ET MUSIQUE

1917 est l’année de création de Parade, dont il a écrit l’argument, sur
une musique de Satie. La première du ballet déclenche un scandale
considérable, et Cocteau est momentanément assimilé au mouvement Dada.
Passionné par les nouveaux courants musicaux français, il écrit un essai
sur la musique, le Coq et l’Arlequin (1918), forme et préside le groupe
des Six. Noctambule effréné, Cocteau est un peu, à cette époque, l’«
enfant chéri» de l’avant-garde intellectuelle et artistique. En 1919
toutefois, sa rencontre avec Raymond Radiguet - qui le pousse à faire
l’expérience de la forme romanesque - l’éloigne de cette avant-garde. Le
Potomak, recueil de textes et de dessins (1919, édition définitive en
1924) certes provocateur mais de facture plus classique, en est le premier
signe. Il écrit, par ailleurs, une farce musicale avec Darius Milhaud (le
Boeuf sur le toit, créé en 1920), publie un nouveau recueil de poésies
(Escales, 1920), donne une pantomime avec les musiciens du groupe des Six
(les Mariés de la tour Eiffel, 1921) et achève une pièce de théâtre en
collaboration avec Raymond Radiguet et Francis Poulenc, le Gendarme
incompris (1921).

LES ANNÉES FOLLES

Touche-à-tout plein d’énergie, Cocteau travaille dans toutes les
disciplines et fait alterner les poésies de création avec des textes
d’analyse et de réflexion (le Secret professionnel, 1922; le Rappel à
l’ordre, 1926 ; le Mystère laïc, 1928). Il édite confidentiellement et
sans nom d’auteur le Livre blanc (1928), ouvrage sur sa bisexualité, et
analyse dans Opium (1930) son expérience de la drogue, vers laquelle il
s’est tourné après la mort de Radiguet (« La Chine fume pour se rapprocher
de ses morts.»). Au cours de ces mêmes années, il donne une série de
romans de facture assez classique : Thomas l’imposteur, le Grand Écart
(1923) et les Enfants terribles (1929), dans lesquels il traduit, en un
style économe et musical, l’esprit et le mal de vivre d’une époque.

La musique reste un de ses centres d’intérêt. Il écrit, entre autres,
une opérette avec Darius Milhaud (le Train bleu, 1924), des ballets (les
Biches, les Fâcheux, 1924), un opéra-oratorio pour Stravinski (Œdipus Rex,
1927). Pour le théâtre, il interroge principalement la mythologie et la
tragédie grecques, qui lui permettent de développer des thèmes récurrents
de son oeuvre (l’amour impossible, la mort, etc.), dans des versions
d’Antigone (1922), mise en musique par Arthur Honegger, d’Orphée (1927) et
d’Œdipe Roi (1928). Il publie toujours des poèmes à la facture originale
et fascinante : Vocabulaire (1922), la Rose de François et Plain-Chant
(1923), l’Ange Heurtebise, Cri écrit, Pierre mutilée (1925), Opéra (1927).
Son rapprochement avec le groupe surréaliste est vite interrompu par une
brouille avec André Breton, qui le qualifie d’«imposteur de la poésie».
Tourmenté par son athéisme, il écrit aussi la Lettre à Jacques Maritain
(1926) et laisse libre cours à ses pulsions homosexuelles dans 25 dessins
d’un dormeur (1929).

PLÉNITUDE

La diversité de ses activités artistiques, son indépendance d’esprit et
sa présence sur tous les fronts culturels déplaisent à beaucoup. On le
traite souvent d’artiste superficiel et de mondain exhibitionniste.
Indifférent à ces calomnies, Cocteau continue d’explorer le théâtre grec
et les nouvelles formes de communication, puis reprend le journalisme avec
des Portraits-Souvenirs (1935) destinés au Figaro, ainsi qu’avec une suite
de reportages sur le pari de faire le tour du monde en quatre-vingt jours,
comme le héros de Jules Verne, expérience dont il tire Mon premier voyage
(1936). À partir de 1937, il devient chroniqueur régulier à Ce soir, et
continue de publier dans les quotidiens et les hebdomadaires jusqu’à sa
mort.

C’est en 1930 qu’il se lance dans la réalisation cinématographique avec
le Sang d’un poète, film non narratif, truffé de trouvailles visuelles et
sonores qui font date. Débordant d’activité, il multiplie ses productions
: théâtre musical (Cantate avec Markevitch, 1930), essai (Essai de
critique indirecte, 1932), chansons parlées pour Marianne Oswald, poésie
(Énigmes, 1938), roman (la Fin du Potomak, 1940). C’est aussi la période
de sa maturité comme dramaturge avec la Voix humaine (1930), bouleversant
monologue d’une femme qui, pour la dernière fois, parle au téléphone avec
son amant ; la Machine infernale (1934), les Chevaliers de la Table ronde
(1937), qui retrace comme en blasons la geste du Graal, les Parents
terribles (1938), sans doute son chef-d’oeuvre dans ce registre, qui
consacre son ami Jean Marais.

TEMPS DE GUERRE

En 1940, après l’exode, il remonte à Paris et se consacre d’abord au
théâtre, avec notamment le Bel Indifférent (1940) — monologue déchirant
écrit pour Édith Piaf —, la Machine à écrire (1941), puis à la poésie
(Allégories, 1941 ; Léone, 1945). Il écrit plusieurs scénarios pour le
cinéma : le Baron Fantôme, 1942), de Serge de Poligny, l’Éternel Retour
(1943), de Jean Delannoy, et les dialogues
des Dames du bois de Boulogne, de Robert Bresson (1945). Il réalise
lui-même la Belle et la Bête (1946), d’après le conte de Mme Leprince de
Beaumont. Cette féerie, magnifiée par Jean Marais dans un double rôle,
fait aussitôt accéder Cocteau au rang de réalisateur majeur.

CINÉMA

Après la Seconde Guerre mondiale, le cinéma occupe désormais la majeure
partie de son temps. Il rédige entièrement ou participe à l’écriture de
scénarios, de dialogues ou de commentaires (Ruy Blas, de Pierre Billon,
1947 ; les Enfants terribles, de Jean-Pierre Melville, 1950 ; la
Couronne noire, de Luis Saslavski, 1952 ; la Princesse de Clèves, de Jean Delannoy, 1961 ; etc.). Il
réalise l’adaptation de sa pièce l’Aigle à deux têtes (1947), celle des
Parents terribles (1948), où il abat les frontières entre cinéma et
théâtre avec un génie qui fait date, puis triomphe avec Orphée (1950),
oeuvre fantastique et moderne sur la poésie et la mort pour, enfin,
conclure son oeuvre cinématographique par le Testament d’Orphée (1959),
qui fait éclater les codes de représentation cinématographique avec une
liberté admirable et un humour désenchanté. Ses inventions visuelles et
son style poétique marquent aussi les auteurs de la Nouvelle Vague, qui
revendiqueront franchement son influence. Il publie aussi des Entretiens
autour du cinématographe (1951) avec André Fraigneau, qui deviennent une
bible pour les artistes metteurs en scène.

François Périer dans Orphée (1950) de
Jean Cocteau.

Transposition moderne d'une des plus célèbres — et des plus obscures —
légendes de la mythologie grecque, le long métrage de Cocteau est un poème
visuel empreint du « réalisme fantastique» cher à l'auteur des Enfants
terribles. Il sera suivi neuf ans plus tard du Testament d'Orphée, souvent
considéré comme le testament cinématographique du poète.

Cocteau, le Sang d'un
poète
Pauline Carton et une enfant (non créditée) dans le Sang d'un
poète (1930) de Jean Cocteau.

Le Sang d'un poète (1930) est l'une des oeuvres inclassables du cinéma
français. Poème visuel, essai cinématographique et manifeste esthétique,
ce film inégal - notamment par son surréalisme quelque peu systématique -
contient des moments de beauté bouleversante et des trouvailles qui ont
marqué durablement le septième art. Avec Orphée, réalisé vingt ans plus
tard, dans lequel il développe certaines des inventions du Sang d'un
poète, Cocteau démontre qu'il est l'un des meilleurs cinéastes français,
capable de concilier poésie pure et classicisme parfait du récit.

CONSÉCRATION

Cocteau n’en poursuit pas moins son oeuvre littéraire avec des poésies
(la Crucifixion, 1946 ; le Chiffre sept, 1952 ; Appogiatures, 1953 ;
Clair-Obscur, 1954 ; le Cordon ombilical, 1961 ; le Requiem, 1962), des
mimodrames (le Jeune Homme et la Mort, 1946), des ballets (Phèdre, 1950),
des pièces de théâtre (Bacchus, 1951), des essais (la Difficulté d’être,
1947 ; Lettre aux Américains, 1949 ; Modigliani, 1950 ; Jean Marais, 1951
; Gide vivant, 1952).

Jean Cocteau a été membre de l’Académie française de 1955 à sa
mort.

Coen, Joel et Ethan

Joel Coen
(1955- )
et
Ethan
Coen
(1957- )
Cinéastes américains

Les frères Coen sont nés à Minneapolis
(Minnesota). Joel suit des études de cinéma à la New York University Film
School, commence une carrière comme monteur et s’associe ensuite à son
frère Ethan, qui sera producteur et scénariste de ses films, pour
coréaliser Sang pour sang (Blood Simple, 1984), un film noir sauvage et
sophistiqué. Puis, les deux frères offrent un rôle au jeune Nicholas Cage
dans Arizona junior (Raising Arizona), une fable loufoque dans laquelle un
condamné multirécidiviste épouse une femme policier stérile et kidnappe un
enfant pour la rendre heureuse. En 1990, ils s'inspirent du roman la
Moisson rouge de Dashiell Hammett pour un beau film de gangsters, Miller's
Crossing et enchaînent avec Barton Fink (1991) qui leur vaut la palme d’or
au festival de Cannes. Ils y révèlent John Turturro et John Goodman au
grand public. Barton Fink a été largement salué par la critique pour sa
subtile tonalité fantastique et son humour inquiétant, qui évoquent par
moments les oeuvres de Kafka, mais aussi pour l'éclairage très original
qu'il donne sur l'histoire récente des États-Unis et plus particulièrement
sur l'industrie cinématographique, le film se déroulant à Hollywood dans
les «glorieuses» années quarante. Joel Coen signe ensuite seul le Grand
Saut (The Hudsucker Proxy, 1994), une comédie dont le scénario oppose un
industriel à l’inventeur du Hoola Hoop. L’oeuvre déçoit le public et la
critique. Les frères Coen renouent alors avec le film policier en
coréalisant Fargo (1996), avant de revenir à la comédie avec The Big
Lebowski (1997).

Coen (Joel), Barton
Fink
Barton Fink revisite tout un pan de la culture américaine des
années quarante avec un sens subtil de l'atmosphère et du détail. Le
basculement progressif du récit dans un onirisme inquiétant,
caractéristique du style des frères Coen, est ici particulièrement
remarquable.

Comencini, Luigi

Luigi Comencini
(1916- )
Cinéaste italien,
célèbre pour ses films sur l’enfance et son analyse amère de la société
contemporaine

Après des études d’architecture, Comencini
tourna son premier long métrage, De nouveaux hommes sont nés (Proibito
rubare, 1948), à l’époque du néoréalisme triomphant. Il obtint son premier
succès international avec Pain, amour et fantaisie (Pane, amore e
fantasia, 1953) avec Vittorio De Sica et Gina Lollobrigida, film qui fut
bientôt suivi par Pain, amour et jalousie (Pane, amore e gelosia,
1954).

Lors de la décennie suivante, Comencini signa certains de ses plus
beaux films, notamment la Grande Pagaille (Tutti a Casa, 1960),
tragi-comédie sur la démobilisation massive et chaotique qui suivit la
défaite de l’Italie en 1943, À cheval sur le tigre (A cavallo della tigre,
1961), la Ragazza (La Ragazza di Bube, 1963), d’après le roman de Carlo
Cassola et surtout l’Incompris (Incompreso, 1967), qui porte un regard
d’une grande sensibilité sur l’enfance.

Après les Aventures de Pinocchio (le Avventure di Pinocchio, 1971) et
l’Argent de la vieille (lo Scopone scientifico, 1972), Comencini tourna
encore le Grand Embouteillage (l’Ingorgo, una storia impossibile, 1979),
la Storia (1985), d’après l’oeuvre d’Elsa Morante, et Joyeux Noël, Bonne
Année (Buon natale, buon anno, 1989).

Coppola, Francis Ford

Francis Ford Coppola
(1939- )
Producteur,
réalisateur et scénariste américain

Né à Detroit, dans le Michigan, il étudia à
l'université de Californie à Los Angeles (UCLA), puis commença à
travailler pour Roger Corman, producteur de films
de série B. En 1963, il réalisa son premier long métrage, Dementia 13, en
Irlande, et se lança dans l'écriture de scénarios pour la société de
production Seven Arts Productions. Coppola accéda à la notoriété grâce aux
scénarios et à la mise en scène de Big Boy — ou le Grand Garçon — (You're
a Big Boy Now, 1967) et des Gens de la pluie (The Rain People, 1969). Son
premier oscar lui fut attribué pour le scénario de Patton (Patton : Lust
for Glory, 1970).

À partir de cette période, alors qu'il travaillait surtout pour sa
propre société de production, l'American Zoetrope, aujourd'hui en
faillite, et en collaboration avec les principales compagnies d'Hollywood,
telles que l'Universal et la Paramount, Coppola s'imposa comme un des
cinéastes américains les plus controversés de son époque. Le Parrain (The
Godfather, 1972) est aujourd'hui un des films les plus célèbres de
l'histoire du cinéma américain. Parmi ces films, on peut citer
Conversation secrète (The Conversation, 1974), le Parrain II (The
Godfather, Part II, 1974), Apocalypse Now (1979), où s'exprime son goût de
la démesure, Tucker (Tucker : The Man and His Dream, 1988), le Parrain III
(The Godfather, Part III, 1990) et Dracula (Bram Stoker's Dracula, 1993).
Coppola a également produit plusieurs grands films, dont American Graffiti
(1973) de George Lucas et Hammett (1982) de
Wim Wenders. Son épouse, Eleanor
Coppola, a réalisé quant à elle Hearts of Darkness : A Filmmaker's
Apocalypse, un documentaire sur le tournage d'Apocalypse Now, sorti en
1991.

Apocalypse Now

Tourné dans des conditions extrêmement difficiles et mouvementées aux
Philippines, Apocalyse Now constitue l'un des éclairages
cinématographiques les plus originaux sur le conflit du Viêt Nam. Francis
Ford Coppola y évoque en effet, sans complaisance et en s'appuyant sur une
mise en scène lyrique, le désastre de l'engagement militaire américain.
Cinq ans après le Parrain II, le cinéaste aborde à nouveau les thèmes du
pouvoir d'un homme (Kurz, colonel de l'armée américaine devenu chef et
véritable dieu vivant d'un groupe de rebelles cambodgiens) sur une
communauté, de la violence et de la solitude qui sont le destin d'un tel
despote.

Francis Ford Coppola, le Parrain (The
Godfather), 1972.
Adapté d'un roman de Mario Puzo, le film retrace
la vie d'un « parrain» de la mafia new-yorkaise, don Vito Corleone.
Construit comme un tragédie antique, il est servi par une distribution
exceptionnelle (Al Pacino, James Caan, Robert Duvall, Diane Keaton) et par
la musique entêtante de Nino Rota. Il valut à Marlon Brando son second
oscar, qu'il refusa en signe de solidarité avec les Indiens
d'Amérique.

Corman, Roger

Roger Corman
(1926- )
Réalisateur,
scénariste, producteur et distributeur américain

Né à Detroit, Roger Corman suit des études
d’ingénieur à l’université de Stanford, puis de littérature à Oxford. Il
débute comme coursier à la 20th Century Fox, devient scénariste et passe à
la réalisation avec un western : Cinq Fusils à l’Ouest (Five Guns West,
1955). Il réalise ensuite 45 films et en produit une trentaine. Ce sont
des séries B à petit budget qui recouvrent les genres populaires de
l’époque : policier, science-fiction, films de rock and roll, histoires de
teenagers et films fantastiques. Les tournages sont rapides : A Bucket of
Blood (1959) et la Petite Boutique des horreurs (Little Shop of Horrors,
1960) sont bouclés en deux jours et deux nuits chacun.

Dans les années soixante, Corman prend un tournant esthétique avec une
série d’adaptations en couleurs et en CinémaScope des nouvelles d’Edgar
Poe. Il s’adjoint la collaboration du romancier Richard Matheson, du
chef-opérateur Floyd Crosby, qui a travaillé avec F. W. Murnau, et fait appel à des
acteurs prestigieux : Boris Karloff, Peter Lorre, Vincent Price et Basil
Rathbone. Dans le Masque de la mort rouge (Masque of the Red Death, 1964)
ou Ligeia (Tomb of Ligeia, 1964), il transforme le film d’épouvante en
spectacle fastueux et donne au fantastique les couleurs de la comédie
musicale. Il réalise aussi une adaptation de H. P. Lovecraft, la
Malédiction d’Arkham (The Haunted Palace, 1963), un road-movie sur les
Hell’s Angels, les Anges sauvages (The Wild Angels, 1966), et un étonnant
film de gangsters avec Shelley Winters : Bloody Mama (1970).

Déçu par l’insuccès de Gas-s-s-s! (1970), il abandonne la mise en scène
pour se limiter à la production et distribue aux États-Unis les films de
Bergman, Fellini, Kurosawa et Truffaut. Il ne revient qu’une
seule fois à la réalisation avec Frankenstein Unbound (1990).

Remarquable découvreur de talents, il donne son premier rôle en vedette
à Charles Bronson dans Mitraillette Kelly (Machine Gun Kelly, 1957),
permet aux jeunes Robert De Niro et Jack Nicholson de débuter à
l’écran et produit les premiers films de Paul Bartel, Francis Ford
Coppola, Jonathan Demme, Jonathan Kaplan, Monte Hellmann et Martin Scorsese.

Corman apparaît dans quelques films, dont l’État des choses (Der Stand
der Dinge, 1981) de Wim Wenders.

Corneau, Alain

Alain Corneau
(1943- )
Cinéaste reconnu
comme le spécialiste du film policier français des années
1970

Alain Corneau a a dirigé Yves Montand,
Simone Signoret, Gérard Depardieu, Patrick Dewaere...

Il avait pourtant débuté avec un film plus politique et plus personnel,
France Société anonyme (1974). Ses grands succès se sont inscrits dans la
tradition du film d'action américain : Police Python 357 (1976), la Menace
(1977), Série noire (1979), le Choix des armes (1981). Après l'échec d'un
nouveau film policier, la Môme (1986), il réorienta complètement sa
carrière au profit de films plus personnels et plus intimistes : Nocturne
indien (1989), Tous les matins du monde (1991). Ce dernier succès lui
permit de tourner un film quasi autobiographique, le Nouveau Monde
(1995).

Costa-Gavras, Konstantinos

Costa-Gavras
(1933- )
Réalisateur français
d’origine grecque

Né à Athènes, Konstantinos Gavras, dit
Costa-Gavras, débute au cinéma comme assistant-réalisateur d’Yves Allégret
et de René Clair. Après des débuts
modestes dans le genre policier (Compartiment tueurs, avec Yves Montand et
Simone Signoret, 1965), il convainc le public et la critique avec Z
(1968), un film dénonçant la dictature grecque et inspiré de faits réels
(l’assassinat du député Lambrakis). L’Aveu (1970), adapté d’un roman
d’Arthur London par Jorge Semprún, traite des purges au sein du système
communiste ; ce film est suivi par État de siège (1973), qui s’élève
contre la politique des États-Unis en Uruguay, et Section spéciale (1973),
qui évoque la collaboration des juges français sous l’Occupation.

À l’exception de Clair de femme (d’après Romain Gary, 1979) et de
Conseil de famille (avec Johnny Hallyday, 1985), Costa-Gavras a presque
exclusivement traité des thèmes politiques empruntés à l’histoire récente
: la dictature au Chili dans Missing (palme d’or au festival de Cannes en
1982), l’État d’Israël dans Hanna K. (1983), et les anciens nazis dans
Music Box (ours d’or au festival de Berlin en 1989). Spécialiste du
thriller politique et auteur d’une large réflexion sur le pouvoir, il a
été président de la Cinémathèque française de 1982 à 1987.

Coutard, Raoul

Raoul Coutard
(1924- )
Chef opérateur et
réalisateur français

Né à Paris, Raoul Coutard suit des études
d'ingénieur chimiste avant de devenir reporter photographe. Il couvre
notamment la guerre d'Indochine pour Radar, Life et Paris-Match.

Après avoir fait ses débuts de chef opérateur de cinéma avec À chacun
son paradis (1956) de Luciano Emmer et Robert Enrico, il entame une longue
collaboration avec Pierre Schoendoerffer, pour
lequel il photographie la Passe du diable (1956), coréalisé avec Jacques
Dupont, puis Ramuntcho (1958), Pêcheurs d'Islande (1959), la
317e Section (1964) et le Crabe-tambour (1977).

Son travail remarquable sur À bout de souffle (1960) de Jean-Luc Godard fait de lui le
chef opérateur le plus en vue de la Nouvelle Vague. Tout comme Schoendoerffer, Godard lui restera longtemps
fidèle, lui confiant la prise de vues de certains de ses meilleurs films :
le Petit Soldat (1961), Une femme est une femme (1961), Vivre sa vie
(1962), les Carabiniers (1963), le Mépris (1963), le Grand Escroc, un
sketch du film collectif les Plus Belles Escroqueries du monde (1963),
Bande à part (1964), Une femme mariée (1964), Alphaville (1965), Pierrot
le fou (1965), Made in USA (1966), Deux ou trois choses que je sais d'elle
(1966), la Chinoise (1967), et Week-End (1967). Après avoir pris leurs
distances au moment des événements de Mai 68, les deux hommes se
retrouvent pour Passion (1981) et Prénom Carmen (1982).

Coutard collabore entre-temps avec François Truffaut à des films
aussi remarquables que Tirez sur le pianiste (1960), Jules et Jim (1962),
Antoine et Colette - sketch du film collectif l'Amour à vingt ans (1962)
-, la Peau douce (1964) et la Mariée était en noir (1967), et signe
l’image de Lola (1960) de Jacques Demy, de Chronique d'un
été (1961) de Jean Rouch, de Tire-au-flanc 62
(1962) de Claude de Givray, de la Poupée (1962) de Jacques Baratier, et de
Vacances portugaises de Pierre Kast (1962).

Il signe encore la photo de l'Horizon (1967) de Jacques Rouffio, Z
(1968) et l'Aveu (1970) de Konstantinos Costa-Gavras, la
Diagonale du fou (1984) de Richard Dembo, la Garce (1984) de Christine
Pascal, Max mon amour (1986) de Nagisa Oshima et Peaux de vaches
(1989) de Patricia Mazuy.

Son utilisation de la lumière naturelle, le jeu marqué des contrastes
en noir et blanc comme en couleurs et la mobilité de sa caméra ont
véritablement révolutionné la photographie de cinéma.

Demy, Lola
La tendresse et
la mélancolie souriante de Demy imprègnent chaque plan de ce
film aussi doux et profond que le regard d'Anouk Aimée.

Comme metteur en scène, Raoul Coutard a réalisé Hoa-Binh (1970), une
évocation d’un épisode de la guerre d'Indochine, la Légion saute sur
Kolwezi (1979), une glorification de l’intervention militaire française au
Zaïre, et SAS à San Salvador (1982).

Cronenberg, David

David Cronenberg
(1943- )
Réalisateur et
scénariste canadien

Fils d’un écrivain et d’une musicienne,
David Cronenberg est fasciné dès l’enfance par l’entomologie et par la
littérature fantastique. Il commence des études de biologie, qu’il
abandonne bientôt pour se consacrer à la littérature anglaise. Dès lors,
il s’intéresse de plus en plus à la photographie, au cinéma et commence à
écrire.

Établi à Toronto, où il naquit et où il fit des études scientifiques,
puis littéraires, David Cronenberg est, avec Atom Egoyan, l’un des rares
cinéastes de fiction du Canada anglophone. Mais ses films l’ont surtout
rendu insituable sur toute carte du cinéma ou de la géographie humaine : à
l’image de la mutation qui en est le thème majeur, l’oeuvre de David
Cronenberg réforme et reforme les lois d’un genre (le fantastique,
l’épouvante) pour en repousser les frontières. Et si sa maîtrise technique
le place sur un pied d’égalité avec les maîtres des effets spéciaux du
cinéma américain, c’est au service d’une sensibilité plus européenne qu’il
met ce savoir-faire, à travers l’exploration d’un monde cérébral,
volontiers tenté par des pistes psychanalytiques. L’étrangeté qui en
résulte contribue à accentuer le caractère profondément unique et la
valeur de rupture d’une telle démarche.

Entre 1966 et 1969, David Cronenberg tourne deux courts métrages (dont
From the Drain) et en 1969 son premier long métrage de science-fiction
Stereo, qui propose déjà, thème emblématique de son oeuvre, une vision
clinique de la sexualité vécue comme une expérience de laboratoire ; ce
film est suivi la même année de Crimes of The Future. Dans son second long
métrage, Frissons (The Parasite Murders / Shivers, 1975), un savant (le
personnage principal) est exposé aux effets contagieux d’un virus sexuel.
David Cronenberg dirige ensuite l’actrice Marilyn Chambers, transfuge du
cinéma pornographique, dans Rage (Rabid, 1976), qui mêle encore une fois
science, virus et sexualité.

Jeff Goldblum dans la Mouche (The
Fly, 1986) de David Cronenberg.
Un scientifique se livrant à des
expériences de télétransportation laisse une mouche s'introduire dans la
cabine de son appareil. Il se transforme peu à peu en un gigantesque
hybride homme-insecte. Remake d'un film de Kurt Neumann, la Mouche noire
(Death Dreams, 1958), le long-métrage de Cronenberg connut un immense
succès. Une suite, moins inspirée, fut réalisée en 1989.

C’est la découverte du cinéma underground qui détermine David
Cronenberg à réaliser quelques courts-métrages à la fin des années 1960,
et ce sont de petites sociétés de production spécialisées dans les films
pornographiques qui financent ses premiers longs-métrages. Placée sous de
tels auspices, son inspiration n’apparaît guère plus sérieuse que celle
d’un provocateur concoctant avec des moyens dérisoires des spectacles
sanguinolents. Cronenberg gardera un temps cette image de cinéaste mineur
et désuet. Pourtant, dès Frissons (Shivers, 1975), où une épidémie de
violence sexuelle décime les habitants d’un immeuble moderne, l’obsession
qui fonde l’imaginaire du cinéaste est à l’oeuvre : le corps comme vecteur
du fantastique et objet d’expérimentation scientifique - un médecin fou
est ici responsable de l’épidémie transmise par un animal monstrueux. Rage
(Rabid, 1976) réaffirme cette fascination pour la contamination, les
métamorphoses physiques et la dégénérescence des instincts humains (ici
ceux d’une femme, transformée en prédatrice sexuelle après une greffe de
peau), de même que Chromosome 3 (The Brood, 1979), où une mère donne
naissance à des gnomes cruels qui accomplissent ses désirs de meurtre
refoulés. Marqué par les découvertes de la nouvelle psychiatrie, le film
ouvre la voie à une approche plus intériorisée de l’horreur, dont le
cerveau humain devient le foyer dans Scanners (1980), où deux frères
télépathes s’affrontent avec les armes d’une pensée assassine, et dans
Dead Zone (1984), adaptation d’un roman de Stephen King dont le héros est
un accidenté de la route qui développe des dons visionnaires.

«Faux-semblants» (1988), de David
Cronenberg, avec Jeremy Irons, qui tient le rôle de deux jumeaux, et
Geneviève Bujold. Après «Vidéodrome» et avant «Crash», David Cronenberg se
révèle le cinéaste du corps mutant

Le pouvoir de l’image est au centre des préoccupations de David
Cronenberg. Il n’est pas appréhendé comme un thème journalistique ou
sociologique (bien que ses films éclairent souvent brillamment les
mutations de notre rapport quotidien aux images), mais comme un motif
romanesque qui prolonge l’histoire des avatars du corps racontée dans tous
ses films. Projetée, manipulée, greffée ou inventée, l’image rencontre en
effet toujours le corps, celui du héros de Videodrome (1992), devenu un
magnétoscope vivant, comme celui de M. Butterfly (1992), cet homme qui
fait l’amour avec un autre homme en croyant s’unir à une femme, et
s’accouple à une image. Cette avancée dans les fantasmagories de la
représentation va de pair avec une recherche visuelle de plus en plus
sophistiquée, jusqu’aux effets spéciaux invisibles de Faux-semblants (Dead
Ringers, 1988), où deux gynécologues jumeaux se partagent une femme à
l’utérus trifide, expérimentant sur elle des instruments pour opérer les
mutantes. Le Festin nu (The Naked Lunch, 1991) marque l’aboutissement de
cette démarche : film résolument d’avant-garde où Cronenberg entreprend de
faire corps avec le roman de William Burroughs, de croiser deux processus
de création (l’écriture et la mise en images) pour élaborer un univers où
toute ligne de partage entre extérieur et intérieur, visible et invisible,
pensée et présence physique, monde et corps, a disparu.

Le corps devient une machine infernale, mais c’est moins l’hypothèse
traditionnelle de sa robotisation qui retient Cronenberg, que le mélange
de la chair vivante et de la matière inerte, dont le final de La Mouche
(The Fly, 1988) montre la fusion. Ce coït monstrueux débouchera sur le
mouvement plus hypnotique qui berce les personnages de Crash (1996), aux
corps meurtris par des prothèses et des cicatrices, s’accouplant dans les
voitures dont la tôle, en pénétrant leur chair, a créé des zones de
plaisir d’un genre nouveau. Avec cette adaptation du roman de J. G.
Ballard, Cronenberg livre son évocation la plus épurée, la plus sourdement
violente, des pouvoirs de l’image mentale. Le cinéma est devenu pour lui
un art des idées, sans cesser d’être un geste d’incarnation suprême, et
une mise à l’épreuve du spectateur, une salutaire provocation du
regard.

Au fil des ans, Cronenberg crée un univers cinématographique original
qui s’inspire des conventions du film d’horreur et du film fantastique
pour mettre en scène, souvent avec une maestria visuelle remarquable, ses
obsessions : au premier rang desquelles il faut compter la mutation
génétique du corps, la toute-puissance de la pensée ou bien la
manipulation politique à travers les nouvelles technologies. Parmi ses
films les plus importants, Rage (1975) et Chromosome 3 (The Brood, 1979)
lui offrent un début de reconnaissance critique. En 1983, Dead zone
(1983), adapte avec sobriété un roman de Stephen King et offre un rôle
très convaincant de médium à Christopher Walken. La Mouche (The Fly, 1986)
est un remake brillant d’un film de Kurt Neuman (1958) qui transforme
l’histoire d’un savant en proie à une mutation génétique en une véritable
réflexion sur les limites de la nature humaine. Dans Faux-semblants (Dead
Ringers, 1988) se trame tout un climat d’horreur psychologique par le
truchement d’un Jeremy Irons dédoublé au moyen d’effets spéciaux en des
gynécologues jumeaux. En 1991, il réalise un projet longtemps ajourné :
l’adaptation cinématographique du Festin nu (Naked Lunch) de William
Burroughs. Entre un New York de cauchemar et un Tanger fantasmatique, la
caméra suit les vicissitudes d’un faux agent secret qui devient un
authentique écrivain. En 1996, il réalise Crash, inspiré d’un roman de
James G. Ballard

Cukor, George

George Cukor
(1899-1983)
Cinéaste
américain, réputé pour la qualité de sa direction d'acteurs, qui mit en
scène certains des plus célèbres mélodrames de l'histoire du
cinéma

Né à New York dans une famille aisée et
cultivée d'origine hongroise, Cukor fut un homme de théâtre avant de se
tourner vers le cinéma. À Hollywood, avec l'avènement du parlant, il se
fit rapidement remarquer pour ses films élégants et spirituels, souvent
adaptés de romans célèbres, de pièces de théâtre ou de succès de Broadway.
Parmi ses premiers films, réalisés durant les années 1930, figurent
notamment les Invités de 8 heures (Dinner at Eight, 1933) avec Jean Harlow
et Marie Dressler, les Quatre Filles du docteur March (Little Women, 1933)
avec Katharine Hepburn (qui tourna sous sa direction 11 films),
David Copperfield (1935) avec W.C. Fields dans le rôle de Micawber et
Roméo et Juliette (Romeo and Juliet, 1936) avec Leslie Howard et Norma
Shearer.

My Fair Lady

L'illustre professeur Higgins (Rex Harrison) parie qu'il peut
métamorphoser une simple vendeuse de fleurs à l'accent cockney en une dame
distinguée. Mais l'objet du pari, la jeune et belle Eliza (Audrey
Hepburn), montre du caractère et se révèle beaucoup moins malléable que
prévu. My Fair Lady conte l'histoire d'un Pygmalion et de sa créature,
thème cukorien par excellence, celui de l'image de la femme que l'on
façonne et que l'on manipule.

Cukor fut un impressionnant directeur d'actrices : outre Katharine
Hepburn, il dirigea, entre autres vedettes, Greta Garbo dans le Roman de
Marguerite Gautier (Camille, 1937, d'après la Dame aux camélias
d'Alexandre Dumas fils), Ingmar Bergman et Judy Holliday; ces deux dernières
remportèrent grâce à lui l'oscar de la meilleure actrice, la première pour
son rôle dans Hantise (Gaslight, 1944) et la seconde dans Comment l'esprit
vient aux femmes (Born Yesterday, 1950). Il sut également tirer le
meilleur parti des acteurs comme James Stewart dans Indiscrétions (The
Philadelphia Story, 1940), Ronald Colman dans Othello (A Double Life,
1947) et Rex Harrison dans My Fair Lady (1963).

Écarté de la réalisation d'Autant en emporte le vent (Gone with the
Wind, 1939), il signa néanmoins nombre de films à grand spectacle, dont le
plus fameux est sans doute la comédie musicale Une étoile est née (A Star
is Born, 1954).

Curtiz, Michael

Michael Curtiz
(de son vrai nom Mihály
Kertész)
(1888-1962)
Réalisateur américain d'origine hongroise
considéré comme le maître du cinéma d'aventures et du film noir, qui
réalisa notamment Casablanca en 1943, le film culte...

Michael Curtiz est né à Budapest dans un
milieu aisé. Il commença sa carrière comme acteur et producteur au théâtre
de Budapest avant de se lancer dans l'aventure cinématographique à partir
de 1912. Opérateur pendant la Première Guerre mondiale, il réalisa
plusieurs documentaires et tourna près de cinquante films, dont la Peau de
chagrin (A Szamárbör, 1917), avant de quitter la Hongrie en 1919. Installé
à Vienne, il tourna plusieurs films historiques (le Sixième commandement,
Sodom und Gomorrha, 1923) mais les offres répétées de la Warner Bros.
l'incitèrent à partir pour Hollywood en 1926.

Humphrey Bogart dans
Casablanca

Curtiz travailla pour ce studio jusqu'au milieu des années 1950,
tournant près de quatre-vingts films, parmi lesquels figurent un grand
nombre de classiques, notamment Capitaine Blood (Captain Blood, 1935), les
Aventures de Robin des Bois avec Errol Flynn (The Adventures of Robin
Hood, 1938), la Charge de la brigade légère (The Charge of the Light
Brigade, 1936), la Parade de la gloire (Yankee Doodle Dandy, avec James
Cagney, 1942), le Roman de Mildred Pierce ( Mildred Pierce, 1945, avec
Joan Crawford) et bien sûr Casablanca (1943) avec Humphrey Bogart et Ingmar Bergman.

Ses réalisations plus tardives, comme Noël blanc (White Christmas,
1954, avec Bing Crosby) ou Un scandale à la cour (A Breath of Scandal,
1960), n'atteignirent cependant pas la perfection des premiers films de sa
période américaine.

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