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Balasko, Josiane

Josiane Balasko
(1952- )
Actrice,
scénariste et réalisatrice française

Née à Paris, Josiane Balasko entre dans la
troupe du Splendid en 1975 et commence à jouer sur la scène des
cafés-théâtres, tout en participant à l’écriture de plusieurs pièces. Elle
signe par la suite des scénarios pour le cinéma, Retour en force (1980) de
Jean Marie Poiré, et l’Année prochaine si tout va bien (1981) de Jean Loup
Hubert.

À l’écran, elle apparaît chez Roman Polanski dans le Locataire
(1976), chez Claude Zidi dans l'Animal (1977)
et chez Claude Miller dans Dites-lui que
je l’aime (1977), avant de décrocher un rôle important dans les Bronzés
(1978) de Patrice Leconte. Partenaire de
Coluche dans le Maître d'école (1981) de Claude Berri et dans la Vengeance
du serpent à plumes (1984) de Gérard Oury, elle travaille aussi
avec André Téchiné pour Hôtel des
Amériques (1981) et avec Bernard Nauer pour Nuit d'ivresse (1986). Elle
tourne également dans plusieurs films à succès de Jean-Marie Poiré, Les
hommes préfèrent les grosses (1981) dont elle signe le scénario, Papy fait
de la résistance (1982) et le triomphal Le Père Noël est une ordure
(1982).

Elle joue encore avec talent un personnage dramatique dans Trop belle
pour toi (1989) de Bertrand Blier et donne une belle
interprétation de mère de famille engagée dans Tout le monde n'a pas eu la
chance d'avoir des parents communistes (1993) de Jean-Jacques
Zilbermann.

Josiane Balasko a aussi réalisé des films dans lesquels elle tient le
rôle principal, Sac de noeud (1985), les Keufs (1987), coécrit avec le
romancier Jean Bernard Pouy, Ma vie est un enfer (1991), Gazon maudit
(1994), césar du meilleur scénario et grand succès commercial où elle
interprète une homosexuelle venue semer la zizanie dans un couple, et Un
grand cri d'amour (1998).

Balazs, Béla

Béla Balazs
(1884-1949)
Cinéaste et
actrice hongroise

Herbert Bauer, qui sera plus tard Béla
Balázs, est né à Szeged, en Hongrie. Après des études universitaires, il
part avec le musicien Zoltán Kodály en voyage d’étude pour Berlin et
Paris. Balázs est parmi les premiers à découvrir le génie du plus grand
poète hongrois, Endre Ady. Il se lie avec Béla Bartók et György Lukács.
Cette dernière amitié durera toute leur vie. Lukács défend Balázs dès le
début de sa carrière littéraire marquée par une oeuvre théâtrale, Dr
Szélpál Margit (1909).

Le rôle de la conscience dans l’art est le sujet de l’essai intitulé
Halálesztétika (L’Esthétique de la mort, 1908). La création poétique
intéresse Balázs autant que sa théorie. En témoignent son premier recueil
de poèmes, A vándor énekel (Le vagabond chante, 1911), ainsi que les
livrets d’opéra A kékszakállú herceg vára (Le Château de Barbe-Bleue,
1911) et de pantomime A fából faragott királyfi (Le Prince en bois, 1916)
écrits à la demande de Bartók.

Pendant la république des Conseils de 1919, Balázs s’occupe des
théâtres en tant que membre du Directoire des écrivains. Après la défaite,
il doit émigrer à Vienne où la vie culturelle se réorganise autour des
différents pôles représentés par Lukács ou par Lajos Kassák, avec des
organes comme Bécsi Magyar Újság («Journal hongrois de Vienne»). Balázs y
collabore notamment avec un texte critique sur Robert Musil, jugé par ce
dernier d’une grande pertinence. La même année, il inaugure une nouvelle
rubrique dans le journal autrichien Der Tag : celle des critiques
cinématographiques. Il est le premier à proclamer la naissance du septième
art dans sa théorie du cinéma, Der sichtbare Mensch (L’Homme visible,
1924). Le succès de ce livre, dont l’originalité réside dans l’approche
poétique des images, surtout celles des «premiers plans», lui vaut une
invitation à Berlin où il vit de 1926 à 1931. Là, il participe, aux côtés
d’Erwin Piscator et de Max Reinhardt, au théâtre d’agit-prop, et écrit de
nombreux scénarios, pour Alexander Korda, G. W. Pabst (L’Opéra de
quat’sous), L. Riefenstahl (Lumière bleue), entre autres. En 1930 il
entreprend l’élaboration d’une esthétique du cinéma parlant; celle-ci
paraît sous le titre Der Geist des Films (L’Esprit du film, 1925).

L’Allemande Leni Riefenstahl joua Junta, le
fille de la montagne, dans son propre film «La Lumière bleu»
(1932)

Balázs continue d’écrire des poèmes, des romans et des contes dont
Thomas Mann remarque la beauté. En 1931 il entre au Parti communiste
allemand. Invité en Union soviétique, il y demeure jusqu’en 1945, d’abord
en enseignant l’art cinématographique à Moscou, puis en collaborant à la
création de films à Alma-Ata. En 1945, il rentre en Hongrie. C’est
l’époque d’une méfiance accrue envers les anciens communistes : on
l’empêche de faire un film sur la révolution de 1848. Il peut tout de même
participer au scénario de Valahol Európában (Quelque part en Europe) de
Géza Radványi. Il écrit une autobiographie sous le titre de Álmodó ifjúság
(Jeunesse rêveuse, 1946). En 1949 il est réhabilité et reçoit peu avant sa
mort le prix Kossuth.

Bardem, Juan Antonio

Juan Antonio Bardem
(1922- )
Cinéaste
espagnol

Un des rares cinéastes espagnols, avec Berlanga , qui ait pu édifier une
oeuvre sous la dictature franquiste malgré les actes de censure que n'a
pas manqué de provoquer son opposition au régime.

Son style s'est affirmé dans son cinquième film Mort d'un cycliste
(Muerte de un ciclista, 1955), un drame proche du néo-réalisme
italien.

La voiture d'un universitaire madrilène et de sa maîtresse, l'épouse
d'un riche industriel, renverse par accident un ouvrier sur son vélo. La
mort de la victime sépare les deux amants. Influencé par le néoréalisme
italien, le film de Bardem fut l'un des sommets du cinéma espagnol de
l'après-guerre.

Bardem, Mort d'un
cycliste
Lucia Bosè et Alberto Closas dans Mort d'un cycliste
(Muerte de un ciclista, 1955) de Juan Antonio Bardem.

Il approfondit son analyse d'une société figée et hypocrite dans Grand'
Rue (Calle mayor, 1956) et participa aux efforts de renouvellement de la
production espagnole : manifestes, recherche de nouveaux sujets et même
appel à Luis Buñuel en 1961. Après la
chute de Franco, il a réalisé principalement des films politiques. Sa
dernière oeuvre est une série télévisée sur le poète Federico Garciá Lorca
(1988).

Barma, Claude

Claude Barma
(1922-1992)
Réalisateur de
télévision

Claude Barma commence par tourner des
dramatiques, dont «Cendrillon» (1953). À partir de 1955, il s'inspire de
procès réels, auxquels il assiste au Palais de justice, pour produire En
votre âme et conscience, série filmée dans un décor de tribunal. Pionnier
de la télévision, il déclare que «la dimension première de la télévision,
c'est le feuilleton». Il en réalise plusieurs, dont les plus célèbres,
Belphégor, tourné avec Juliette Gréco, et le Chevalier de Maison Rouge,
furent rediffusés dans les années quatre-vingt. Mais surtout, à partir de
1967, il réalise une série de téléfilms d'après l'oeuvre de Simenon. Ce
sont les célèbres «Enquêtes du commissaire Maigret». Il en réalise les
premiers épisodes, avant de confier la mise en scène à d'autres
réalisateurs.

Belphégor
Masquée de cuir,
Juliette Gréco incarne le héros du célèbre feuilleton télévisé Belphégor,
diffusé pour la première fois le 11 mars 1965 sur la première chaîne. Le
réalisateur Claude Barma, un des pionniers du petit écran, réinvente avec
Belphégor un fantastique contemporain, proche de la littérature
mystérieuse.

Barnet, Boris

Boris Barnet
(1902-1965)
Cinéaste
soviétique

Né à Moscou, Boris Vasilievitch Barnet fait
des études de physique et pratique la boxe avant de devenir acteur et de
suivre des cours de cinéma sous la direction de Lev Koulechov. Il coréalise
d'abord Miss Mend (1926) avec Fedor Ozep, puis dirige seul la Jeune Fille
au carton à chapeau (Dievotchka s korobkoj, 1927). Dès ce premier film, il
trouve un ton personnel et révèle son goût pour la comédie poétique.

Contraint d'accepter un documentaire militant de commande, Moscou en
octobre (Moskva v Okjabre, 1927), il s'en acquitte consciencieusement,
puis retourne à son propre univers avec le très satirique la Maison de la
place Troubnaia (Dom na Trubnoj, 1928). Il réalise encore une oeuvre de
propagande, la Débâcle (Ledolom, 1931), avant de signer son premier film
parlant, l'admirable Okraina (1933).

Barnet tourne ensuite son chef-d'oeuvre, Au bord de la mer bleue (U
samogo sinego morja, 1936), dont l'humour et la poésie contrastent
singulièrement avec la production soviétique de l'époque. Peu après, il
réalise une biographie de Stakhanov, Une nuit en septembre (Noc' v
sentjabre, 1939), puis, pendant la Seconde Guerre mondiale, des films
militants.

Après la guerre, il a tourné des oeuvres diverses, dont les plus
intéressantes sont Un été prodigieux (Scedroe leto, 1951), le Lutteur et
le Clown (Boirec i Klown, 1958), cosigné avec Konstantin Youdine, et
Anouchka (1959).

Bava, Mario

Mario Bava
(1914-1980)
Cinéaste
italien

Opérateur de formation, Mario Bava devient
ensuite directeur de la photographie. Ses qualités techniques (c’est
notamment un habile créateur d’effets spéciaux) le font remarquer par de
nombreux réalisateurs avec lesquels il va collaborer. Après avoir
travaillé avec Jacques Tourneur pour son péplum
la Bataille de Marathon (la Battaglia di Maratona, 1959), il réalise le
Masque du démon (la Maschera del demonio, 1960). Librement inspiré d’une
nouvelle de Gogol, le film, par le raffinement de l’image, la virtuosité
des mouvements de caméra et la sensualité morbide de son atmosphère, est
une réussite qui contribue à donner ses lettres de noblesse au genre du
cinéma fantastique en Europe.

S’il maîtrise avec brio le film d’horreur, il reste tout autant
fidèle au fil de son oeuvre à ses thèmes de prédilection (la symbolique
psychanalytique, l’érotisme, tout en illustrant, souvent de façon
novatrice, de nombreux autres genres : le péplum mythologique avec Hercule
contre les vampires (Ercole al centro della terra, 1961); le fantastique
avec le Corps et le fouet (la Frusta e il corpo, 1963); le western avec la
Strada per Fort Alamo (1965, sous le pseudonyme de John M. Old); ou le
thriller-fantastique avec La fille qui en savait trop (La ragazza che
sapeva troppo, 1962) ou Six Femmes pour l’assassin (Sei donne per
l’assassino, 1964) - films qui auront une influence majeure sur Dario Argento.

Son fils, Lamberto Bava (né à Rome en 1944), commence par suivre son
père sur les lieux de tournage. Puis, il réalise, en collaboration avec
son père, la Venere d’Ille (1979), d’après la Vénus d’Ille de Prosper
Mérimée, un premier film destiné à la télévision. Après avoir travaillé
avec de nombreux metteurs en scène, dont Dario Argento, il signe seul, en
1980, un film intitulé Macabro. Délaissant progressivement la veine du
film d’horreur, il se consacre ensuite à des productions fantastiques pour
la télévision dans des séries comme Fantaghirò (1991), Desideria (1994) et
l’Anello del drago (1994).

Beatty, Warren

Warren Beatty
(1937- )
Acteur, producteur,
scénariste et cinéaste américain

Warren Beatty imposa, au travers de ses rôles
et de sa vie privée, une image de grand séducteur et fut reconnu en tant
que réalisateur, en 1981, grâce à Reds

Acteur révélé par la Fièvre dans le sang (E. Kazan, 1961), sacré vedette
avec Bonny and Clyde (A. Penn, 1967), séducteur impénitent, maintenant
marié avec l'actrice Annette Beaning (les Arnaqueurs, Stephen Frears, 1990), Warren
Beatty est notamment le réalisateur de Reds (1981), une biographie du
journaliste américain John Reed, de Dick Tracy (1990), adapté de la bande
dessinée éponyme, de Bugsy (1991) et de Bulworth (1998).

Frère cadet de Shirley MacLaine, Warren Beatty suivit des cours de
comédie auprès de Stella Adler. Après avoir travaillé à la télévision et
au théâtre, il fit ses débuts à l'écran dans le film la Fièvre dans le
sang (Splendor in the Grass, 1961), d'Elia Kazan. Au début de sa
carrière, ses rôles d'anti héros dans des films tels que l'Ange de la
violence (All Fall Down, 1962), de Frankenheimer ou Mickey One
(1965), d'Arthur Penn, contribuèrent à
faire reconnaître son talent. Cependant, il ne connut une réelle célébrité
qu'à partir de 1967 grâce à Bonnie and Clyde, qui lui valut l'oscar du
meilleur acteur pour son interprétation du rôle du gangster Clyde Barrow.
Beatty devint, dès lors, une figure importante d'Hollywood. Il s'illustra
par la suite dans John MacCabe (John MacCabe and Mrs Miller, 1971), de Robert Altman et À cause d'un
assassinat (The Parallax View, 1974), d'Alan J. Pakula. Pour le film
Shampoo, portrait à peine voilé de l'acteur, réalisé par Hal Ashby (1975),
il cumula les rôles de vedette, producteur et coscénariste. Il ajouta à
ces fonctions celle de coréalisateur, avec Buck Henry, pour Le ciel peut
attendre (Heaven Can Wait, 1978), comédie qui eut un large succès auprès
du public. Il remporta un immense succès avec le film Reds (1981),
biographie passionnée et brillamment détaillée du journaliste John Reed,
pour laquelle il reçut l'oscar du meilleur réalisateur. Il produisit,
réalisa et fut l'interprète principal de Dick Tracy (1990), adaptation à
gros budget de la bande dessinée du même nom. Suivit Bugsy (1991), de
Barry Levinson, où il avait pour partenaire Annette Bening, qu'il épousa
et avec laquelle il tourna par la suite dans Love Affair (1994).

Becker, Jacques

Jacques Becker
(1906-1960)
Réalisateur
français

Né à Paris, Jacques Becker appartient à une
riche famille bourgeoise et devient très tôt un des collaborateurs
réguliers de Jean Renoir. Il réalise même pour
lui plusieurs épisodes de la Vie est à nous (1936). Il cosigne également
avec Pierre Prévert le Commissaire est bon enfant (1934) et le Gendarme
est sans pitié (1934), d'après les pièces de Georges Courteline. Après un
long métrage terminé et signé par Jean Stelli, l'Or du Cristobal, 1939),
il devient metteur en scène à part entière avec un film policier dynamique
interprété par Raymond Rouleau, Dernier Atout (1942), mais s'impose
surtout avec son adaptation magistrale d'un roman de Pierre Véry, Goupi
Mains rouges (1943), puis avec un drame dans le milieu de la haute
couture, Falbalas (1945), toujours avec Raymond Rouleau.

Après la Seconde Guerre mondiale, il tourne plusieurs comédies -
Antoine et Antoinette (1947), Rendez-vous de juillet (1949), Edouard et
Caroline (1951) et Rue de l'estrapade (1953) - qui le distinguent comme le
cinéaste français par excellence. Son goût pour l'observation de la
société d'après la Libération, son regard sur ses personnages, son talent
dans la direction d'acteurs et l'équilibre parfait entre la justesse
psychologique des dialogues et la minutie de sa mise en scène
caractérisent cette série qui met en scène diverses classes sociales.

Avec Casque d'or (1951), où Simone Signoret incarne avec génie une
célèbre prostituée, il réalise une chronique rigoureuse et poétique des
bas-fonds parisiens en 1900. Il signe ensuite le prototype du film noir
français, Touchez pas au grisbi (1954), d'après le roman d’Albert Simonin,
film qui relance la carrière de Jean Gabin. Après Ali Baba et les quarante
voleurs (1954), une farce tournée pour Fernandel, et une adaptation de
Maurice Leblanc, les Aventures d'Arsène Lupin (1957), avec Robert
Lamoureux dans le rôle du gentleman cambrioleur, il réussit avec
Montparnasse 19 (1958), un mélodrame magnifique où Gérard Philipe incarne
de façon pathétique le peintre Modigliani; il meurt juste après avoir
achevé le Trou (1960), dont la rigueur et la sobriété se rapprochent du
style épuré de Robert Bresson.

Simone Signoret dans Casque d'or de
Becker
Grâce au film de Jacques Becker, la prostituée Marie,
surnommée «casque d'or» (t, ci-contre) et l'ex-truand, devenu charpentier,
Manda (Serge Reggiani) forment l'un des couples mémorables du cinéma
français. À l'instar d'autres classiques du cinéma français (la Règle du
jeu de Jean Renoir ou le Plaisir de Max Ophuls pour ne citer qu'eux),
Casque d'or (1951) fut un échec commercial sans appel lors de sa sortie.
Loin de céder à un pittoresque populaire qui aurait pu facilement
rencontrer les faveurs du public, Jacques Becker choisit de mettre en
scène, avec sa minutie coutumière, un huis clos tragique et des
personnages piégés par leur condition sociale.

Becker : principaux films

1934

Le commissaire
est bon enfant, moyen métrage
Le gendarme est sans
pitié, moyen métrage

1939

L’Or du
Cristobal, film achevé par Jean Stelli

1942

Dernier
Atout

1943

Goupi Mains
rouges

1945

Falbalas

1947

Antoine et
Antoinette

1949

Rendez-vous de
juillet

1951

Édouard et
Caroline
Casque d’or

1953

Rue de
l’Estrapade

1954

Touchez pas au
grisbi
Ali Baba et les quarante voleurs

1957

Les Aventures
d’Arsène Lupin

1958

Montparnasse
19

1960

Le
Trou

Beineix, Jean-Jacques

Jean-Jacques Beineix
(1946- )
Cinéaste
français dont l’originalité, soulignée autant que décriée, repose sur une
approche baroque de l’image

Né à Paris, Jean-Jacques Beineix s’orienta
très jeune vers le cinéma, assistant notamment Claude Zidi sur certaines de ses
productions. Son premier film, Diva (avec Richard Bohringer, 1980),
variation sur un argument policier, se caractérisait par un effort de
stylisation qu’on ne rencontrait en France ni dans le film d’auteur ni
dans la production commerciale. Ce fut aussi le cas de la Lune dans le
caniveau (avec Gérard Depardieu et Nastassja Kinski, 1983), adaptation
ambitieuse d’un roman de David Goodis, qui ne rencontra pas le succès
escompté. Avec 37° 2 le matin (1986), réalisé d’après un livre de Philippe
Djian, il sut séduire un très large public en mêlant sensualité et
tragédie, et permit à Béatrice Dalle de faire ses premiers pas
d’actrice.

Ses ambitions s’expriment sous des formes volontiers métaphoriques,
voire symboliques : Roselyne et les Lions (1989), suivi d’I P 5 (avec Yves
Montand, dont ce fut le dernier rôle, 1992), dont le titre signifie «l’île
aux pachydermes» - cinquième film de l’auteur. Parfois critiqué pour son
esthétique «publicitaire», Jean-Jacques Beineix fit l’unanimité avec
Assigné à résidence, un reportage sur l’écrivain Jean-Dominique Bauby qui,
souffrant d’une paralysie totale consécutive à un syndrome neurologique,
dicta son livre le Scaphandre et le Papillon (1997) par des battements de
paupière.

Bellocchio, Marco

Marco Bellocchio
(1939- )
Cinéaste
italien

Il a fait irruption dans la mise en scène
avec un film retentissant, les Poings dans les poches (I Pugni in tasca,
1966), une vigoureuse attaque contre la famille. D'autres satires
mordantes, violentes, tragiques ont pris pour cible l'Église Au nom du
père (Nel nome del padre, 1971) ou l'armée Marche triomphale (Marcia
triomfale, 1976). Il a travaillé plusieurs années sur le monde
psychiatrique et a participé à plusieurs films collectifs orientés à
gauche. Le Diable au corps (il Diavolo in corpo, 1986), qui lui a permis
d'obtenir un large succès à cause de certaines audaces érotiques, fut
suivi de quelques films qui ont déçu le public et la critique.

Bellocchio (Marco), les Poings dans
les poches
Paola Pitagora et Lou Castel dans les Poings dans les
poches (1965), vraisemblablement le chef-d'oeuvre de Marco Bellocchio.
L'approche désacralisante et visionnaire des thèmes les plus critiques et
complexes de la société bourgeoise italienne - en particulier
l'institution de la famille - se retrouve dans toute la production du
réalisateur, mais le radicalisme et la rage exprimés dans cette première
oeuvre n'ont jamais été surpassés.

Benbarka (Souheil)

Souheil Benbarka
(1942- )
Cinéaste
marocain

Souheil Benbarka est né le 25 Décembre 1942 à
Tombouctou (Ancienne AOF, aujourd'hui Mali), d'une famille originaire de
Goulimine, dans le Marocv du Sud. Etudes secondaires au Maroc, puis études
supérieures en Italie. Licencié en sociologie. Admis premier au concours
du Centro Sperimentale (Rome), dont il sortira major de sa promotion, qui
est celle de Bertolucci et Sampieri. Premier
assistant de Valentino Orsini pour "Les damnés de la terre" (I dannati
della terra, 1968/1969), il va travailler en Italie pendant cinq ans, avec
Pasolini, notamment sur "Il
Vangelo secondo Mateo" (1965), "Edipo Re" (1967). Il tourne quelques
courts métrages dont trois seront couronnés par la RAI : "l'eau", "Ceux de
la mousson", et "Malika". Son premier long métrage a reçu trois
distinctions successives.

Dès "Mille et une mains", Souheil Benbarka; se veut réaliste et se
déclare préoccupé par l'injustice sociale, l'exploitation et l'oppression
dans le Monde. Il s'affirmait comme cinéaste profondément marocain,
imprégné d'une culture originelle vivante, irréductible à des schémas
extérieurs.

Filmographie

1972 : Les Mille et une Mains, long
métrage;

1975 : La guerre du pétrole n'aura pas
lieu, long métrage;

1977 : Noces de sang, long métrage;

1982 : Amok;

1989 : Les feux du tambour

Bennani (Hamid)

Hamid Bennani
(1940- )
Cinéaste
marocain

Réalisateur, Né le 5 Novembre 1940 à Meknès.
Licence de philosophie. Formation technique de 1965 à 1967 à l'IDHEC
(Paris). Il a collaboré à l'éphémère revue "Cinéma 3". Il réalise quelques
courts métrages pour la télévision marocaine de 1968 à 1969 et depuis, des
courts métrages de commande et des spots publicitaires. Le succès de "Wechma" a été tel qu'il a été
impossible à son auteur d'en produire d'autres au même niveau, avec la
même originalité.

Filmographie

1969 : Coeur à coeur (court métrage);

1970 : Tatouage (Wechma)

Bergman, Ingmar

Ingmar Bergman
(1918- )
Réalisateur
suédois, metteur en scène et scénariste, chef de file du cinéma scandinave
contemporain

Fils d’un pasteur luthérien, il fut
élevé dans une stricte religiosité appelant une vie de refoulements et de
sacrifices. Le théâtre de marionnettes allait être le premier échappatoire
d’une enfance qui marqua toute son oeuvre. Bergman étudia la littérature
et l’histoire de l’art à l’université de Stockholm, avant de travailler
comme assistant metteur en scène au Royal Opera. L’une de ses premières
pièces, la Mort de Punch (1942), attira l’attention de la société de
production Svensk Filmindustri (SF), qui lui proposa un emploi de
scénariste en 1943. L’année suivante, le premier scénario de Bergman,
Tourments, fut tourné par Alf Sjöberg. Il y met en scène un psychopathe
dans une Suède neutre face au conflit mondialogue Tourments et désespoirs
de toute une nation par le prisme d’un personnage particulier : l’essence
de la technique bergmanienne était en germe.

Élevé dans un milieu familial austère, entre la sévérité d'un père
pasteur luthérien et la froideur d'une mère détachée, le jeune Ingmar
Bergman découvre la « lanterne magique» du cinéma au sein du foyer de sa
grand-mère. Metteur en scène de théâtre (qu'il découvre à l'université)
très vite applaudi, scénariste pour la Svensk Filmindustri, il fait ses
premiers pas de cinéaste avec Crise (1945) et Il pleut sur notre
amour(1946) mais n'affirme pleinement son talent et sa maîtrise du langage
cinématographique qu'avec la Prison (1948) et la Soif (1949). Avec Jeux
d'été (1951), Monika (1952) et Sourires d'une nuit d'été (1955), son génie
cinématographie éclate de film en film et accède à la reconnaissance
internationale. Silence de Dieu, enfer de la vie conjuguale, peinture de
la décadence bourgeoise, hantise du mal et absence du bien, amour de la
musique et de la lumière d'été, l'oeuvre de Bergman, en grande partie
autobiographique et profondément ancrée dans les traumatismes de
l'enfance, n'a cessé d'entrelacer ou d'alterner ses inspirations avec une
richesse stylistique inépuisable.

De 1944 à 1952, Bergman fut directeur artistique du théâtre de
Hälsingborg. Il y monta de nombreuses pièces (Ibsen, Strindberg, Molière,
etc.) sous l’approbation de la critique internationale. Durant cette
période, il réalisa également Crise (Kris, 1946), pour la société de
production SF, dont le protagoniste est le portrait d’un Bergman anxieux,
aux prises avec l’autorité tutélaire. La Prison (Fängelse, 1949), fut le
premier film écrit et réalisé par Bergman. Empreint de préoccupations
existentielles, il y affirma ce goût de la narration qui lui valut une
reconnaissance internationale. La fin de la décennie a amené le thème du
couple en rupture, dans la tradition de l’univers de Strindberg : la Soif
/ la Fontaine d’Aréthuse (Törst) et Vers la joie (Till glädje, 1950). Les
films suivants allaient être la synthèse thématique de cet univers, en un
traitement toujours satirique : une réflexion sur la toute-puissance d’un
Dieu vengeur face à des couples qui se débattent pour donner un sens à
leur vie. La Nuit des forains (Gycklarnas afton, 1953) fut mal accueilli
dans son pays natal tant la critique sociale fut cinglante. En revanche,
le Septième Sceau (Det sjunde inseglet, 1956), immense allégorie sur la
vie et la mort, Dieu face à l’holocauste, connut un succès international.
Il réalisa à la suite quatre films importants : les Fraises sauvages
(Smultronstället, 1957), Au seuil de la vie (Nära livet, 1958), le Visage
(Ansiktet, 1958) et la Source (Jungfrukällan, 1960). Le film Persona
(1966), avec son prologue incohérent, ses symétries construites, ses
prises de vues rapprochées et la quasi-inexistence du son et de la
musique, résume l’inspiration austère et psychanalytique des années
1960.

Dans les années 1970, le cinéma de Bergman acquit une dimension
internationale, avec des films tels que : Cris et Chuchotements
(Viskningar och rop, 1973) ; la Flûte enchantée (Trollfljöten, 1975) ;
Sonate d’automne (The Autumn Sonata, 1978) ; Scènes de la vie conjugale
(Scener ur ett äktenskap, 1973) ; Face-à-Face (Ansikte mot ansikte, 1976)
; mais aussi ses mises en scène pour le théâtre : le Canard sauvage (1972)
ou le Misanthrope (1973). Bergman travailla également pour la télévision
en adaptant par exemple les Scènes de la vie conjugale. Au cours des
années 1980, Bergman réalisa plusieurs films et continua également à faire
de la mise en scène pour le théâtre suédois. Fanny et Alexandre (Fanny or
Alexander, 1982) propose, au travers des yeux d’un enfant, l’itinéraire
biographique et artistique du cinéaste.

Plus récemment, Bergman publia des récits autobiographiques : Lanterna
magica, en 1987 et Images, en 1990, ainsi que deux scénarios dont les
Meilleures Intentions (réalisé par Bille August), en 1993.

Les Fraises sauvages
Ici
l'acteur et réalisateur suédois Victor Sjöström

Ingmar Bergman reçut également plusieurs récompenses dont l’Ours d’or
au festival de Berlin, en 1958 ; la Plaque d’or de la Swedish Academy, en
1958 ; l’oscar du meilleur film étranger, en 1961 et en 1962 ; prix
Erasmus, aux Pays-Bas, en 1965. Il fut également nommé Docteur honoris
causa en philosophie à l’université de Stockholm, en 1975.

Berkeley, Busby

Busby Berkeley
(1895-1976)
Cinéaste et
chorégraphe américain

Né à
Los Angeles dans une famille de professionnels du spectacle, William
Berkeley Enos, dit Busby Berkeley, intègre à douze ans l'Académie
militaire de Mohegan lake, d’où il sort diplômé en 1914. Après la Première
Guerre mondiale, il commence une carrière de comédien, puis s'oriente vers
la mise en scène de spectacles musicaux à Broadway, où il se taille en une
vingtaine de spectacles une excellente réputation de chorégraphe.

Berkeley arrive à Hollywood en 1929, et dirige les ballets de Whoopee
(1930), réalisé par Thorton Freeland avec le chanteur fantaisiste Eddie
Cantor en vedette. Il chorégraphie ensuite d’autres films avec Cantor,
tels Palmy Days (1931) d’Edward Sutherland, le Kid d'Espagne (Kid from
Spain, 1932) de Leo McCarey, et Roman Scandals
(1933) de Frank Tuttle. Il collabore également à la série des Gold Diggers
(les Chercheuses d'or), assurant même la réalisation de Gold Diggers of
1935. Il signe aussi les chorégraphies de l'Oiseau de paradis (Bird of
Paradise, 1932) de King Vidor, de 42e Rue (42nd
Street, 1933), Prologues (Footlight Parade, 1933), Wonder Bar (1934), À
Caliente (In Caliente, 1935), Call me Mister (1951) tous réalisés par
Lloyd Bacon, de Dames (1934) et The Singing Marine (1937) tournés par Ray
Enright, ainsi que de la Première Sirène (Million Dollar Mermaid, 1952) -
avec la nageuse Esther Williams - et de Rose Marie (1954), réalisés par
Mervyn LeRoy.

Busby Berkeley écrivit des comédies
musicales pour Hollywood

Il a essentiellement travaillé pour deux firmes, la Warner Bros et, à
partir de 1939, la Metro-Goldwyn-Mayer où il est resté jusqu’en 1954.

Le style «géométrique» de Berkeley, grand créateur de formes et maître
incontesté de la comédie musicale, est remarquable pour son utilisation
des «girls» comme éléments d’une architecture vivante dont les figures se
forment et se déforment au fil de stupéfiants mouvements de caméra. Ce
style n’a d’ailleurs jamais changé; Berkeley se contentant de mettre au
point des effets toujours plus époustouflants. Ses préparations
soigneusement détaillées lui ont permis de tourner des plans-séquences
particulièrement longs, spectaculaires et élaborés.

Berlanga, Luis García

Luis García Berlanga
(1921- )
Cinéaste
espagnol de l'après-guerre qui sut imposer son style sous la dictature
franquiste

Berlanga est né à
Valence dans une famille appartenant à la classe moyenne; son père, homme
politique républicain, devint l'adversaire de Franco.

Après avoir passé quelque temps dans l'armée, Berlanga retourna en
Espagne et suivit des études de cinéma à Madrid. Comédie à succès, son
deuxième film, Bienvenue, Mr Marshall (Bienvenido Mr Marshall, 1952),
dépeint un village pauvre espagnol se transformant en une caricature de
l'Espagne, avec force joueurs de guitare, danseurs de flamenco et combats
de taureaux, dans le dessein d'attirer les capitaux du plan Marshall. À la
fois tendre et caustique, cette réalisation présente une structure
caractéristique de l'oeuvre de Berlanga : calme au début, le film prend
une tournure effrénée par la suite pour s'achever dans une quiétude toute
relative. Placido (1961) est une satire mordante sur l'hypocrisie sociale;
le Bourreau (el Verdugo, 1963), histoire d'un bourreau terrifié par la
violence, porte un regard ironique sur la condition humaine. Ce film
remporta le prix de la critique au Festival de Venise et fut désigné en
1976 meilleur film espagnol de tous les temps.

Le plus gros succès de Berlanga fut La Carabine nationale (La Escopeta
nacional, 1977), film se déroulant en 1962 et dans lequel une partie de
chasse organisée par un homme d'affaires ambitieux tourne mal. Le film fut
suivi de deux autres épisodes qui eurent également du succès : Patrimoine
national (Patrimonio nacional, 1980) et Nacional III (1982). L'année 1984
vit la sortie en salle de La Vaquilla : réalisée en 1960, Franco avait
interdit cette fable sur la guerre civile relatant les aventures de cinq
soldats républicains essayant de voler une vache. Depuis 1975, Berlanga
dirige la Filmoteca nacional.

Berri, Claude

Claude Berri
(1934- )
Cinéaste et
producteur français passé de la chronique intimiste, en grande partie
autobiographique, à la comédie de moeurs, puis à la production de films de
prestige adaptés d’oeuvres littéraires

De son vrai nom Claude Langman, Claude Berri
est né à Paris. Il débuta comme acteur, mais c’est la mise en scène
cinématographique qui lui apporta la consécration. Après le Poulet (1963),
un court-métrage distingué à Venise et récompensé par un oscar à
Hollywood, il signa avec le Vieil Homme et l’Enfant (1967) son premier
long-métrage, offrant à Michel Simon l’un de ses meilleurs rôles. Le film
fut un double succès, commercial et critique. Dans cette même ligne,
partiellement autobiographique, il tourna ensuite Mazel Tov ou le Mariage
(1968) et le Pistonné (1970). Quelques comédies de moeurs de qualité plus
discutable suivirent alors (le Mâle du siècle, 1975; Un moment
d’égarement, 1977; Je vous aime, 1980), puis un film d’ambiance à thème
policier, Tchao Pantin (1983), avec Coluche dans un rôle dramatique
nouveau pour lui.

Berri (Claude),
Germinal
Germinal (1993) de Claude Berri.

Ouvrier socialiste, Étienne Lantier découvre dans le Nord la misère des
mineurs exploités. Il organise une grève générale, qui dégénère et
s'achève dans la violence. Troisième adaptation (après celles d'Albert
Capellani en 1913 et d'Yves Allégret en 1962) du roman d'Émile Zola paru
en 1885, le film de Claude Berri permit au chanteur Renaud de faire ses
premiers pas de comédien, entouré d'acteurs confirmés comme Gérard
Depardieu, Miou-Miou et Jean Carmet.

Claude Berri se lança au milieu des années 1980 dans une série de films
adaptés d’oeuvres littéraires célèbres, telles Jean de Florette et Manon
des sources (avec Gérard Depardieu et Yves Montand, 1986), d’après ,
Uranus (avec Philippe Noiret, 1991), d’après Marcel Aymé et Germinal (avec le
chanteur Renaud, 1993), d’après Émile Zola. En 1996, il signa Lucie
Aubrac, fresque ambitieuse, inspirée de la vie de deux héros de la
Résistance, qui ne rencontra pas le succès escompté.

Rarement disponible comme acteur, il fut néanmoins Stan the Flasher
sous la direction de Serge Gainsbourg en 1990. Sa société, Renn
Production, a produit des comédies et quelques films à la fois prestigieux
et commerciaux comme l’Ours (1988) et l’Amant (1992), de Jean-Jacques Annaud et la Reine
Margot (1994), de Patrice Chéreau, avant d’être
reprise par le groupe Pathé/Chargeurs Réunis. Son fils, Thomas Langman,
est également acteur.

Berry, John

John Berry
(De son vrai nom Jack
Szold)
(1917-1999)
Cinéaste et acteur américain

Né dans le Bronx (New York), John Berry
connaît une enfance défavorisée. Très jeune, il devient comédien et fait
du music-hall, puis entre dans la troupe du Shakespeare Fellowship. Il
travaille ensuite avec Orson Welles comme acteur et
assistant au Mercury Theater, puis s'oriente vers la mise en scène de
théâtre. Il réalise parallèlement un documentaire sur les élections
présidentielles, Tuesday in November (1942).

Il se fixe ensuite à Hollywood, où John Houseman lui permet de faire
ses premiers films, Miss Susie Slagle’s (1946) avec Veronika Lake et Cross
my Heart (1946) avec Betty Hutton. Dans From This Day Forward (1946), il
commence à mettre au jour ses préoccupations sociales et ses affinités
esthétiques avec le courant néoréaliste. Il tourne ensuite une version
musicale de Pépé le Moko, Casbah (1948), puis signe deux films noirs,
Tension (1949) et Menaces dans la nuit (He Ran All The Way, 1951), dans
lequel John Garfield apparaît pour la dernière fois à l’écran.

Politiquement très engagé, il réalise - à la demande de son ami Edward Dmytryk - The Hollywood
Ten (1950), un documentaire en faveur des victimes de la Commission des
activités anti-américaines menée par le sénateur McCarthy et l'avocat
Richard Nixon, avant d’être dénoncé comme communiste par le même Dmytryk.

Inscrit sur la liste noire d’Hollywood et contraint à l'exil, il vit
d'expédients en Angleterre, puis en France, avant de diriger Eddie
Constantine dans Ça va barder (1955) et Je suis un sentimental (1955), qui
obtiennent un grand succès populaire.

Berry s’installe ensuite en France, et met en scène Fernandel dans Don
Juan (1956), Curd Jurgens et Jean Servais dans
Tamango (1958), puis Dario Moreno dans le délirant O Qué Mambo (1958).
Après avoir signé Maya (1966), il réalise une comédie burlesque intitulée
À tout casser (1969), avec Eddie Constantine et Johnny Hallyday; mais le
film ayant été entièrement remanié au montage par le producteur, Berry,
indigné, fait retirer son nom du générique.

Il vit pendant plusieurs années de ses cachets de comédien spécialisé
dans la post-synchronisation, puis rentre aux États-Unis pour tourner un
film entièrement interprété par des comédiens noirs, Claudine (1974), qui
témoigne de la persévérance de son engagement en faveur de la communauté
afro-américaine.

Berry réalise ensuite Thieves (1978) et The Bad New Bears Go To Japan
(1978), puis revient en France où il signe Voyage à Paimpol (1985),
interprété par Myriam Boyer et Michel Boujenah, avant de tourner un
nouveau film noir : Il y a maldonne (1988). Il repart ensuite à Hollywood
pour le tournage d’A Captive in the Land (1990) et fait, dès lors, de
fréquents allers et retours entre Paris et son pays d’origine.

Berry a également monté de nombreuses pièces de théâtre. Juste avant sa
mort, ce cinéaste atypique et passionné a réalisé un dernier film, Boesman
et Lena (1999).

Bertolucci,
Bernardo

Bernardo Bertolucci
(1941-
)
Scénariste et cinéaste italien

Né à Parme, fils du poète Attilio Bertolucci et
poète lui-même, Bernardo Bertolucci fait ses études à l'université de
Rome, puis devient l'assistant-réalisateur de Pier Paolo Pasolini, avec lequel
il écrit la Commare secca (1962), dont il assure la mise en scène. Il
tourne son deuxième film, Prima della rivoluzione (1964), inspiré de la
Chartreuse de Parme de Stendhal, et impose ainsi son goût pour
l'adaptation des classiques de la littérature. On y trouve déjà
l'évocation de l'ambivalence politique et de l'ambiguïté sexuelle, dans un
style de mise en scène caractérisé par un rythme proche de la
chorégraphie, servi par des mouvements de caméra sophistiqués et des
effets de montage qui feront de ses oeuvres à venir de véritables opéras
filmés.

Bertolucci, le Dernier
Empereur
Bernardo Bertolucci, le Dernier Empereur (The Last Emperor
/ L'Ultimo imperatore), 1987.

Retraçant la vie du dernier empereur de Chine, Pu Yi, le film de
Bertolucci, vaste fresque de près de trois heures, reçut un accueil
critique et populaire triomphal.

Après deux documentaires, la Via del petrolio (1966) et il Canale
(1966), il dirige Pierre Clémenti dans un film
d'avant-garde provocateur et surréaliste (Partner, 1968), travaille avec
Julian Beck et le Living Theatre pour Agonia, son sketch dans le film
collectif la Contestation (Amore e rabbia, 1969), et tourne pour la
télévision la Stratégie de l'araignée (la Strategia del ragno, 1970),
d'après Jorge Luis Borges. Il obtient son premier succès international
avec une adaptation du roman d'Alberto Moravia, le Conformiste (il
Conformista, 1971), qui raconte la trajectoire d'un homme tranquille qui
épouse les théories du fascisme et y trouve un exutoire à ses pulsions. Le
film est nominé pour les oscars dans la catégorie meilleur film étranger
et permet à Jean-Louis Trintignant de se distinguer dans une composition
impressionnante de vérité dramatique.

Après un bref retour au documentaire (la Salute è malata et I poveri
muoiono prima, 1971), il dirige Marlon Brando et Maria Schneider dans le
Dernier Tango à Paris (Ultimo Tango a Parigi, 1972), film d'amour fou et
de passion, aux lumières diffuses, qui vaut à Bertolucci des démêlés avec
la justice de son pays. Le succès de scandale du film contribue pour
beaucoup à la notoriété mondiale de son auteur et lui permet surtout de
réaliser 1900 (Novecento, 1976), une fresque à très gros budget sur la
montée du fascisme, avec une distribution éclatante (Robert De Niro,
Gérard Depardieu, Donald Sutherland, Burt Lancaster, Sterling Hayden,
Laura Betti, Dominique Sanda). Mais le film est un terrible échec
commercial.

Il revient à un cinéma plus intime avec la Luna (1979), renouant ainsi
avec le climat étrange, trouble, pathétique et poétique de ses premières
oeuvres, puis dirige Ugo Tognazzi dans une fable pessimiste et grave, la
Tragédie d'un homme ridicule (la Tragedia di un uomo ridicolo, 1981). Il
s’essaie à nouveau au film historique, avec le très ambitieux et
spectaculaire Dernier Empereur (The Last Emperor, l'Ultimo Imperatore,
1987), récompensé par neuf oscars à Hollywood, dont celui du meilleur
film, du meilleur réalisateur et du meilleur coscénariste. Après cette
superproduction, il reste à Hollywood et adapte le roman de Paul Bowles Un
thé au Sahara (The Sheltering Sky, 1990), puis tourne à nouveau une
fresque historique et philosophique avec Little Buddha (1993, filmé en
partie à Bhaktapur, au Népal), avant de rentrer en Italie afin de réaliser
Beauté volée (Stealing Beauty, 1996), puis le bouleversant Shanduraï
(1998).

Bertolucci a également été coscénariste d’Il était une fois dans
l'Ouest (C'era una volta il west, 1968) de Sergio Leone.

Besson, Luc

Luc Besson
(1959- )
Scénariste, producteur
et réalisateur, considéré comme le plus «hollywoodien» des cinéastes
français

Né à Paris, Luc Besson débute comme stagiaire
en France et à Hollywood, puis travaille comme assistant régisseur du
réalisateur français Claude Faraldo. Alors qu’il n’a que 24 ans, il
rencontre l'acteur Pierre Jolivet, avec qui il écrit, produit et réalise
son premier long métrage : le Dernier Combat (1983), un film de
science-fiction rigoureux et lyrique, tourné en CinémaScope et en noir et
blanc.

Deux hommes s'affrontent lors de championnats de plongée en apnée :
l'Italien Enzo Molinari, un colosse barbu et dominateur, et le Français
Jacques Mayol, un jeune homme rêveur et secret, qui ne vit que pour
l'amour de la mer et l'amitié des dauphins. La qualité de la photographie
et de la musique, et la poésie du scénario ont fait du troisième
long-métrage de Luc Besson, présenté au festival de Cannes en 1988, l'un
des plus grands succès du cinéma français de ces dix dernières années.
Malgré les réticences de la critique, le cinéaste sut séduire et fidéliser
une génération entière de spectateurs, comme en témoigne l'accueil
extraordinaire réservé au Cinquième Élément en 1997.

Dès son deuxième film, Subway (1985), la Gaumont lui attribue un budget
confortable, ce qui lui permet de réunir de grandes vedettes françaises,
notamment Isabelle Adjani, Christophe Lambert, Jean-Hugues Anglade,
Richard Bohringer et Michel Galabru. L’action du film se déroule dans le
métro parisien - qu’il décrit avec un onirisme savant -, dans des décors
conçus par Alexandre Trauner; un soin extrême est apporté à la mise en
scène et au «look» de ces personnages marginaux. Ce film, rythmé par une
musique - à l’image de son réalisateur -, séduit surtout un public jeune,
qui le sacralise trois années plus tard pour le Grand Bleu (1988), un film
sur la magie des profondeurs marines, construit sur la base d’un concours
de plongée en apnée entre deux amis d’enfance, avec en toile de fond une
histoire d’amour. Besson signe deux montages de durées différentes qui
remportent tous deux un succès immédiat. Le Grand Bleu révèle au public
Jean Reno, acteur français fétiche de Besson qui l’accompagne depuis le
Dernier Combat, et Jean-Marc Barr, dans un premier rôle. Le Grand Bleu,
dont la bande originale est signée, comme à l’accoutumée dans les films de
Besson, par Éric Serra, devient une oeuvre-culte pour toute une
génération, malgré les sévères critiques de la profession. Besson tente de
prolonger l'effet de mode du Grand Bleu en réalisant un documentaire
subaquatique et musical, Atlantis (1991), qui n’obtient pas le succès
escompté.

Mais, entre-temps, Besson, dont la principale qualité est de flairer
l’air du temps et de pressentir les modes, s'oriente vers un cinéma
policier d'une grande violence avec Nikita (1990), un film qui réunit Anne
Parillaud, Tcheky Karyo, Jean-Hugues Anglade et Jean Reno, autour d’un
scénario peu crédible mais bien ficelé : au cours du cambriolage d’une
pharmacie, une jeune fille droguée de 20 ans et ses amis se font
surprendre par la police; il s’ensuit une fusillade sanglante au cours de
laquelle la jeune fille abat un policier; condamnée à perpétuité, elle est
placée dans un département particulier du gouvernement où un marché lui
est proposé : la liberté, si elle accepte en contrepartie de devenir un
agent secret chargé d’éliminer certaines personnes gênantes pour le
gouvernement. À la suite du succès remporté par ce film, Besson signe un
deuxième film du même genre, Léon (1994). Cette oeuvre, tournée à New
York, oppose Jean Reno - dans le rôle d’un tueur à gages au coeur tendre,
pris soudainement d’un sentiment paternaliste à l’égard d’une fillette
(interprétée par Nathalie Portman) dont les parents ont été assassinés - à
la star hollywoodienne Gary Oldman, un flic «ripoux». Ce film, assez
violent, mais bien dans l’air du temps, l'impose comme un réalisateur de
première importance dans le monde entier.

Jean-Marc Barr et Jean Réno dans le
Grand Bleu (1988) de Luc Besson

Il filme ensuite une superproduction sur un sujet de science-fiction :
le Cinquième Élément (1997), avec Bruce Willis, Gary Oldman, Ian Holm et
Milla Jovovich (un mannequin très en vogue) en vedettes. La bande
originale est, comme à l’accoutumée, signée par Éric Serra, les décors
sont inspirés des bandes dessinées de Moebius, et les costumes portent la
griffe de Jean-Paul Gaultier. Sur la base d’un scénario très classique de
fin du monde, que le héros parviendra in extremis à éviter, le film,
truffé d’effets spéciaux, de romantisme et d’humour, exploite toutes les
ficelles d’un bon film du genre. C’est un parfait succès commercial et
international.

Puis vient son dernier film, sorti en 1999, d’un tout autre genre :
Jeanne d’Arc, avec l’ex-mannequin Milla Jovovich, John Malkovich et Faye
Dunaway dans les rôles principaux.

Besson a aussi été le producteur de Kamikaze (1986) de Didier Grousset,
et de Taxi (1998) de Gérard Pirès.

Bilal, Enki

Enki Bilal
(1951- )
Dessinateur et
scénariste de bandes dessinées français d’origine yougoslave

.Né à Belgrade, Bilal arrive très tôt en
France, où il devient rapidement célèbre. Entré à vingt ans au journal
Pilote, après des études de dessin, il rencontre, en 1975, le scénariste
Pierre Christin, avec qui il compose plusieurs albums, qui mêlent
fantastique et politique-fiction : la Croisière des oubliés (1975), le
Vaisseau de Pierre (1976), la Ville qui n’existait pas (1977), les
Phalanges de l’ordre noir (1979), Partie de chasse (1983). Reconnu comme
l’un des meilleurs dessinateurs réalistes contemporains, il collabore au
journal Métal hurlant, puis publie plusieurs albums qu’il écrit seul : la
Femme piège (1986), Froid Équateur (1992), le Sommeil du monstre (1998),
ou en collaboration : Un siècle d’amour (avec Dan Franck, 1999). Artiste
polyvalent, Bilal exerce son talent sur d’autres supports : le cinéma - il
participe, avec Alain Resnais, au film La vie est
un roman (1982) et réalise seul le long métrage Bunker Palace Hôtel (1989)
-, mais aussi la photo et l’illustration.

Pierre Christin et Enki Bilal, Partie
de chasse, 1983
De hauts dignitaires de l'ancienne Union soviétique
se retrouvent en Pologne pour une chasse en forêt qui se terminera de
façon dramatique. Le trait sombre et pesant de Bilal s'accorde
parfaitement à la violence psychologique du scénario de Christin..

Voir cinéma d'animation

Blain, Gérard

Gérard Blain
(1930- )
Acteur et
réalisateur français

Né à Paris, Gérard Blain obtient ses premiers
rôles au cinéma dans les Fruits sauvages (1953) de Hervé Bromberger, Avant
le déluge (1954) d’André Cayatte, Voici le temps des
assassins (1956) de Julien Duvivier, Crime et
Châtiment (1956) de Georges Lampin et les Jeunes Maris (Giovani Mariti,
1957) de Mauro Bolognini. François Truffaut le dirige
ensuite dans son premier film, les Mistons (1958), et Claude Chabrol en fait une
vedette, aux côtés de Jean-Claude Brialy, dans le Beau Serge (1958), film
phare de la Nouvelle Vague, et dans les Cousins (1958).

En Italie, Carlo Lizzani lui donne les premiers rôles dans le Bossu de
Rome (Il Gobbo, 1960) et de Traqués par la Gestapo (l’Oro di Roma, 1961).
Il joue également dans la Rue des amours faciles (Via Margutta, 1960) de
Mario Camerini, et dans les
Dauphins (i Delfini, 1960) de Francesco Maselli. Faisant un bref passage à
Hollywood, il apparaît également dans Hatari ! (1962) de Howard Hawks.

Il tourne encore dans Un homme de trop (1966) de Costa-Gavras, Joe Caligula (1967)
de José Bénazéraf, l’Ami américain (Der Amerikanische Freunde, 1976) de Wim Wenders, la Machine (1977) de
Paul Vecchiali et la Flambeuse
(1980) de Rachel Weinberg.

Parallèlement à sa carrière d’acteur, il passe à la réalisation avec
les Amis (1971) - léopard d’or au Festival de Locarno -, qui présente tous
les thèmes que son cinéma ne cessera d’aborder : l’enfance, la famille,
l’argent, l’arrivisme et la marginalité. Réalisés avec une grande économie
de moyens, ses films se détournent du spectacle ou de la psychologie pour
porter un regard plus direct sur le monde. Cette recherche intransigeante
anime le Pélican (1974), fable pessimiste sur l’amour d’un homme pour son
fils, et Un enfant dans la foule (1976), film en grande partie
autobiographique sur le trajet chaotique d’un enfant pendant
l’Occupation.

Après Un second souffle (1978) et le Rebelle (1980), Blain réalise un
portrait télévisé de Michel Tournier en 1983. Il travaille encore pour la
télévision en adaptant la Fortune de Gaspard (1992), d’après un récit de
la comtesse de Ségur.

Décrivant l’idylle dramatique d’un adolescent français et d’une
jeune Maghrébine, Gérard Blain s’attire avec Pierre et Djemila (1987)
les foudres de certains critiques, qui le taxent de racisme. Par la suite,
Jusqu’au bout de la nuit (1995), sur le thème de la vengeance, exalte la
marginalité et le refus du capitalisme. Comme le démontre la vive
polémique provoquée au festival de Locarno par son récent Ainsi soit-il
(1999), le temps ne semble pas avoir estompé les refus désespérés qui
animent l’oeuvre de Gérard Blain.

Blasetti, Alessandro

Alessandro Blasetti
(1900-1987)
Cinéaste
italien, l’un des réalisateurs les plus productifs des années trente et
quarante

Alessandro Blasetti est né à Rome. D’abord
critique, il passa à la réalisation en 1928 avec Sole, qui obtint un vrai
succès public et lui ouvrit les portes de la puissante société Cines. Sa
carrière se poursuivit sous le régime fasciste, dont il fut, avec Mario Camerini, le meilleur
cinéaste. À la différence du nazisme, le fascisme italien n’a pas tenté de
faire du cinéma de fiction un instrument de propagande, ce qui n’a pas
préservé Blasetti de faire avec Vecchia guardia (1935) l’un des rares
films consacrés à la prise de pouvoir par Mussolini. Après Sole, il
réalisa jusqu’en 1942 une dizaine de films, dont Terra madre (1930), 1860
(1933), qui relate l’épopée de Garibaldi en Sicile, Retroscena (1939) et
la Couronne de fer (la Corona di ferro, 1941).

Quatre pas dans les nuages (Quattro passi fra le nuvole, 1942) le fit
connaître à l’étranger et inaugura la deuxième partie de sa carrière, qui
le situe en mineur dans le courant néoréaliste naissant. Après Un jour
dans la vie (Un giorno nella vita, 1946), il tourna une série de films à
sketches à succès, notamment Heureuse époque (Altri tempi, 1952) et
Quelques pas dans la vie (Tempi nostri, 1954) et lança le couple Sophia
Loren-Marcello Mastroianni, appelé à devenir célèbre, avec Dommage que tu
sois une canaille (Peccato che sia una canaglia, 1955) et avec la Chance
d’être femme (la Fortuna di essere donna, 1955).

Il réalisa en 1966 un film autobiographique, Moi, moi, moi ... et les
autres (Io, io, io ... e gli altri), bilan distancié d’une carrière déjà
longue, et manière d’en apprécier l’unité. Durant ses dernières années, il
se consacra exclusivement à la télévision.

Blier, Bertrand

Bertrand Blier
(1939- )
Cinéaste et
écrivain français qui a débuté dans le documentaire avant de signer des
films poétiques et absurdes qui ont révélé Gérard Depardieu et Patrick
Dewaere

Né à Boulogne-Billancourt, fils du comédien
Bernard Blier, Bertrand Blier débute comme assistant-réalisateur de Christian-Jaque. Son premier long
métrage, Hitler, connais pas! (1962), film-enquête sur la jeunesse
française, à l’esprit délibérément provocateur, est suivi cinq ans plus
tard d’un échec dans le film de fiction : Si j’étais un espion (1967). Il
se consacre alors à l’écriture, ne revenant à la réalisation qu’en 1974,
avec les Valseuses, adapté de son propre roman paru deux ans plus tôt.
Joyeux, insolite et iconoclaste, le film marque un tournant dans la
production cinématographique française. Volontiers subversif, parfois
cynique - voire misogyne -, Bertrand Blier pratique également l’humour
noir avec talent (Buffet froid, 1979).

Blier, les Valseuses
Premier
film de Bertrand Blier, adapté de son roman éponyme et succès éditorial,
les Valseuses annonce le ton du cinéaste Blier, critique féroce d'une
société française conservatrice, et moraliste acide, auteur de dialogues
satiriques mémorables. Le film est porté tout entier par les personnalités
de Gérard Depardieu, Miou-Miou et Patrick Dewaere, tous venus du
café-théâtre.

Moraliste attaché à la fonction des dialogues et de l’interprétation,
mais peu soucieux de naturalisme, il abandonne peu à peu le ton de la
comédie qui caractérise ses premières réalisations (Préparez vos
mouchoirs, avec Carole Laure, 1978; la Femme de mon pote, avec Coluche,
1983) pour un ton plus grave (Beau-Père, 1981; Merci la vie, 1991; Un deux
trois soleil, 1993), souvent grinçant (Notre histoire, avec Alain Delon,
1984; Tenue de soirée, 1986; Trop belle pour toi, 1988) et de plus en plus
désabusé (Mon homme, 1996).

Bogdanovich, Peter

Peter Bogdanovich
(1939- )
Critique,
scénariste et metteur en scène américain

Né à Kingston (État de New York), il
suit des cours de théâtre, se fait reconnaître dans les milieux du théâtre
«off Broadway», avant de devenir critique cinématographique au magazine
Esquire. Ayant acquis un véritable savoir encyclopédique sur l’histoire du
cinéma, il consacre plusieurs monographies à des réalisateurs comme Howard Hawks, John Ford (il signera en 1971 un
documentaire intitulé Directed by John Ford) ou Fritz Lang.

Timothy Bottons et Cybill Shepherd
dans la Dernière Séance (The Last Picture Show, 1971) de Peter
Bogdanovich.
Adaptation du roman éponyme de Larry McMurtry, la
Dernière Séance de Peter Bogdanovich rend hommage à l'âge d'or du cinéma
hollywoodien et célèbre, sur un ton élégiaque, une culture et une société
sans télévision où les héros portaient les noms de Howard Hawks ou de John Ford. Mais le film est aussi
une peinture de la vie quotidienne des habitants d'une petite ville perdue
du Texas, au début des annnées cinquante. Timothy Bottons, Cybill Shepherd
(dans son premier rôle) et Jeff Bridges y interprètent des adolescents
dont les rapports amoureux sont souvent tissés de violence latente.

En 1966, Bogdanovich assistera anonymement (son nom n’apparaît pas au
générique) Roger Corman pour le film les
Anges sauvages (Wild Angels, 1966, avec Peter Fonda et Nancy Sinatra). Son
premier film, la Cible (Targets, 1968), est une analyse brillante du culte
américain de la violence, qui offre à un Boris Karloff vieillissant son
dernier grand rôle. Ces débuts prometteurs trouvent leur aboutissement
avec la Dernière Séance (The Last Picture Show, 1971, film récompensé par
deux oscars), célébration élégiaque d’une petite ville du Texas dans les
années cinquante.

On s’fait la valise, Docteur? (What’s Up Doc?, 1972) parodie les
conventions de la comédie loufoque des années trente, tandis que la Barbe
à papa (Paper Moon, 1973) est une comédie sentimentale sur fond de
récession économique. Daisy Miller, une adaptation de Henry James (1974),
et un pastiche de comédie musicale, Enfin l’amour (At Long Last Love,
1975) sont des échecs commerciaux qui entraveront durablement la carrière
du cinéaste. Celui-ci ne tournera plus qu’épisodiquement : Jack le
Magnifique (Saint Jack, 1979), Texasville (1990), suite décevante de la
Dernière Séance, ou encore Noises Off (1992).

Boisset, Yves

Yves Boisset
(1939- )
Cinéaste français
influencé par le cinéma américain, réalisateur de Dupont-Lajoie en
1975

Né à Paris, Yves Boisset est diplômé de
l’Idhec (actuelle Femis). Admirateur des films noirs hollywoodiens,
assistant de René Clément, de Robert Hossein,
d’Yves Ciampi et de Claude Sautet, il se signala dans
le paysage cinématographique français par une double filiation avouée; on
peut en effet dire de la quasi-totalité de ses films ce qu’il écrivait
lui-même à propos d’Un condé, qu’il tourna en 1970 : «Il s’agit d’un film
américain imbriqué dans la réalité française.» Son style nerveux et
efficace, qu’il doit en partie à la fréquentation assidue du cinéma
américain de grande tradition, convient bien à ses intrigues policières,
de même qu’à son approche quelque peu manichéenne du politique et du
social. Il fut cependant l’un des rares cinéastes français à avoir abordé
de front quelques événements de l’actualité française généralement
escamotés à l’écran : l’affaire Ben Barka (l’Attentat, avec Jean-Louis
Trintignant, 1972); la guerre d’Algérie (R.A.S., avec Jacques Spiesser,
1973); le racisme ordinaire (Dupont-Lajoie, avec Jean Carmet, 1975);
l’indépendance de la magistrature (le Juge Fayard, dit «le Shérif», avec
Patrick Dewaere, 1977); le monde enseignant (la Clé sur la porte, avec
Annie Girardot, 1978); la police (la Femme flic, avec Miou-Miou, 1980);
les écoles d’enfants de troupe (Allons z’enfants, avec Lucas Belvaux,
1981). Sans abandonner le terrain de l’actualité, il travaille
régulièrement pour la télévision (l’Affaire Dreyfus, 1995) et se consacre
depuis Folle à tuer (d’après le roman de Jean-Patrick Manchette, 1975) à
des intrigues bien ficelées, convenant à ses talents de conteur qui
privilégie le comportement sur l’analyse (Un taxi mauve, d’après Michel
Déon, 1977; Enquête réservée, 1995).

Bolognini, Mauro

Mauro Bolognini
(1922- )
Cinéaste italien
aux films classiques et élégants, réputé pour avoir adapté à l’écran des
textes d’écrivains aussi divers que Brancati, Moravia, Pasolini, Svevo ou encore
Théophile Gautier

Né à Pistoia, en Toscane, Mauro Bolognini
entreprit des études d’architecture avant de se diriger vers le cinéma.
Assistant de Luigio Zampa, puis de Jean Delannoy, il dirigea la
jeune Sophia Loren dans son premier rôle important, Ci troviamo in
galleria (1953), qui est aussi sa première réalisation.

Ses films les plus connus sont les Jeunes Maris (Giovani mariti, 1958),
les Garçons (la Notte brava, 1959), le Bel Antonio (il Bell’ Antonio, avec
Marcello Mastroianni et Claudia Cardinale, 1960), Mademoiselle de Maupin
(Madamigella di Maupin, 1966). Il participa à de nombreux films à
sketches, spécialité italienne des années 1960 (les Poupées / Le bambole,
1965 ; les Ogresses / Le fate, 1966 ; Capriccio all’italiana, 1968) et sut
s’attacher les services du grand directeur de la photographie Ennio
Guarnieri, notamment pour Arabella (1967), pour Metello (1970), pour
Vertiges (Per le antiche scale, 1975), pour l’Héritage (L’eredita
Ferramonti, avec Dominique Sanda et Anthony Quinn, 1976) ou pour la Dame
aux camélias (1980, tourné en France avec Isabelle Huppert et Gian-Maria
Volontè).

Bondartchouk, Sergueï
Fedorovitch

Serge Bondartchouk
(1920-1994)
Acteur puis
cinéaste soviétique

Né en Ukraine, spécialiste des
interprétations dramatiques et, en tant que réalisateur, de grandes
fresques historiques dont la plus importante est Guerre et paix (Vojna i
mir, en quatre épisodes, 1966-1967). C'est en incarnant des personnages
historiques et des rôles du répertoire qu'il s'est rendu célèbre : Tarass
Chevtchenko, de Savcenko (1951) ou Othello, de Youtkevitch (1956). Il
passa à la réalisation en 1959 en adaptant un roman de Cholokhov et devint
une sorte d'artiste officiel. Son classicisme parfois tempéré d'un certain
lyrisme plastique s'est illustré sur le tard dans Boris Godounov (1985).
Dans l'intervalle, il alterna la réalisation de films et l'interprétation
de nombreux rôles à l'écran, notamment dans Oncle Vania, de
Mikhalkov-Kontchalovski (Djadja Vanja, 1971), sans doute son
interprétation la plus nuancée.

Acteur et réalisateur soviétique, Serge Bondartchouk fut l’élève de
Maximov à l’école de théâtre de Rostov, où il fut initié au système de
Stanislavski; il poursuivit ses études à Moscou, où il fut l’élève de
Guerassimov. Il débute comme acteur dans le rôle de Valko de La Jeune
Garde (Molodaïa Gvardiïa, 1948, de S. Guerassimov), puis il joue dans Le
Chevalier à l’étoile d’or (Kavaler zolotoï zvezdï, 1951, de Y. Raizman),
mais c’est surtout le rôle titulaire de Tarass Chevtchenko (d’Igor
Savtchenko, 1951) qui le fera connaître dans son pays.

La direction de Savtchenko l’initie à la mise en scène. Mais l’Occident
commence à le connaître comme acteur, en 1956, dans Le Roman inachevé
(Neokontchennaïa povest, 1955, de F. Ermler), dans le rôle de Dymov de La
Cigale (Poprygounia, 1955, de Samsonov), d’après Tchekhov. Il est ensuite
l’excellent Othello (1956, de S. Youtkevitch), avec Irana Skobtseva, sa
future femme, en Desdémone.

En 1959, il passe de l’autre côté de la caméra tout en restant
interprète. C’est Le Destin d’un homme (Sudba Tcheloveka), d’après un
récit de Mikhaïl Cholokhov, bouleversant (peut-être trop), qui narre les
épreuves atroces d’un prisonnier soviétique de la dernière guerre et son
retour au pays où il ne trouve plus que ruines et vide. Il réapparaît
comme acteur dans le rôle du nouveau père de Serioja (de Daniela et I.
Talankine, 1960), et dans celui du prisonnier russe dans Les Évadés de la
nuit (Era notte a Roma, 1960, de Rossellini). Hanté par le thème
de l’homme et la guerre, et admirateur passionné de Tolstoï, il s’attache
maintenant à l’épopée napoléonienne : deux ans de préparation, quatre
années de tournage pour Guerre et Paix (Voïna i Mir) en deux longs
épisodes (1963 et 1967), où il joue lui-même le rôle de Pierre Bezoukhov.
Puis, séduit par l’idée de suivre jusqu’au bout le destin de Napoléon, il
réalise pour Dino De Laurentiis un monumental Waterloo (1970) avec Rod
Steiger en Napoléon (coproduction italo-soviétique avec apports américains
!). Il dirige, en 1975, Ils ont combattu pour la patrie, film assez
conformiste inspiré de Cholokhov, et, en 1982-1983, un diptyque : Les
Cloches rouges, d’après John Reed.

Il est entre temps revenu à l’interprétation, notamment dans Oncle
Vania (Diadia Vania, 1972, d’Andreï Mikhalkov-Kontchalovski). Jusqu’à ce
jour, Bondartchouk a surtout brillé comme comédien bien que ce soit son
oeuvre entière, et surtout le monumental Guerre et Paix, qui lui ait valu
d’être nommé chevalier de l’ordre des Arts et de la Littérature
d’U.R.S.S., Artiste du peuple, prix Lénine, etc. Il n’est donc pas
surprenant qu’il prenne comme point de départ de ses réalisations l’art du
comédien, à qui il incombe de créer un caractère humain. «La genèse du
personnage doit s’accomplir aussi naturellement que le développement de la
plante à partir de la graine».

Quant à son thème fondamental en tant qu’auteur, «l’ordre de relations
entre le destin de l’homme et celui du peuple, le comportement des
individus vu à travers le prisme d’immenses événements historiques», il
apparaît dans tous ses films, mais dans les grandes fresques
napoléoniennes, l’immensité des moyens, le raffinement de la mise en
scène, le classicisme du langage (son académisme peut-être) dissimulent un
peu l’inspiration généreuse.

Boorman, John

John Boorman
(1933- )
Réalisateur et
producteur de cinéma britannique, né à Shepperton, qui a essentiellement
travaillé aux États-Unis, en Amérique du Sud et en Irlande

Cas unique parmi les réalisateurs
britanniques, Boorman a été capable de passer sans difficulté de films
d'action construits avec précision comme le Point de non-retour (Point
Blank, 1967) et Délivrance (Deliverance, 1972) à des drames psychologiques
comme la Guerre à sept ans (Hope and Glory, 1987), reconstitution
romantique de son enfance durant la Seconde Guerre mondiale. Technicien de
talent, Boorman suggère, plutôt qu'il ne montre, que le passé avait des
qualités qu'il faudrait préserver, et que les êtres humains sont liés par
un ensemble de valeurs fondamentales qu'il est indispensable de
reconnaître. Son oeuvre, souvent allégorique, effleure les mondes magiques
du passé pleins de leçons pour le présent.

Les débuts de Boorman, notamment comme responsable de l'unité de cinéma
documentaire de la BBC à Bristol, lui apportèrent sa première opportunité
de long métrage, Sauve qui peut (Catch Us if you Can, 1965), qui mettait
en scène le Dave Clark Five, un groupe de musique pop. Comme dans beaucoup
de ses films, il montre qu'il est impossible d'éviter la commercialisation
des valeurs humaines; lorsque le héros et l'héroïne s'échappent vers une
île au large de la côte anglaise, ils s'aperçoivent qu'elle n'est isolée
de la terre ferme qu'à marée haute. Toutes les victoires humaines des
films de Boorman sont provisoires, et le système gagne inévitablement.

Duel dans le Pacifique (Hell in the Pacific, 1968), dans lequel un
pilote américain (Lee Marvin) et un officier de marine japonais (Mifune
Toshiro) se retrouvent seuls face à face sur une île du Pacifique durant
la Seconde Guerre mondiale, met en scène deux «ennemis» découvrant qu'ils
ont les mêmes valeurs humaines; Zardoz (1974) explore avec anxiété un
futur potentiel dans lequel les êtres humains ont perdu la faculté
d'orienter la technologie vers des fins humaines; Excalibur (1981), tourné
en Irlande, est une envoûtante adaptation de la légende du roi Arthur, qui
joue avec des mystères situés par-delà le langage et l'imagination; la
Forêt d'émeraude (The Emerald Forest, 1985), située autour du Xingu, au
Brésil, parmi le «peuple invisible», suggère que ses tribus indiennes font
preuve d'une maturité et d'une sensibilité spirituelles que la
civilisation capitaliste occidentale a abandonnées en faveur des fausses
idoles du «progrès».

Le livre de Boorman, Money Into Light : The Emerald Forest a Diary
(1985), constitue un témoignage révélateur de la façon dont il négocie la
route semée d'embûches d'un réalisateur engagé, dans une industrie aux
valeurs essentiellement commerciales. Ses cinq nominations aux oscars
(deux pour Deliverance et trois pour Hope and Glory), ainsi que les cinq
distinctions techniques qui ont récompensé ses films, montrent bien le
conflit entre argent et conscience, toujours un problème de fond pour
Hollywood. Tout pour réussir (Where the Heart Is, 1990), retour aux
préoccupations de Leo le dernier (Leo the Last, 1970), montre Boorman
toujours préoccupé de ses conceptions premières, mais plus irrésistible
encore par l'étendue de ses dons de narrateur.

Borowczyk, Walerian

Walerian Borowczyk
(1923- )
Cinéaste
polonais

Né à Kwilcz, Walerian Borowczyk fait ses
études à l'école des beaux-arts de Cracovie et se spécialise dans la
lithographie. Il reçoit à ce titre le prix national de Pologne en 1953. Il
crée ensuite des affiches pour le cinéma et réalise avec Jan Lenica des
films d'animation très originaux, Il était une fois (Byl sobie, 1957), les
Sentiments récompensés (Nagrodzone Uczucie, 1957) et Une maison (Dom,
1958).

Mais la carrière de Borowczyk se déroule désormais en Europe
occidentale. A Kwilcz, il étudie la peinture à l’Académie des beaux-arts
de Cracovie (1946-1951) et pratique quelque temps cet art dont il
reconnaît l’influence sur son activité ultérieure.

Après avoir réalisé l'École (Szkola, 1959), il s'installe en France
pour réaliser les Astronautes (1959), le Dernier Voyage de Gulliver
(1960), des films publicitaires et éducatifs, puis Renaissance (1964), le
Jeu des anges (1964) et le Théâtre de Monsieur et Madame Kabal (1967).

Quittant l'animation, il réalise alors Goto, l'île d'amour (1969), une
métaphore surréaliste influencée par Frank Kafka et Blanche (1972), puis
deux oeuvres où l'érotisme et l'insolite sont servis par une esthétique
très élaborée, les Contes immoraux (1974) et la Bête (1975).

Il revient brièvement en Pologne pour réaliser Histoire d'un péché
(Dzieje grzech, 1975), regagne la France où il signe la Marge (1976,
d’après André Pieyre de Mandiargues), avec Sylvia Krystel en vedette, part
tourner en Italie Intérieur d'un couvent (Interno di un convento, 1978) et
signe les Héroïnes du mal et le sketch l'Armoire (d'après Guy de
Maupassant) dans Collections privées (1979). Il adapte ensuite Franz
Wedekind avec Lulu (1980) et plonge enfin dans le fantastique avec le
Docteur Jekyll et les femmes (1981).

Il a également réalisé l'Art d'aimer (1983), Emmanuelle 5 (1986) et
Cérémonie d'amour (1988).

Dès 1947, Borowczyk réalise des dessins animés de très courte durée (de
quinze secondes à deux minutes), activité qu’il poursuivra jusque vers
1965. Il tourne aussi des courts métrages à personnages réels ainsi que
des dessins animés de longueur normale (de six à seize minutes) dont
beaucoup empruntent aux pratiques surréalisantes du collage, de
l’introduction de photographies dans le dessin ou du mouvement fragmenté
(Les Astronautes, 1959) : la collaboration à ces films de Jan Lenica pose
des problèmes d’attribution non résolus.

Après son installation en France, «Boro» (comme on l’appelle
familièrement) signe le meilleur peut-être de ses films, le plus
saisissant en tout cas : Les Jeux des anges (1964). Il réalise en outre
des films publicitaires où son goût de l’objet précisément situé et des
rapprochements incongrus trouve encore à s’exercer. Enfin, il crée les
silhouettes satiriques de M. Kabal et de sa redoutable épouse à tête de
vautour, images d’une humanité réduite à de grinçants réflexes. Il leur
consacrera un long métrage où l’écran, d’abord voué à la seule linéarité
du noir sur blanc, est peu à peu envahi par les divers procédés
d’assemblage et de métamorphose chers au cinéaste : Théâtre de M. et Mme
Kabal (1967).

Entre-temps, «Boro» dévoile ses capacités dramatiques dans une brève
adaptation de Guy de Maupassant, Rosalie (1966), où la minutie objective
et la rareté savante des mouvements d’appareil servent le talent de Ligia
Branice. L’attention quasi fétichiste que le cinéaste porte aux
ustensiles, machines et boîtes (dans un climat anachronique) se retrouve
dans Goto, l’île d’amour (1968), allégorie de l’amour fou dans un univers
concentrationnaire irréel (mais dont tous les détails sont d’origine
réaliste). Les aléas même de la réalisation ont offert au metteur en scène
l’occasion d’un travail rigoureux, qui met en valeur de brusques flambées
de lyrisme.

Les mêmes qualités se retrouvent dans Blanche (1973), fable médiévale,
mais l’ensemble est plus hésitant. La carrière de Borowczyk oblique alors
vers le cinéma érotique avec plusieurs adaptations, de Mandiargues
notamment, extrêmement soignées, mais quelque peu impersonnelles (Contes
immoraux, 1974; La Bête, 1975; La Marge, 1977). Il y a plus de verdeur et
un certain retour à la description «matérialiste», quasi obsessionnelle,
du cadre de vie, dans Intérieur d’un couvent (1978), qui doit peu à son
prétexte littéraire (Stendhal) et beaucoup à son tournage en Italie. Mais
le choix exclusif du registre érotico-esthétique fait bientôt sombrer
«Boro» dans la plus consternante facilité (Lulu, 1980; Cérémonie d’amour,
1988).

Borzage, Frank

Frank Borzage
(1893-1962)
Cinéaste
américain dont l'oeuvre abondante, étendue de 1916 à 1959, est marquée par
un profond romantisme cohabitant avec des références d'un grand
réalisme

Né à Salt Lake City, dans l'Utah, Frank
Borzage se tourna vers le théâtre avant d'aborder la réalisation
cinématographique. Il débuta comme acteur en Californie dès 1912 et
réalisa ses premiers westerns à partir de 1916 (The Code of Honor, 1916).
Son premier film important, Humoresque (1920), fut remarqué par la finesse
de son analyse psychologique. Bien que tenté par le mélodrame, il
manifesta un grand souci des références sociales, ses intrigues se
déroulant généralement dans les milieux marginaux et déshérités : l'Heure
suprême (Seventh Heaven, 1927), l'Ange de la rue (Street Angel, 1928), la
Femme au corbeau (The River, 1929), Liliom (1930), Ceux de la zone (Man's
Castle, 1933). La plupart des films de la première partie de sa carrière
mêle aux aspects idéalisés de leurs personnages une étrange et très
personnelle religiosité qui rencontrera un cadre de plus en plus
réaliste.

Malgré un relatif déclin à partir de 1935, il réalisa encore
d'étonnants mélodrames comme l'Ensorceleuse (The Shining Hour, 1938), des
comédies sophistiquées comme Désir, avec Marlène Dietrich (Desire, 1936)
et, après une certaine éclipse, un film noir réputé intitulé le Fils du
pendu (Moonrise, 1948).

Branagh, Kenneth

Kenneth Branagh
(1960- )
Comédien, metteur
en scène et réalisateur britannique dont le nom est associé à celui de
Shakespeare, auteur qu’il a brillamment mis en scène au théâtre et adapté
au cinéma

Né à
Belfast (Irlande du Nord), Kenneth Branagh suit les cours de l’Académie
royale d’art dramatique jusqu’en 1981. Il est récompensé par le prix du
«jeune espoir» pour sa performance dans une pièce de Julian Mitchell,
Another Country («Un autre pays»), au Queen’s Theatre de Londres. En 1984,
il rejoint la prestigieuse Royal Shakespeare Company, au sein de laquelle
il interprète Henri V et, en 1992, Hamlet de Shakespeare.

Pour son premier long-métrage, l'acteur et metteur en scène de théâtre
Kenneth Branagh choisit une pièce de Shakespeare, déjà portée à l'écran
par Laurence Oliver en 1944. Il y fit montre d'un talent certain,
alternant scènes héroïques (la reconstitution de la bataille d'Azincourt)
et portraits psychologiques. Il signa par la suite deux nouvelles
adaptations du dramaturge anglais, Beaucoup de bruit pour rien (Much Ado
About Nothing, 1993) et Hamlet (1997).

Brannagh, Henry V
Emma
Thompson et Kenneth Brannagh dans Henry V (1989) de Kenneth Brannagh

En 1985, il monte sa première pièce, Tell me Honestly («Dis-moi
franchement»), et, l’année suivante, Roméo et Juliette. Avec la
Renaissance Theatre Company, qu’il fonde en 1987, il présente Public Enemy
(«Ennemi public») ainsi que de nombreuses oeuvres de Shakespeare, son
auteur de prédilection.

Le public international le découvre en 1989 grâce à son adaptation
cinématographique d’Henri V, dont il est à la fois le réalisateur et
l’acteur principal. Dès lors, il tourne pour le cinéma, avec la comédienne
Emma Thompson, sa femme, des adaptations de pièces de Shakespeare
(notamment Beaucoup de bruit pour rien, en 1993), mais aussi des comédies
graves et tendres comme Peter’s Friends (1992). Il a également réalisé en
1994 une adaptation fidèle et soignée du Frankenstein de Mary Shelley.

Brault, Michel

Michel Brault
(1928- )
Cinéaste
québécois

Reconnu pour sa maîtrise de la prise de vue
et de la photographie, il se fait remarquer comme un des maîtres du cinéma
direct. Après quelques années de collaboration avec le cinéaste français
Jean Rouch, il s’associe à Pierre Perrault pour réaliser
trois longs métrages : Pour la suite du monde (1963), Un pays sans bon
sens (1970) et l’Acadie... l’Acadie (1971). Il tourne aussi plusieurs
films personnels dont les plus connus sont Entre la mer et l’eau douce
(1967) et les Ordres (1974), film qui remporte le prix de la mise en scène
du festival du film de Cannes en 1975. De 1976 à 1980, il réalise avec
André Gladu la série le Son des Français d’Amérique. Extrêmement
polyvalent, il collabore à divers titres avec plusieurs cinéastes
québécois dont Claude Jutra, Anne-Claire Poirier
et Francis Mankiewicz. Un des ses films les plus récents est les Noces de
papier (1989). Il a reçu le prix Albert Tessier en 1986.

Breillat, Catherine

Catherine Breillat
(1951- )
Cinéaste et
romancière française

Née à Niort, fille d’un médecin cardiologue,
Catherine Breillat est, dès son adolescence, fascinée par la littérature
et par le cinéma. À seize ans, elle gagne Paris pour se consacrer à
l’écriture.

Au milieu des années soixante-dix, le producteur André Génovès lui
propose d’adapter son troisième roman au cinéma. Tourné en quatre semaines
dans un style expérimental et avec un budget restreint, Une vraie jeune
fille (1975) s’accorde toute liberté dans la représentation de la
sexualité. Mais le film n’est pas distribué car la société de production
dépose son bilan.

Catherine Breillat écrit ensuite les scénarios de Catherine et Cie
(1975) pour Michel Boisrond, de Bilitis (1977), d’après Pierre Louÿs, pour
David Hamilton, avant de tourner son deuxième long métrage, Tapage
nocturne (1979). Malgré la composition bouleversante de l’actrice
Dominique Laffin, le film est un échec public. Un malentendu s’installe
entre Breillat et la critique, qui juge son approche du désir et de la
sexualité trop abrupte. Pourtant, chez elle, cette thématique ne participe
nullement d’une provocation masquée sous un alibi culturel, mais d’un
véritable choix artistique. Son refus de tout compromis lui coûte
néanmoins neuf années de silence, pendant lesquelles elle coécrit les
scénarios de la Peau (la Pelle, 1981) de Liliana Cavani, de Et vogue le
navire (E la nave va, 1982) de Federico Fellini, et de Police
(1985) de Maurice Pialat.

Sur un sujet risqué, l’initiation sexuelle d’une adolescente par un
quadragénaire, 36 Fillette (1988), adaptation de son roman paru l’année
précédente, se révèle un film fort et dérangeant, dépourvu de complaisance
et de facilité. Son relatif succès permet à Breillat, après avoir cosigné
le scénario de Zanzibar (1989) de Christine Pascal, de tourner un film
policier à gros budget, Sale comme un ange (1991), avec Lio et Claude
Brasseur comme acteurs principaux. Malgré un succès public médiocre, le
film est cette fois largement soutenu par la critique.

En 1994, elle participe à l’aventure À propos de Nice, la suite,
hommage au court métrage de Jean Vigo. Son sketch Aux Niçois
qui mal y pensent est un impitoyable brûlot contre le racisme ordinaire.
Puis, un fait divers lui inspire Parfait Amour ! (1995), une nouvelle
tragédie du désir qui témoigne de la maturité de son talent. Violent et
beau, Romance (1999) affiche une intensité plus grande encore.

Catherine Breillat est également l’auteur d’une pièce de théâtre en
alexandrins, les Vêtements de la mer (1972), et a publié plusieurs romans,
l’Homme facile (1968), le Silence, après (1970), le Soupirail (1974),
Tapage nocturne (1979), Police (1985) et 36 Fillette (1987).

Bresson, Robert

Robert Bresson
(1901-1999)
Réalisateur
français, auteur de treize films, dans lesquels il s’est attaché à
communiquer (par une démarche de totale et rigoureuse ascèse) ce qui dans
les êtres ou dans les choses échappe à une attention
ordinaire

Au prix d'une réputation de cinéaste
difficile, Bresson qui a dit de lui-même : «je suis un classique», a
construit une oeuvre guidée par un désir souverain de pureté, de clarté et
de grâce.

Né à Bromont-Lamothe (Puy-de-Dôme), Robert Bresson pratique la peinture
et la photographie avant de tourner un moyen métrage burlesque interprété
par le clown Beby, les Affaires publiques (1934). Mais sa carrière
cinématographique débute réellement avec les Anges du péché (1943), une
oeuvre d’inspiration chrétienne à l'esthétique recherchée, coécrite avec
le révérend père Bruckberger, moine dominicain, et Jean Giraudoux.

Il réalise ensuite une adaptation de Diderot que Jean Cocteau a mise en dialogues,
les Dames du Bois de Boulogne (1945), film qui, même s’il ne convainc pas
le grand public, marque toutefois profondément une certaine critique
d’avant-garde et les futurs auteurs de la Nouvelle Vague. Ce film place
d'emblée Bresson parmi les grands créateurs de sa génération, évidence que
confirme, avec une magique sobriété, la transposition cinématographique du
roman de Georges Bernanos : le Journal d'un curé de campagne(1951).

À partir d’Un Condamné à mort s'est échappé (1956), Bresson cesse de
faire appel à des comédiens professionnels, préférant employer des
non-comédiens qu’il surnomme ses « modèles», et s'attache à exploiter une
forme sobre, rigoureuse, aux limites de l'abstraction mais cependant
poétique, dans laquelle les gestes, les regards et le son revêtent une
importance extrême, comme le démontre Pickpocket (1960), son
chef-d'oeuvre.

Bresson, Pickpocket

Fidèle à ce style très personnel, il pousse encore plus loin l'ascèse
avec son Procès de Jeanne d'Arc (1962), puis joue de la métaphore comme
d'un apologue dans Au hasard Balthazar (1966) et revient sublimer Bernanos
dans Mouchette (1967).

C’est la thématique torturée de Dostoïevski (crime, culpabilité,
châtiment et grâce) qui irrigue ses films suivants : Une femme douce
(1969) et Quatre nuits d'un rêveur (1972).

Un livreur de mazout se retrouve en possession de plusieurs faux
billets qu'un commerçant sans scrupule lui a volontairement remis. Il est
accusé par la police d'être associé à un trafic et perd son emploi. Sans
ressources, il prend alors part à un hold-up qui tourne mal ; il est
envoyé en prison. Durant sa détention, sa fillette meurt et sa femme le
quitte. À sa sortie, cet homme, mis au ban de la société, massacre sans
mobile apparent un couple d'hôteliers avant de tuer à coups de hache une
vieille femme chez qui il avait trouvé refuge. L'Argent est le dernier
film de Robert Bresson.

L'Argent

Après avoir tourné un remarquable Lancelot du lac (1974), il entreprend
une interrogation sévère de son époque et analyse, à sa manière, le mal de
vivre qui dévore la jeunesse contemporaine dans le Diable probablement
(1977). Son ultime film : l'Argent (1983), d'après Tolstoï, offre une
magnifique synthèse de toute son oeuvre cinématographique.

Broca, Philippe de

Philippe de Broca
(1933- )
Cinéaste
français de la Nouvelle Vague

Il a débuté en 1959 et qui a su enchaîner une
série de brillantes comédies. Ses premiers films révélaient une certaine
fraîcheur d'esprit et apportaient un ton nouveau au cinéma français. Avec
le concours de Jean-Paul Belmondo qui lui doit quelques-uns de ses
meilleurs rôles, il a réalisé trois films mêlant rythme, humour et
aventure : Cartouche (1962), l'Homme de Rio (1963) et les Tribulations
d'un chinois en Chine (1965). L'échec d'un film très personnel, le Roi de
coeur (1966) l'a orienté vers une série de comédies populaires plus
faciles où il mettait en valeur les vedettes du moment, Annie Girardot,
Marlène Jobert, Yves Montand, Philippe Noiret, etc. Il a également tourné
quelques fresques historiques : Louisiane (1984), Chouans ! (1987).

Brocka, Lino

Lino Brocka
1939-1991
Réalisateur
philippin

Né le 3 avril 1939 à San José, petite
bourgade au nord de Manille, Lino Ortiz Brocka ne s’était pas
immédiatement destiné au cinéma, bien qu’il fût un fervent de films noirs
américains et de ceux de son compatriote Gerardo de León (1913-1981). Un
moment, il a connu à l’université une crise de mysticisme, qui l’a
transformé en missionnaire mormon, soignant les malades d’une léproserie.
Cependant, la scène l’attire et il devient, très jeune, directeur du
Théâtre pédagogique philippin, pour lequel il monte des pièces de Sartre,
de Tennessee Williams et d’Arthur Miller. Ses premiers films sont des
commandes à caractère strictement commercial, dont il déclare lui-même
qu’il n’y a rien à retenir (Stardom, en 1971, lui vaut pourtant une
flatteuse réputation). En 1974, il fonde avec quelques amis une maison de
production indépendante, Cine Manila, dont l’objectif est la réalisation
de films ambitieux, d’inspiration réaliste. Son premier essai dans ce
domaine est un coup de maître : il s’agit de Maynila sa mga kuko ng
liwanag (littérallement «Manille dans les griffes du néon», 1975), projeté
en France en 1982 sous le titre Manille. Le protagoniste de cet âpre
mélodrame est un jeune paysan brutalement affronté aux mirages, aux
désillusions professionnelles et à la promiscuité de la «grande ville». Le
film est surtout l’histoire d’une révolte, d’une douloureuse prise de
conscience des inégalités sociales, qui n’est pas sans rappeler Les
Raisins de la colère.

Les autres films de Lino Brocka sont de la même veine : Insiang (1976),
tourné en deux semaines, en décors réels, retrace le poignant itinéraire
d’une jeune fille de dix-sept ans dans les bidonvilles de Manille; Jaguar
(1979) décrit les sanglants combats de rues que se livrent des bandes
rivales de petits délinquants; Bona (1980) est un voyage au bout de
l’humiliation, accompli par une femme soumise à une totale dépendance
sociale et psychologique; Bayan Ko (1984) relate la crise morale que
traverse un ouvrier imprimeur pris dans l’engrenage d’une grève. Partout,
toujours, la violence, le sexe, l’oppression, le mépris de l’autre, avec
l’unique alternative de la révolte ou du désespoir. Mais, surtout, un art
consommé de la narration filmique, une direction d’acteurs stupéfiante de
tension, une mise en scène nerveuse et contrôlée, un lyrisme à fleur de
peau, qui rapprochent Brocka des grands réalisateurs américains classiques
: Ford, Fuller, Nicholas Ray, avec un détour par
le néo-réalisme italien. Ce cinéma, écrit Michel Perez, «nous renseigne et
nous passionne, parce qu’il est narratif avant d’être politique,
dramatique avant d’être informatif».

Le dernier film de Lino Brocka, présenté au festival de Cannes 1989,
est quasi autobiographique et porte le titre significatif de Les Insoumis.
C’est une oeuvre apatride, coproduite par la France mais sans nationalité
officielle reconnue : un ancien prêtre et ancien maquisard, pris dans la
tourmente du fanatisme postrévolutionnaire, décide, après bien des
scrupules de conscience, de reprendre la lutte armée. Le message est
limpide, le style étonnamment dépouillé. «Chacun de mes films, disait Lino
Brocka, est un acte de désobéissance civile.» Nul mieux que lui n’a exalté
et illustré le droit et le devoir d’insoumission.

Broodthaers, Marcel

Marcel Broodthaers
(De son vrai nom Jean
Gutmann)
(1924-1976)
Artiste belge dont l'oeuvre inclassable, qui
touche à la littérature, à la poésie, au film autant qu'aux arts
plastiques proprement dits, tire un trait d'union entre le surréalisme
belge et les avant-gardes des années 1960 et 1970

Né à Bruxelles, d'abord libraire et
journaliste proche des surréalistes dans les années 1940, poète (il publia
son premier recueil, Mon livre d'ogre, en 1957) et cinéaste (la Clef de
l'horloge, 1957), il choisit de devenir artiste en 1963. Ses oeuvres
(assemblages, installations, environnements, etc.) emploient les matériaux
les plus variés, mettant souvent en jeu textes et photographies. De 1968 à
1972, il développa le projet d'un musée fictif, le Département des aigles,
qui critique par sa déconstruction le système muséal, ses classifications
et ses hiérarchies.

Dans la lignée de Marcel Duchamp et, plus encore, de Magritte, son
oeuvre s'est élaborée en majeure partie autour d'une réflexion sur la
signification des mots et des images, et sur leurs écarts sémantiques.
Malgré la relative brièveté de sa carrière, Marcel Broodthaers, dont
l'oeuvre a déjà fait l'objet de plusieurs rétrospectives, a continué
d'influencer une part importante de la création contemporaine.

Brook, Peter

Peter Brook
(1925- )
Metteur en scène de
théâtre et réalisateur de cinéma britannique, directeur du Centre
international de recherche du théâtre. Son travail autour de l’art de
l’acteur et de ses ressources vise notamment à abolir les frontières entre
les cultures

Peter Brook, l'un des plus grands metteurs en
scène britanniques de théâtre du XXe siècle, privilégia
l'absence d'artifice dans ses créations et mit au premier rang de ses
préoccupations le travail effectué par l'acteur à l'aide de son corps et
de sa voix. Après avoir créé le Roi Lear de William Shakespeare au théâtre
en 1962, Brook en proposa une version filmée en 1970. Il choisit de
tourner dans le Jutland, région balayée par les vents, afin de restituer
l'atmosphère orageuse de la pièce.

PREMIÈRES RECHERCHES, PREMIERS SUCCÈS

Né à Londres, Peter Brook fait ses études à l’université d’Oxford. Très
jeune, il présente avec succès, à Londres, ses premières mises en scène,
dirigeant déjà les plus grands acteurs anglais : Alec Guinness, dans
Vicious Circle en 1946 (Huis clos de Jean-Paul Sartre), Paul Scofield et
John Gielgud, dans Venise Preserved (Venise sauvée, 1682) de Thomas Otway
en 1953.

Peter Brook enrichit son expérience des théories de Brecht, de
Meyerhold, de Grotowski et d’Artaud. Dans cette perspective, il présente
un spectacle intitulé Une saison du théâtre de la cruauté, montage de
textes d’Artaud et de scènes des Paravents de Jean Genet. Il exprime ces
diverses influences dans les mises en scène de Marat/Sade de Peter Weiss
(présentée en 1962 et filmée en 1967), du Songe d’une nuit d’été (1970),
ou encore dans son film Sa majesté des mouches (Lord of the Flies,
1963).

En 1962, Peter Brook devient directeur de la Royal Shakespeare Company,
où il met en scène le Roi Lear avec Paul Scofield, qu’il présente lors
d’une tournée triomphale et dans une version cinématographique en 1970. À
l’occasion de ce travail, il expérimente «l’espace vide», écartant de la
scène tout décor, privilégiant la présence physique du comédien, par un
travail sur le corps et la voix à travers l’improvisation.

LE TEMPS DU CIRT

En 1970, avec Micheline Rozan qui vient du TNP (Théâtre national
populaire), il fonde à Paris le Centre international de recherche du
théâtre (CIRT). L’objectif est de mener des travaux de groupe, basés
notamment sur l’improvisation, avec des acteurs venus du monde entier.
Brook inaugure ici son exploration des possibilités de communication et de
rapprochement entre des milieux et des acteurs issus de traditions
culturelles hétérogènes. La compagnie présentera dans cet esprit des
«relectures» d’Ubu Roi (1977), de la Conférence des oiseaux (1979), fable
persane, ou encore de la Tragédie de Carmen (1981), adaptation théâtrale
de l’opéra de Bizet.

En 1974, aidé par l’État, le CIRT s’installe aux Bouffes du Nord,
théâtre à l’italienne en ruine du nord de Paris. Timon d’Athènes, le
premier spectacle qui y est donné en 1974 synthétise la vision brookienne
de l’espace théâtral. Citons ensuite la Cerisaie (1981) où, pour la
première fois, l’action scénique occupe tout l’espace. En 1985, après
plusieurs années de préparation, il crée le Mahabharata. Le spectacle est
représenté à la carrière de Boulbon près d’Avignon : commençant à la
tombée de la nuit pour ne s’achever qu’au lever du soleil, le Mahabharata
renoue avec la dimension sacrée du théâtre.

ÉCLECTISME ET QUESTIONNEMENT PERPÉTUEL

Les explorations de Brook le conduisent par la suite à s’intéresser aux
travaux du neurologue Olivier Sacks. Le travail collectif d’observation
qui s’ensuit donne naissance, en 1991, à l’Homme qui, adapté du livre de
Sacks l’Homme qui prenait sa femme pour un chapeau. La même année, le
Molière de la meilleure mise en scène et du meilleur spectacle
subventionné pour la Tempête de Shakespeare est attribué à Brook, lui dont
l’un des axes de travail a toujours été l’exploration des oeuvres dites
«secondaires» de Shakespeare, comme Titus Andronicus, spectacle avec
lequel il avait triomphé en 1955. En 1996, il met en scène Oh les beaux
jours de Beckett, avec Natasha Parry, son épouse, dans le rôle de Winnie,
puis, après une tournée triomphale, reprend en 1997 aux Bouffes du Nord
l’Homme qui. En 1999, il monte aux Bouffes du Nord deux pièces
sud-africaines : Sizwe Bansi est mort, d’Athol Fugard, John Kani et
Winston Ntshona et le Costume de Motobi Mutloatse, d’après Can Themba.

Peter Brook appréhende la mise en scène comme un questionnement de
l’Homme dans le monde. Au-delà de l’éclectisme de son répertoire et de ses
méthodes, il est attiré par des textes où l’individualité disparaît au
profit d’une voix qui transcende les limites du moi. Avec un oeil de
cinéaste, il défend un théâtre fondé sur le plaisir ludique et la
lisibilité d’un langage juste, sans artifice : un théâtre de la nature et
de l’innocence.

Brook a exposé sa vision du théâtre dans l’Espace vide (1968) et Points
de suspension (1990).

Brooks, Mel

Mel Brooks
(De son vrai nom Melvin
Kaminsky)
(1926- )
Réalisateur, acteur et scénariste américain,
spécialiste du remake loufoque

Mel Brooks naquit à Brooklyn, dans l'État de
New York, et y reçut de ses parents immigrés un «héritage culturel
judéo-russo-ukrainien». Au début des années 1940, il fut batteur dans un
groupe de jazz tout en se produisant comme comique dans le circuit
«bortsh». Son numéro de «l'homme âgé de deux mille ans» reste son sketch
le plus célèbre, conçu en collaboration avec Carl Reiner pour le Sid
Caesar Show, un spectacle qu'il monta dans les années 1950. En 1964, il
remporta un oscar pour un dessin animé, The Critic, réalisé avec Ernest
Pintoff. En 1968, son premier film, les Producteurs (The Producers), avec
Zero Mostel et Gene Wilder dans les rôles principaux, connut un succès
immédiat. Son film suivant, le Mystère des douze chaises (The Twelve
Chairs, 1970), fut un échec retentissant mais le succès lui sourit à
nouveau avec Le shérif est en prison (Blazing Saddles), une parodie de
western, en 1974. Depuis, il continue de réaliser des comédies dans
lesquelles il joue parfois : Frankenstein junior (Young Frankenstein,
1974), la Dernière Folie de Mel Brooks (Silent Movie, 1976), le Grand
Frisson (High Anxiety, 1977), son remake du classique d'Ernst Lubitsch, avec Jack Benny,
To Be or Not to Be (1983), et bien d'autres. Mel Brooks apporte une touche
d'humour juif très particulier, le «chutzpah». Ses films les plus récents,
la Folle Histoire de l'espace (Spaceballs, 1987), et Sacré Robin des Bois
(Robin Hood, Men in Tights, 1993), sont beaucoup moins satiriques et se
rapprochent davantage de la comédie bouffonne, plus commerciale.

Brooks, Richard

Richard Brooks
(1901-2000)
Réalisateur
français à la facture classique mais au ton sarcastique et volontiers
anticonformiste

Brooks, Richard (1912-1992), cinéaste
américain dont les préoccupations humanistes et les aspirations
démocratiques sont à l’origine de ses films les plus célèbres : Bas les
masques, Graine de violence et le Carnaval des dieux. Venu de la radio au
cinéma, où il fut d’abord scénariste, il évoqua dans ses films le conflit
entre morale et société : Cas de conscience (Crisis, 1950), Bas les
masques, sur le journalisme (Deadline USA, 1952), Graine de violence, sur
la délinquance juvénile (The Blackboard Jungle, 1955), le Carnaval des
dieux, sur le racisme (Something of value, 1957) ou encore la Chatte sur
un toit brûlant (Cat on a Hot Tin Roof, 1957), d’après Tennessee Williams.
Il s’est exprimé d’une manière plus flamboyante dans Elmer Gantry le
Charlatan (Elmer Gantry, 1960) et Lord Jim (1965) et a donné un exact
équivalent cinématographique au livre de Truman Capote De sang froid (In
Cold Blood, 1967). Il fut également l’auteur de nombreux romans.

Brooks, la Chatte sur un toit
brûlant

Adapté d'une pièce de Tennessee Williams, la Chatte sur un toit brûlant
(Cat on a Hot Tin Roof, 1958) de Richard Brooks est l'un des premiers
films américains à traiter sans détours du désir et de la frustration
sexuelle. Paul Newman en mari impuissant et Liz Taylor en épouse délaissée
forment un couple inoubliable.

Browning, Tod

Tod Browning
(1882-1962)
Cinéaste
américain, ancien assistant de David Wark Griffith, réalisateur
de nombreux films interprétés par Lon Chaney et devenu un spécialiste du
film fantastique dès les années 1920

Né à Louisville, dans le Kentucky, Tod
Browning abandonna très jeune ses études pour suivre une troupe itinérante
d’artistes de cirque. Tenté par le cinéma, il débuta dans la mise en scène
en 1917 et confia dès 1919 à Lon Chaney un rôle de mendiant difforme dans
Fleur sans tache (The Wicked Darling).

Chaney allait devenir l’acteur fétiche du réalisateur, et il le dirigea
dans une série de films parfois mélodramatiques où il mettait à profit ses
dons de transformation : le Club des trois (The Unholy Three, 1925),
l’Oiseau noir (The Black Bird, 1926), la Route de Mandalay (The Road to
Mandalay, 1926), l’Inconnu (The Unknown, 1927), le Loup de soie noire (The
Big City, 1928), le Talion (West of Zanzibar, 1928).

Freaks

Freaks (ou la Monstrueuse parade, ci-contre le réalisateur entouré de
quelques-uns de ses acteurs) demeure aujourd'hui encore un film-monstre,
un film comparable à nul autre par la force tranquille et innocente de son
propos et l'impression durable de malaise qu'il suscite. En tournant
Freaks, Tod Browning retrouve d'ailleurs un monde familier, lui qui
s'était très tôt enfui du domicile familial pour travailler dans les
cirques : au vrai, le regard de Browning sur les monstres, ses acteurs,
est empreint d'une forte teneur documentaire - antidote idéal à la
complaisance voyeuriste. Insuccès notoire, le film précipite la fin de la
carrière de Tod Browning.

Auteur en 1931 d’une célèbre version de Dracula, avec Bela Lugosi dans
le rôle-titre, il réalisa un an plus tard son chef-d’oeuvre, Freaks (la
Monstrueuse Parade, 1932), qui met en scène les « monstres » du cirque
Barnum, personnages dignes et sensibles victimes de l’avidité des êtres
« normaux ». Tod Browning réalisa deux autres longs-métrages tout aussi
inspirés, la Marque du vampire (Mark of the Vampire, 1935) et les Poupées
du diable (The Devil Doll, 1936), et tourna son dernier film, Miracles for
Sale, en 1939.

Browning, Dracula

S'il ne s'agit pas du meilleur film de Tod Browning, Dracula est sans
doute sa contribution la plus célèbre au cinéma d'épouvante et l'emploi de
Bela Lugosi dans le rôle-titre est incontestablement l'un des «castings»
les plus judicieux de l'histoire du cinéma.

Buñuel, Luis

Luis Buñuel
(1900-1983)
Réalisateur
espagnol

Né à Calanda, Luis Buñuel fait ses études à
l'université de Madrid. Après avoir fait la connaissance du peintre
surréaliste Salvador Dalí, il écrit avec celui-ci ses deux premiers films,
Un chien andalou (1928) et l'Âge d'or (1930).

Ancien étudiant chez les jésuites à Saragosse, nul mieux que le
réalisateur espagnol Luis Buñuel n'a battu en brèche les fondements de la
civilisation chrétienne. Cette critique acerbe et son pendant,
l'exaltation du désir érotique (notamment dans Cet obscur objet du désir),
s'accompagnent d'un intérêt exclusif pour les productions de l'art
chrétien. Par ailleurs, Luis Buñuel n'a-t-il pas professé son penchant
profond pour le mystère ?

Luis Buñuel (entretien)

Ces deux chefs-d'oeuvre du cinéma d'avant-garde contiennent déjà
l'imagerie insolite et onirique caractéristique de ses films ultérieurs.
Buñuel réalise ensuite Terre sans pain (Las Hurdes/Tierra sin pan, 1932),
un documentaire sur la région la plus déshéritée d'Espagne. Il assume par
la suite diverses fonctions au sein de l'industrie cinématographique en
Europe et aux États-Unis avant de revenir à la réalisation à partir de
1947. Jusqu'en 1955 environ, il tourne au Mexique.

Buñuel, la Vie criminelle d'Archibald
de la Cruz

Grondé par son austère et séduisante gouvernante, un jeune garçon
fantasme la mort de cette femme qu'il désire simultanément. À peine a-t-il
formulé consciemment ce souhait qu'une balle perdue fauche la jolie
personne, déclenchant chez lui une terrifiante euphorie érotique. Devenu
adulte (ci-dessus Ernesto Alonso), il est persuadé qu'il peut mettre en
scène la mort des femmes qu'il désire, mais les circonstances le
frustreront toujours d'un véritable passage à l'acte - jusqu'à ce qu'un
véritable amour le délivre de cette monomanie érotique. Arrivé au Mexique
en 1946, Luis Buñuel y réalise 19 films en vingt-et-un ans, dont
quelques-unes de ses oeuvres majeures comme El, Los Olvidados (1950),
l'Ange exterminateur ou cette comédie noire et ironique, au parfum
érotique d'inquiétante étrangeté, la Vie criminelle d'Archibald de la Cruz
(Ensayo de un crimen).

Ces années constituent une deuxième période dans l'oeuvre
cinématographique de Buñuel. Los Olvidados (1950) l'imposent de nouveau
comme un grand réalisateur. Tourments (El, 1952) et la Vie criminelle
d'Archibald de la Cruz (Ensayo de un Crimen, 1955) figurent parmi ses
meilleurs films mexicains, nourris de références à Sade et à la religion,
thèmes chers aux surréalistes.

Buñuel, Cet obscur objet du
désir
Carole Bouquet et Fernando Rey dans Cet obscur objet du désir
(1978) de Luis Buñuel

Dans le train qui le mène à Paris, Mathieu Faber (Fernando Rey) raconte
à deux passagers, un magistrat et un psychologue nain, l'amour qu'il a
éprouvé pour une jeune femme de chambre, Conchita (le rôle est tenu par
deux actrices, Carole Bouquet et Angela Molina), qui ne s'appliquait qu'à
l'humilier. Librement adapté par Jean-Claude Carrière du roman de Pierre
Louÿs la Femme et le Pantin (1898), le film est le dernier long-métrage de
Luis Buñuel.

Après un bref retour en Espagne, avec Viridiana (1961), bientôt
interdit par le régime franquiste, il entame une collaboration fructueuse
avec Jean-Claude Carrière. Les films réalisés à partir de cette rencontre,
souvent composés de suite de sketches, constituent une troisième période.
La vision qu'a Buñuel des pulsions humaines dominées et paralysées par le
poids de la répression religieuse et politique se traduit par un
symbolisme dérangeant, fréquemment teinté d'un humour absurde. Exemple
classique de son cynisme, le Charme discret de la bourgeoisie (1972),
remporte l'oscar du meilleur film étranger et est cité par nombre de
critiques comme une des oeuvres les plus remarquables des années
soixante-dix. Parmi les principaux films de Luis Buñuel, il faut encore
citer le Journal d'une femme de chambre (1964) avec Jeanne Moreau, l'Ange
exterminateur (El Angel exterminador, 1962), Belle de jour (1967) avec
Catherine Deneuve et d'après une nouvelle de Joseph Kessel, le Fantôme de
la liberté (1974) et Cet obscur objet du désir (1977).

Burton, Richard

Richard Burton
(de son vrai nom Richard
Walter Jenkins)
(1925-1984)
Acteur et réalisateur
britannique

Burton décida dès son plus jeune âge de faire
du théâtre et monta pour la première fois sur scène à l'âge de douze ans.
Au moment de la Seconde Guerre mondiale, ayant interrompu ses études, il
s'engagea dans la Royal Air Force. Dès 1950, il gagna les États-Unis et
débuta au théâtre où il connut aussitôt le succès. Il est célèbre pour ses
interprétations dans les pièces de Shakespeare à l'Old Vic Theatre de
Londres : Hamlet, Twelfth Night, The Tempest et Othello (1953-1954). Il
interpréta également d'autres rôles avec la compagnie Emlyn William, dont
Druid's Rest (1944), The Lady's Not for Burning (1949) et The Boy with a
Cart (1950). Burton mena parallèlement sa carrière cinématographique avec
Ma cousine Rachel (My Cousin Rachel, 1952), de Henry Koster, les Corps
sauvages (Look Back in Anger, 1959), de Tony Richardson, Becket (1964), de
Peter Glenville et la Nuit de l'iguane (The Night of the Iguana, 1964), de
John Huston. Il se maria cinq
fois, dont deux fois avec Elizabeth Taylor (1964-1974, 1975-1976), avec
qui il joua notamment dans Cléopâtre (Cleopatra, 1963), de Joseph Mankiewicz, Qui a peur de
Virginia Woolf ? (Who's Afraid of Virginia Woolf ?, 1966), de Mike Nichols
et la Mégère apprivoisée (The Taming of the Shrew, 1967), de Franco Zeffirelli. En 1983,
Burton interpréta son dernier rôle au théâtre à New York où, avec Liz
Taylor, il reprit la pièce Private Lives. Il apparut pour la dernière fois
au cinéma dans 1984, d'après le roman de George Orwell.

Richard Burton et Liz Taylor dans Qui
a peur de Virginia Woolf ? (1966) de Mike Nichols.
Un couple,
Martha et George, se dispute violemment devant leurs invités. Adapté d'une
pièce à succès d'Edward Franklin Albee, le film de Mike Nichols réunit
pour la seconde fois Liz Taylor et Richard Burton, dont les démêlés
conjugaux ont fait hors écran le bonheur des gazettes à sensation.

Burton, Tim

Tim Burton
(1959- )
Cinéaste
américain

Né à Burbank, Tim Burton débute comme
animateur au studio Walt Disney sur Rox et Rouky (The Fox and the Hound,
1979) et Taram et le chaudron magique (The Black Cauldron, 1985). Il
réalise à vingt-trois ans son premier court métrage, Vincent (1982), suivi
de Hansel and Gretel (1982) et Frankenweenie (1982), puis il tourne
Aladdin and the Wonderful Lamp (1984) pour la télévision et enfin son
premier long métrage de cinéma : Pee Wee’s Big Adventure (1985).

Après un court métrage pour la série Alfred Hitchcock Presents, The
Jar (1985), et une série de dessins animés pour la télévision, Family Dog
(1985), il réalise Beetlejuice (1987) où s’installe déjà son univers
personnel marqué par la bande dessinée et les films de série B des années
cinquante. Il connaît le succès avec Batman (1989) et réalise ensuite un
chef-d’oeuvre : Edward aux mains d’argent (Edward Cissorhands, 1990),
fable cruelle et poétique d’une extraordinaire beauté. Batman le défi
(Batman Returns, 1992), avec ses références à l’expressionnisme, marque la
fusion des ambitions artistiques de Tim Burton avec les codes de la
superproduction.

Toujours soucieux de ne pas se laisser enfermer dans un genre, il
enchaîne avec l’écriture et la production d’un dessin animé réalisé par
Henry Selick sous forme de comédie musicale funèbre et morbide, l’Étrange
Noël de Monsieur Jack (The Nightmare Before Christmas, 1993), suivi d’un
hommage au cinéaste de série Z, Ed Wood (1994), qui est un échec
commercial. Il renoue avec le succès grace à Mars attaque (Mars Attacks,
1996), farce de science-fiction cocasse et satire de
l’Amérique.

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